Nedavno preminuli ugledni zdravnik, znanstvenik, naravoslovec, mikrobiolog, imunolog, predavatelj, humanist in javni intelektualec Alojz Ihan (1961–2026) je bil ob svojem vrhunskem strokovnem delu, ki ga je nenehno prevajal tudi v poljudnoznanstvene sfere, vseskozi zavezan književnosti. Nekdanji urednik knjižne zbirke Aleph ter revij Problemi, Literatura in Sodobnost je ob dolgoletnih kolumnističnih objavah, največ v Delu, objavil pesniške zbirke Srebrnik (1985), Igralci pokra (1989), Pesmi (1989), Ritem (1993), Južno dekle (1995) in Salsa (2003), esejistična dela Platon pri zobozdravniku (1997), Deset božjih zapovedi (2000), Državljanski eseji: O fiziologiji človeške moralnosti (2012), Čas nesmrtnosti: Smrt v dobi bionike (2016) in Skupinska slika z epidemijo (2022) ter romane Hiša (1991), Romanja za dva … in psa (1998), Hvalnica rešnjemu telesu (2011), Slike z razstave (2013), Karantena (2022) in Tihotapec(2025). Prejemnik več nagrad in priznanj je za Srebrnik prejel nagrado Prešernovega sklada in jugoslovansko nagrado Goran za mlade pesnike, za Južno dekle Jenkovo nagrado in Rožančevo nagrado za Državljanske eseje.
Alojz Ihan: Tihotapec / Ljubljana: Beletrina, 2025. (Knjižna zbirka Beletrina)
Njegov poslednji roman Tihotapec je tematsko nadaljevanje predhodne Karantene, pregled Ihanovega celotnega romanesknega in esejističnega opusa pa kaže na globljo povezavo njegovih del. Če pustimo ob strani dejstvo, da je protagonist, okoli katerega je Ihan napletal tematsko razvejano in sočasno stanje družbe razkrivajočo zgodbo, vselej moški in da mu je pogosto ime Andrej – dermatolog Andrej Kurent v proznem prvencu Hiša, računalničar Andrej Gorjan v romanu Romanje za dva … in psa ter rentgenolog Andrej Kos v Karanteni in Tihotapcu –, je njegov intelektualec vselej vpet v zapletene družbene in družinske odnose. Na ta način je avtor razkrival kompleksnost in zamotanost določenega družbenega trenutka in njegovih anomalij ter krhkost in zakrknjenost medčloveških in družinskih odnosov sodobnega časa.
Da epidemija ni bila zgolj problem zdravstva, ampak tudi globok družbeni in osebni pretres, je Ihan nazorno popisal v romanu Karantena. Zasnoval ga je kot cerkveno fresko, ki naj bi se z vitražno svetlobo preslikala v bralca in tam zaživela svoje življenje. Naslov romana je razen na svetovno krizo meril tudi na več »karanten« na intimni ravni, v katere so desetletja dolgo zapredeni njegovi protagonisti in jih nove, neznane in ogrožujoče razmere pretresajo do srži.
Če pustimo ob strani dejstvo, da je protagonist, okoli katerega je Ihan napletal tematsko razvejano in sočasno stanje družbe razkrivajočo zgodbo, vselej moški in da mu je pogosto ime Andrej, je njegov intelektualec vselej vpet v zapletene družbene in družinske odnose.
Tihotapec razkriva družbeno stanje po pandemiji, v katerem še vedno veljajo v pandemiji zrušena družbena pravila in kjer je v ospredju brezobzirna igra moči kot osrednji vzvod družbe. Prav tako se po treh letih znova pojavi Andrejeva neugodna in napredujoča bolezen in po dramatičnih pretresih na jadrnici Marissa kot skorajda edinem prizorišču romana kljub odprtemu koncu napove sumljiv izid. Izid, zaradi katerega se oba poslednja romana Alojza Ihana bereta drugače od trenutka, ko je šokirana strokovna in laična javnost izvedela za njegov odhod, prvotno sumljivost romanesknega zaključka nenadoma prevrti v tragičnost in opozori na precej večjo avtobiografsko dimenzijo pripovedi, o kateri je bralec prej lahko zgolj domneval in ki za veličino avtorjevega opusa ni imela posebne teže. Res je, da je nima tudi zdaj, a vendarle je nepričakovani in žalostni dogodek nehote vzpostavil dodatni pogled na avtorjevo literaturo.
Tako z Andrejevo neugodno diagnozo s slabo prognozo kot s spremenjenimi družbenimi vrednotami, ko sta se etika in morala zazdeli kot nezadostni ali celo odvečni kategoriji, saj so ju pohodile igre moči, Ihan tudi v svojem poslednjem romanu krmari po premici (ne)moči, da bi pokazal na krhkost tako posameznika kot družbe. Pri tem podobno kot Karantena tudi Tihotapec presega osebni konflikt in se kljub dolgim, esejističnim pasažam Andrejeve samorefleksije, poudarjenega antagonizma med Andrejem in Mariem, ki sta zamenjala vlogi – Andrej zaradi na novo vzpostavljenih prioritet, ki mu jih narekuje bolezen, proda v Karanteni kupljeno Marisso Mariu in mu jo kot skiper pomaga vrniti v pristanišče v Trstu –, ter podrobnim opisom plovne poti od Rima do Trsta razvije v kriminalko. Ko naj bi se po Marievem vztrajanju na poslovnem postanku v Budvi pri premožnem ruskem poslovnežu in mafijskem šefu Kudinovu v trupu jadrnice nenadoma pojavila droga, to prinese nov fokus za vse prisotne. Ta sprva ne vključuje prijave na policijo in se vrti okrog sumničenj, manipulacij, odnosa rabelj–žrtev in predvsem Andrejeve skrbi, kako se z najmanj težav čim prej vrniti domov k soprogi in hčerki in preveriti svoje zdravstveno stanje.
Pri tem podobno kot Karantena tudi Tihotapec presega osebni konflikt in se kljub dolgim, esejističnim pasažam Andrejeve samorefleksije, poudarjenega antagonizma med Andrejem in Mariem, ki sta zamenjala vlogi.
V drugem delu romana zaostreno pripoved moških egov mehča prisotnost spretne, dobrosrčne in materinske Rusinje Marine. Z njo in Kudinovom Ihan razpreda tudi o razpadu Sovjetske zveze in njegovih posledicah za posameznike – kar se v celotni zgodbi bere kot metafora za razpad(anje) sveta –, pri čemer se je vsakdo znašel po svoje; Kudinov s črnogorsko rezidenco, od koder varno preprodaja stanovanjske komplekse v Dubaju. Na tem mestu velja opozoriti na še en paradoks Tihotapca, ki ga avtor ni mogel predvideti; če je v času nastajanja romana Dubaj še veljal kot varno zatočišče za vse sorte kriminalcev, ki so svoje na različne načine pridobljeno premoženje varno nalagali v Dubaj in verjeli, da bo tam za vselej nedotakljivo, dobiva branje romana v zadnjem času nove, humorno-sarkastične dimenzije. Zaradi nedavnega ameriško-izraelskega napada na Iran in premešanj vojaško-političnih moči na Bližnjem vzhodu se je tudi z dotlej varnim Dubajem zgodilo to, kar se dogaja v zadnjih dveh Ihanovih romanih tako rekoč s celotnim svetom; varnost se je tudi tukaj pokazala za iluzorno. Če je Ihan s prisotnostjo ruske mafije v postpandemičnem svetu podčrtal novo družbeno in politično perspektivo, v kateri je edino merilo moč, ki jo najbolj univerzalno uteleša mafija kot metafora družbe brez moralnih sidrišč, se je z letošnjim marcem pokazalo, da je tudi ta moč ranljiva in nikakor brezkončna.
Zaradi nedavnega ameriško-izraelskega napada na Iran in premešanj vojaško-političnih moči na Bližnjem vzhodu se je tudi z dotlej varnim Dubajem zgodilo to, kar se dogaja v zadnjih dveh Ihanovih romanih tako rekoč s celotnim svetom; varnost se je tudi tukaj pokazala za iluzorno.
Uvod in zaključek romana uokvirja Ihanova pesem Tihotapec, objavljena v več njegovih pesniških zbirkah, ki romanu dodaja intimno, lirično dimenzijo. »Vsi smo nekakšni tihotapci svoje preteklosti, ki jo le težko razkrivamo,« je avtor povedal na predstavitvi romana na Slovenskem knjižnem sejmu minulo jesen. »Največkrat le v ekstremnih okoliščinah, ki nas prisilijo, da se nehamo ogrinjati v svoj ego, ker nam gre za temeljni obstoj, za osnovno eksistenco. Zato je v mojem romanu veliko ‘tihotapcev’ svoje preteklosti, od Rusov, ki skrivajo vsak svojo kruto zgodbo razpada lastne države in skupnosti, do Andreja in Maria. Pri vseh, ki se znajdejo na Marissi, razkrivam njihove dramatične zgodbe, ki jih tihotapijo skozi življenje in samo v skrajnih stiskah udarijo na dan. A hkrati so ti preboji tudi zdravilni in edini sprožijo odločitve, ki prinesejo nekakšno razrešitev.«
Podobno kot v Karanteni je delne razrešitve deležen tudi Tihotapec. Z nepredvidljivim in humornim, a diskutabilnim in dramaturško nekoliko (pre)hitrim zaključkom bralca res prevzamejo občutja olajšanja, ki spominjajo na katarzo. Ostaja pa grenak priokus, saj se napredujoče neozdravljive bolezni tudi v literaturi ne more podvreči odrešitvenemu saltu mortale.
Uvod in zaključek romana uokvirja Ihanova pesem Tihotapec, objavljena v več njegovih pesniških zbirkah, ki romanu dodaja intimno, lirično dimenzijo.
Ne glede na to poslednji roman Alojza Ihana podobno kot vsa njegova dela, tako prozna kot pesniška, nastavlja zrcalo družbi, v kateri živimo. Ne z namenom zgolj destrukcije, ampak kot jasno svarilo, da je posameznik kljub biološkim in družbenim silnicam še vedno tisti, ki ima možnost izbire. Da si je ob skrbi zase nenehno treba prizadevati tudi za medsebojne odnose, glede na dogajanje zadnjih let pa predvsem, da je družbo treba postaviti na nove, zdrave in na etičnih merilih vzpostavljene temelje. Tudi zato, da bo posameznik, podobno kot ob zaključku romana Andrej, ob zavedanju neizbežnosti lastnega konca »olajšano začutil, da je pripravljen na odhod«.
Časi so taki: kot že tolikokrat v zgodovini se spet sprašujemo, ali se v svetu, kjer »človek velja toliko, kar plača« (Prešeren), sploh še splača biti dober. Ne samo to: ponovno se uveljavlja mnenje, da je biti dober sicer lepo, a naivno. Celo noro. Dobrota naj bi bila, kot svari že stari slovenski rek,sirota. Je torej dobro, da smo dobri? Od kod sploh ideja, da ni vedno dobro biti dober?
Miselni eksperiment: bi odprli vrata svojega doma, če bi vam pozno ponoči na vrata potrkal neznanec in vas zaprosil za prenočišče? In če bi mu: bi mu odprli tudi, če bi vedeli, da je ta neznanec kaznjenec, ki je nedavno, po devetnajstih letih prisilnega dela, stopil iz zapora na prostost? Bi ga povabili, naj vstopi, če bi vedeli, da ga je teh devetnajst let pozverinilo? Da je po vsem prestanem začetek in konec vseh njegovih misli »mržnja do človeške postave; tista mržnja, ki /…/ se sprevrže v nedoločno ter nenehno in surovo željo po škodovanju komurkoli, kateremukoli živemu bitju.« (87) Bi?
Časi so taki: kot že tolikokrat v zgodovini se spet sprašujemo, ali se v svetu, kjer »človek velja toliko, kar plača« (Prešeren), sploh še splača biti dober.
Kaznjenec, o katerem pišem, je Jean Valjean, junak zgodovinskega romana Nesrečniki (1861) Victorja Hugoja. Ko so ga po devetnajstih letih izpustili iz zapora, je zaman trkal na vrata prenočišč; povsod so mu odrekli gostoljubje takoj, ko so izvedeli za njegovo preteklost. Verjetno se ne bi premislili niti, če bi vedeli, zaradi česa je bil poslan za rešetke: v mladosti je ukradel hlebec kruha! Za sedem sestradanih sestrinih otrok. Kar, kot poudari tudi pripovedovalec, v tistih časih ni bilo nič posebnega: »Neka angleška statistika ugotavlja, da je štirim tatvinam od petih neposredni vzrok lakota.« Pek ga zaloti, orožniki ga ujamejo, sodišče pa ga obsodi na pet let prisilnega dela. Toda to še ni vse: zaradi štirih poskusov pobega se zaporna kazen podaljša za štirinajst let. Devetnajst let, ki jih preživi v izjemno surovih razmerah, krepko načne tudi njegov moralni značaj: »Lastnost takšnih kazni je /…/, da človeka spremenijo v zverino« (85).
To je bil Valjean, ko je iskal prenočišče. Zverina. In verjetno bi tisto noč prespal pod milim nebom, če ne bi na koncu obupan potrkal še na vrata škofije v Dignu. Na njegovo veliko presenečenje ga škof, monsignor Bienvenu, gostoljubno sprejme, ne premisli si niti, ko ga zagrenjeni Valjean posvari, da je »galjot«. Dobrodušni škof mirno odvrne: »Tukaj ni nihče doma, razen tistega, ki potrebuje zavetišče. To vam povem, popotnik, vi ste tukaj bolj doma kot jaz« (72). Galjota pričakajo tople jedi na srebrnem priboru in mehka postelja z belimi rjuhami.
Ko so ga po devetnajstih letih izpustili iz zapora, je zaman trkal na vrata prenočišč; povsod so mu odrekli gostoljubje takoj, ko so izvedeli za njegovo preteklost. Verjetno se ne bi premislili niti, če bi vedeli, zaradi česa je bil poslan za rešetke.
A kot rečeno, Valjean je zdaj zverina; sredi noči se zbudi, pograbi srebrnino in se požene v beg. Ne pride daleč: spet ga ujamejo orožniki in privedejo pred škofa – s srebrnim plenom vred. Samo ugibamo lahko, koliko let bi mu tokrat izrekla »roka pravice«, če škof ne bi, »kakor mu je dala visoka starost«, prihitel z dvema velikima srebrnima svečnikoma in na veliko presenečenje vseh vzkliknil: »Podaril sem vam tudi svečnika, ki sta prav tako srebrna kakor vse drugo in bi lahko dobili zanju svojih dvesto frankov. Zakaj ju niste odnesli s posodo vred?«
Osupli orožniki Valjeana izpustijo in odidejo, škof pa nekdanjemu kaznjencu porine v roke oba svečnika in reče: »Ne pozabite, nikoli ne pozabite, da ste mi obljubili porabiti to srebro zato, da postanete poštenjak!«
Škofovo dejanje lahko cenimo, malokdo bi bil tako velikodušen, toda: je bilo dobro, da je bil škof tako dober? Kaj ni neodgovorno podariti srebrnino nekdanjem kaznjencu, ki čuti »surovo željo po škodovanju komurkoli, kateremukoli živemu bitju«? Naj, medtem ko presojate, dodam, da to še zdaleč ni bilo njegovo edino dobro delo: ubogim je redno podarjal vse svoje prihodke in prihodke župnije. Bil je »v vsaki stvari pravičen, resničen, natančen, bister, ponižen in dostojanstven, dobrodelen in dobromisleč, kar je tudi dobrodelnost zase.« Veljal je za posebneža, ki ima »velik pribitek ljubezni. Zaradi tega, quia multum amavit, so ga imeli ›resni ljudje‹, ›razsodni ljudje‹ in ›preudarni ljudje‹ za ranljivega /…« (49). Naivnega, bi rekli v naših krajih. Toda dobričina se za to ni menil: v človeka je trdno verjel tudi, kadar je vse govorilo proti.
Je danes možno biti tak »škof«? In če da: je to dobro? Razumno?
Škofovo dejanje lahko cenimo, malokdo bi bil tako velikodušen, toda: je bilo dobro, da je bil škof tako dober? Kaj ni neodgovorno podariti srebrnino nekdanjem kaznjencu, ki čuti »surovo željo po škodovanju komurkoli, kateremukoli živemu bitju«?
(Evolucijska) psihologija ima jasen odgovor. Konec osemdesetih je ameriški politolog Robert Axelrod zasnoval računalniški program, virtualni svet, s katerim je, izhajajoč iz znamenite zapornikove dileme*, skušal odgovoriti prav na to vprašanje: Kako dobri smemo biti do drugih, da je to še razumno? V tem virtualnem svetu so med seboj sodelovali programi, ki jih lahko uvrstimo v tri večje skupine. V prvo so sodili takšni, ki so bili altruistični. Recimo jim Škofje. V drugo so sodili skrajno sebični. Recimo jim Zverine. V tretjo pa programi, ki so sodelovali z drugimi, a le, če so tudi drugi (pošteno) sodelovali z njimi. Recimo jim Daj-dam.
Katera skupina je propadla prva? Škofje! Nato Zverine. Obstala oziroma zmagala je skupina Daj-dam, in sicer zelo preprost program z zgovornim imenom MILO ZA DRAGO (tit for tat), ki ga je zasnoval kanadski teoretik Anatol Rapoport. Njegova pravila so bila skopa, obsegala so le nekaj vrstic kode. »Ob prvem stiku s kakim drugim programom je sodeloval. Ob poznejših stikih pa je storil tako, kakor se je drugi program odzval v predhodnem srečanju. Dobro delo je poplačal z dobrim, slabo pa s slabim,« je eksperiment povzel evolucijski psiholog Robert Wright v knjigi Moralna žival (1994). Škofova brezpogojna dobrota je torej nerazumna – vsaj z vidika golega preživetja. Premišljen daj-dam (»Bodi dober, a le, če so tudi drugi dobri s teboj«) vsem prinaša največji blagor in je znak čustvene zrelosti, ki se zna in zmore ubraniti pred zlorabo. Tako (evolucijska) psihologija.
Konec osemdesetih je ameriški politolog Robert Axelrod zasnoval računalniški program, virtualni svet, s katerim je, izhajajoč iz znamenite zapornikove dileme*, skušal odgovoriti prav na to vprašanje: Kako dobri smemo biti do drugih, da je to še razumno?
Drugače pa književnost: njeni največji junaki so tisti, ki ne preračunavajo kar naprej kot kakšen Garmin v slepi ulici. Ko gre za dobro, ne sklepajo kompromisov. Tudi največji med največjimi – Cervantesov Don Kihot.** Španski vitez slovi predvsem po svoji norosti – ne loči med stvarnostjo in utvaro –, ne pa tudi po svoji neomajni zavezanosti najvišjim idealom in boju za svet, iz katerega bodo pregnane vse krivice. Kako je mogoče, da tako brezkompromisno dobrega človeka vidimo kot poosebljenje norosti? Prav zato! Ker je brezkompromisno dober človek.
Stopimo za korak nazaj. Na prvi pogled se zdi, da je imel Don Kihot zgolj smolo, ker se je rodil v napačnem času – na pragu novega veka. V starem in srednjem veku ne bi izstopal: takrat ni bilo nič čudnega, če se je človek z dušo in telesom zapisal boju za najvišje dobro – nasprotno, to je bil najvišji možni cilj –, nadnaravno pa je tako ali tako priznaval »ves stari vek z izjemo velikih starogrških znanstvenih šol in njihovih rimskih privržencev /…/« (Renan 169). Nesrečno naključje je, da se je rodil v času, v katerem je v ospredje stopil razum posebne vrste: tak, ki priznava in vidi le, kar je merljivo, preverljivo (in koristno). Kdor vidi svet onkraj teh koordinat – tudi to, kar je očem nevidno –, je razglašen za čudaka. Za Don Kihota.
Da je tako, potrjuje tudi njegov antipod, prizemljeni in pragmatični oproda Sančo Pansa: ker vidi le, kar je vidno očem, velja za razumnega.
Na prvi pogled se zdi, da je imel Don Kihot zgolj smolo, ker se je rodil v napačnem času – na pragu novega veka.
Tako je videti na prvi pogled. Če pa smo pozornejši, opazimo, da Don Kihot ni izgubil razuma, ampak se mu je odrekel: ne želi biti razumen, če se mora zaradi tega odreči svojemu brezkompromisnemu boju za dobro. V svetu, v katerem vlada razum, je namreč prvo (in pogosto tudi zadnje) moralno načelo daj-dam, brezpogojna zavezanost dobremu pa le kratkovidna strategija, ki vodi v skorajšnje izumrtje (spomnimo se: Škofje so najprej propadli). Tak pogled na svet posvoji le koristoljubni Sančo Pansa: ko sprejme razumski pogled in zavrže ideale, ki vanj ne sodijo (vse razen daj-dama), lahko končno začne na svet okrog sebe gledati kot na kraj, s katerim se je mogoče okoristiti, in to brez slabe vesti. Trgovanje z vsem in vsakomer ima v svetu daj-dama prosto pot. Čas je, da povemo naravnost: Sančo Pansa, ki po svetu pohaja le zato, ker si obeta koristi, ni nič manj moten kot Don Kihot; le da je njegova motenost (»Na svetu nisem, da bi bil dober, ampak da si čim več pridobim«) v novem svetu normalizirana kot razumna. In moralna – konec koncev gre za čisti daj-dam.
Slavna literarna dvojica razgalja še nekaj: novi vek (v moralnem smislu) nikoli ni bil korak naprej, zgolj obrat – novi vek je le PR-ime za antisrednji vek, v katerem so se smrtni grehi spremenili v vrline. Pohlep, denimo, dobi močan pozitiven predznak: »Greed is good, pohlep je dober,« pravi Gordon Gekko, zvezda filma Wall Street in zvezda našega časa. Da ne govorimo o požrešnosti in drugih pregrehah.
Čas je, da Don Kihota uzremo še v drugačni luči: kot človeka, ki je ugotovil, da razum in brezpogojno dobro v novem veku nista več združljiva, in je zato raje kot razum izbral brezpogojno dobro. Zaradi tega je obveljal za norega, a za Don Kihota je to sprejemljiva cena: raje je nor, kot da bi opustil ideale in privolil v daj-dam. Enako škof. Ali knez Miškin, junak romana Idiot (1868/69, F. M. Dostojevski) … Seznam »norcev« je dolg, vsem pa je skupno, da so raje nori, kot da ne bi mogli odpreti vrat Jeanu Valjeanu in mu podariti ves srebrni pribor. Tako književnost. Precej drugače.
Čas je, da Don Kihota uzremo še v drugačni luči: kot človeka, ki je ugotovil, da razum in brezpogojno dobro v novem veku nista več združljiva, in je zato raje kot razum izbral brezpogojno dobro.
Za konec: če drži, da človek dolgoročno preživi le, če je dober toliko, kolikor je svet dober do njega, tega ne gre preslišati. Znanost je znanost in znanost je razumna. A če nam gre zgolj za preživetje, se velja vprašati: čemu potem (pre)živeti? Čemu vrata, če jih lahko odpremo le ljudem, ki bi jih odprli nam? Čemu razum, če ne sme biti nikdar nor? In čemu dobro, če se moramo nenehno spraševati, ali se splača?
Na ta vprašanja bo treba hitro odgovoriti, če ne želimo, da celotnemu svetu zavladajo Sanči Panse.
Časi so taki. Razumni.
Citati iz:
Hugo, Victor. Nesrečniki I. Prev. Srečko Škerl. Ljubljana: Državna založba Slovenije, 1969.
Renan, Ernest. Jezusovo življenje. Ljubljana: Modrijan, 2008.
*Pri tem se je oprl na t. i. zapornikovo dilemo, miselni eksperiment, ki gre v grobem takole. Dva pajdaša sedita v zaporu, oblast jima ponudi dogovor: če oba molčita, bosta zaprta eno leto; če eden prizna, drugi pa molči, bo prvi izpuščen, drugi pa bo moral v zapor za štiri leta; če priznata oba, bosta oba obsojena na dve leti zapora. Kaj je v takem položaju najbolje – za oba?
**Pridevniki kot ’največji’ so vedno vprašljivi, a kako drugače označiti literarnega junaka, ki velja za najbolj prepoznaven literarni lik na svetu. Roman sodi med najbolj prevajane in razširjene vseh časov, literarna zgodovina pa ga razglaša za prvi moderni in hkrati najvplivnejši svetovni roman. In kaj drugega reči o junaku, ki je tako popularen, da je prestopil meje književnosti in prešel v jezik: kot pridevnik (’donkihotsko dejanje’) in kot samostalnik (’ne bodi tak Don Kihot’).
V trenutku, ko se je Sasha Velour pojavila med množico obiskovalk_cev v parterju, še preden je stopila na oder, je vsem v dvorani razodela eno: pred nami stoji dovršena mojstrica odra, ki natančno ve, kako ustvariti show. Njen obisk v skoraj razprodani Gallusovi dvorani Cankarjevega doma ni bil le nastop, temveč premišljen in presenečenj poln spektakel. Pomembno je izpostaviti, da ni šlo za klasičen lip sync drag nastop, temveč za vsebinsko in vizualno izjemno bogato, premišljeno ter odrsko dodelano predstavo, ki presega zgolj interpretacijo glasbene podlage. Z uporabo projekcij, hitrih preoblek in dramatične svetlobe Sasha potrjuje status ikone, ki drag dviguje na nivo visoke umetnosti, onkraj DIY (do it yourself – naredi sam_a) narejenih kostumov in nastopov v neodvisnih in nepretencioznih barih, kot je bil njej ljub C-street, neopazno skladišče iz 20. let prejšnjega stoletja v bližini železniške proge, kjer je deloval srčen gejevski klub in skupnostni prostor.
In prav glede tega, po ogledu Travesty še toliko bolj, ostajam razdvojen; sprašujem se namreč, koliko svojega političnega in radikalnega naboja drag pravzaprav izgubi, ko je produciran na tako visokem nivoju, ujet v polirano estetiko produkcije z visokim financiranjem. Ali ni, kot je Sasha sama poudarjala skozi pripoved, bistvo draga prav v tem, da nas opominja na tiste skromne in temačne, robustne in zakajene prostore? Te prostore danes morda res nekoliko romantiziramo, a ravno zato, ker so za mnoge izmed nas predstavljali prve izkustvene drobce popolne predaje samemu sebi in posledično katarzične osvoboditve od družbenih norm.
V varnem zavetju marginalnih klubov se zgodi nekaj surovega in neposrednega – nekaj, česar na tako velikem in institucionaliziranem odru večina ne bi mogla ali upala ponoviti. Gallusova dvorana s svojo veličino in protokolom vzpostavlja distanco, ki je v nasprotju s tisto umazano intimo barov in klubov, kjer se drag sploh lahko vzpostavi kot orodje upora. Kadar upor postane vrhunsko dovršen spektakel za širše množice, se neizogibno pojavi vprašanje: ali se je ob tem izgubila tudi nevarnost, ki jo drag predstavlja za status quo, ker okolje preprosto ni več dovolj varno za pravo, surovo ranljivost, temveč le še za njeno estetsko reprodukcijo?
»Ko kvir umetnost postane kategorija, se njena notranja napetost nevtralizira. Zato bi nas obstoj stabilnega kvir kanona moral skrbeti. Ne predstavlja zmage, temveč ujetost. Pomeni, da je nekaj, kar je bilo nekoč nevarno, postalo dovolj varno za poučevanje, zbiranje in prodajo.«
Anna Ádám, Ko kvir umetnost postane hetero School of disobedience
Vsebina predstave Travesty bi namreč lahko bila močnejša. Čeprav Sasha vseskozi prepleta zgodovino draga s svojo osebno potjo, se zdi, da so nekateri segmenti ostali ujeti v estetiki, namesto da bi se poglobili v politično ali emocionalno srž tem, ki jih odpira. Spektakel včasih deluje kot ščit – vrhunska produkcija, ki pa na trenutke preglasuje subtilnost sporočila. Namesto da bi vsak nastop gradil na prejšnjem v koherentno celoto, smo bili občasno priča seriji vizualno dovršenih točk, ki so v svoji grandioznosti izgubile nekaj tiste ostrine, ki jo Sasha sicer premore v svojih govorih, zapisih ali krajših formatih.
Paradoksalno mi je Sasha največ dala takrat, ko je bila na odru sama – brez vizualnih motenj, ko je preprosto govorila z nami. Ti trenutki, ko je delila svojo zgodbo, svoje strahove in spomine na odraščanje, so bili tisti, ki so dvorano zares premaknili. Takrat se je odprlo ključno vprašanje: ali je drag le maska? Ali pa je morda naša vsakdanja podoba, tista v sivi obleki, s katero hodimo v službo, naša prava maska? Sasha pravi, da drag razkriva dušo, in prav v njeni ranljivosti brez odvečnih efektov smo to najbolj začutile_i.
Dejstvo, da smo skoraj povsem napolnili Gallusovo dvorano na dogodku, ki je bil oglaševan kot vrhunski mednarodni spektakel, a nas je na koncu najbolj ganila preprosta pripoved, pove o nas več kot o njej. Morda to razkriva, da kot občinstvo – kljub lakoti po popkulturnem blišču – pravzaprav hrepenimo po drugem žanru. Ne hrepenimo le po zabavi, temveč po stiku s seboj in z drugim. Če nas v dvorani, zgrajeni za visoko kulturo, najbolj premakne človeška krhkost, to potrjuje Sashino tezo: bistvo draga ni v tem, kar si nadenemo, ampak v tistem, kar se skozi to preobrazbo upa pokazati.
Travesty je bila tako lekcija o tem, da so bleščice le vabilo, prava predstava pa se zgodi tam, kjer se maska sreča z resnico.
Spoznala sva se pred leti v kavarni NUK-a. Za Mladino si želel z mano opraviti intervju in si me hotel osebno spoznati. Naročil si dvojni espresso in začel govoriti o svojih frocih, o tem, kako so na Nizozemskem drage galerije in kaj rad zajtrkuješ. Kurce! In oba sva se začela režati, kot da bi bila zadeta.
Oziroma neee, spoznala sva se tistega poletja, ko sem se odločil, da bom aseksualen. Ja, točno! Potem sem te videl plesati v Tifli in kaj naj rečem … ugotovil, da morda aseksualnost ni za vsakogar.
Moralo je biti že prej, v srednji, ko si se prepisal iz Bežigrada. Spomnim se, kako si sramežljivo vstopil v naš razred. Šobrova je zažvrgolela: »Pozdravite Jana, vašega novega sošolca! Klara, nehaj se hihitati, pa daj mi že telefon, pizda ti … skratka, pričakujem, da se boste vsi vedli karseda prijazno do njega.« Plaho si zasedel mizo poleg moje in se nasmehnil, da sem obnemel nad tvojo angelsko lepoto. Moja pozornost se je skrčila na kvadraturo tvojega obraza, kavbojke pa so postajale iz sekunde v sekundo bolj tesne.
Čakaj, zdaj vem! To je bilo, ko sem postal samozaposlen v kulturi in sem po par mesecih ugotovil, da tudi to ne bo rešilo vseh mojih finančnih problemov. Potem sem si naredil profil na OnlyFansu in bil si eden prvih, ki mi je pisal, ali mu pošljem sliko svoje ritne luknje. Točno!
Oziroma neee, spoznala sva se tistega poletja, ko sem se odločil, da bom aseksualen. Ja, točno!
Hmmm, samo to bi lahko bil tudi nekdo drug, ne spomnim se več tvoje slike. Mogoče pa … Ja, zdaj vem, prvič sva se srečala na tisti misiji Rdeča nutrija, ko smo hoteli ugrabiti papeža! Bila sva na vlaku do Rima, stopil si v moj kupe in me vprašal, ali tudi jaz rad hranim labode. Na kratko sem prikimal. To je bila namreč šifra oziroma znak za našo misijo. Kovček znamke Louis Vuitton si z elegantno kretnjo odložil na polico nad mojo glavo in me radovedno bodril s pogledom.
Ne, kako sem neumen. Zdaj vem, zdaj pa res vem! To je bilo, ko sem se pri petindvajsetih, morda šestindvajsetih preselil v Berlin. Spoznal sem te na neko pozno oktobrsko popoldne, ko sem se vračal iz stanovanja Wilfrida Landauerja, ki sem ga vsako sredo poučeval angleščino. Ne spomnim se več dobro, kaj si počel, ko sem te prvič srečal. A si še loščil čevlje pri gospodu Bleiweisu? Spomnim pa se tvojega deškega obraza in najinega prvega pogovora v polomljeni angleščini in nemščini. Grozno mi je žal, da ti takrat niso odobrili, da bi lahko z mano ostal v Angliji. Heinz, pogrešam te!
Joj, zdi se mi, da sem vse pomešal, čakaj … ampak a se nisva midva prvič, ampak res prvič, srečala v tistem filmu od Wesa Andersona? Ja, tako je bilo, to pa zdaj res drži. A se spomniš, kako je že bil naslov? Sploh več ne vem, kje smo ga snemali. Bila je zima in bili smo na nekem hribu, morda celo gori. Mene je skoz lulat, ker sem si prehladil mehur, in snemali smo v eni taki veliki graščini, vse je bilo roza, no, vsaj zunanjost. Ti si igral, čakaj, da pomislim, a si bil Monsieur Gustave H., nek butler, ki je seksal z vsemi gosti in gostjami tega hotela? Jaz pa sem bil nek bellboy, ki je naredil čisto čisto vse, kar mu je bilo ukazano. Najraje sem sprejemal tvoje ukaze, tudi ko so kamere že zdavnaj ugasnile.
Ne, kako sem neumen. Zdaj vem, zdaj pa res vem! To je bilo, ko sem se pri petindvajsetih, morda šestindvajsetih preselil v Berlin.
Hmm, ampak, če zares dobro premislim, ne … veš, kdaj sva se spoznala, zdaj pa res vem! To je bilo čisto na začetku našega štetja, ko sem prišel malo sčekirat, kaj se dogaja na zemlji, ker mi je bilo v nebesih že rahlo dolgčas. Začel sem tesarit, pa ozdravljat bolne in te fore, ker mi je foter, torej bog (ampak jaz sem bil tudi kao bog, no, ni pomembno), rekel, da naj že nekaj nardim s svojim lajfom, in se mi je zdelo to najmanj naporno, kar se na koncu seveda ni izkazalo za resnično. Potem sem zbral par ljudi, ki ste me bili pripravljeni poslušat (kar se zavedam, tudi ni bilo zmeraj najbolj preprosto), in potem smo skupaj začeli razširjati krščanski nauk. Par let smo malo hodli gor pa dol po puščavi, komu kaj povedali, kako boljše živet, malo čilali in pili vino ter se meli fino. Mislil sem, da smo na neki isti valovni, in res si mi prirasel k srcu, zaradi tega me je vse, kar se je zgodilo po zadnji večerji, precej presenetilo in tudi prizadelo. Mislim, eno sekundo me zalizuješ, kot da ti gre za življenje (sploh ne vem, od kod je to prišlo, ampak itak sem bil tak pijan, da mi je bilo vseeno), naslednjo pa že visim na faking križu! Judež, to res ni bilo kul! Potem sem itak vstal od mrtvih, samo vseeno, to pač ne nardiš frendom. In ko sem se končno želel pogovoriti s tabo, si se pa še hinrihtal, mislim, resno?!
Ampak to še ni nič v primerjavi s tem, kaj si mi naredil pred dvema milijardama let. Zdaj se pa res vsega spomnim, tudi najinega prvega srečanja, za katerega bi bilo bolje, da bi bilo tudi zadnje! Po velikem poku sem začela nastajati iz delčkov sončne meglice. S časom sem se začela zmeraj bolj debeliti in postajati nadvse očarljiva. Mojo suho skorjo so prekrili oceani in reke, površje se je dvignilo v gore in se na drugih delih spustilo v seksi doline in kanjone. Prekrila so me drevesa in trate. Začela so me naseljevati tudi prva živa bitja in potem si kar naenkrat prišel ti in vse zjebal! Z vso silo si trčil v moje krhko telesce in povzročil ledeno dobo, zaradi katere je bilo vse moje dosedanje prizadevanje in naprezanje izničeno. Veš, koliko milijard let sem se razvijala in delala na sebi in kar naenkrat postala najgrši planet v celi galaksiji. Še sonce me ni želelo več obsijati! Začelo me je tako neizmerno zebsti in tresti, prekrili so me ledeniki, v meni se je pričela nabirati ledeno mrzla voda. Kar naenkrat sem zaslišala zvoke, na svojem obrazu sem začutila moker jezik. Pritisk v mehurju je zmeraj bolj in bolj naraščal, da sem se naposled prebudil in izpraznil svoje sanje v straniščno školjko.
Med kritiki obstaja pregovor, da kritikov, ki bi bili starejši od 35 let, preprosto ni. Gre za poklic, ki je v našem prostoru popolnoma prekariziran, poleg tega pa se nabor medijev, kjer bi kritičarka lahko redno objavljala, vztrajno krči. Ker imamo ljudje, tudi kritiki in kritičarke, potrebe še po čem drugem kot po tem, da služimo kulturi v imenu višjega dobrega, nas poti pogosto vodijo še v druge poklice in mnogi imamo več različnih vlog na različnih koncih. Tako kot jaz nisem le literarna kritičarka, tudi Ana Jurc ni le filmska kritičarka. Po izobrazbi je literarna komparativistka in hispanistka, zaposlena pa v kulturni redakciji RTV kot novinarka. Poleg kritik tako piše tudi članke, pripravlja intervjuje in počne še marsikaj. Kot pravi sama, pa se najraje posveča prav filmski kritiki in je ena redkih posameznic pri nas, ki ji je uspelo, da se s tem ukvarja redno in kontinuirano. Spregovorili sva o tem, kako njene kritike nastajajo, iz česa črpajo svojo sočnost ter seveda nekaj o »izzivih« našega poklica, kot se temu rado reče. Pa še o čem, kar paše zraven – tudi o filmskih naslovih, ki se jih lahko veselimo v letošnjem letu.
Najprej me zanima, kako poteka vaš proces pisanja kritike – pa začniva kar na začetku: kako svobodni ste pri izbiri filma, o katerem boste pisali, in na podlagi česa se za določen film odločite?
Uredništvo mi pušča svobodo pri tem, katere filme si izbiram za ocenjevanje. Pred očmi moram imeti, da nagovarjamo najširše možno občinstvo, in se zato potrudim pokriti »velike« filme, ki zanimajo več ljudi, tudi če mene osebno ne. Potem so tu še filmi, na katere imam močan odziv – lahko negativen ali pa pozitiven. Ni hujšega, kot so filmi za 3-: dolgčas. In na koncu je tu še občasna serija ali film, za katero oziroma katerega res mislim, da bi ga moralo videti več ljudi, in si zato dovolim malo pridiganja.
Si zapiske delate že medtem, ko si ogledujete film? Kritiko napišete takoj po ogledu ali radi stvar še malo prespite? Že pred pisanjem preberete kaj o filmu ali pa morda kakšne druge kritike, ali imate rajši povsem »čisto platno«?
Potrudim se, da pred ogledom filma ne berem tujih kritik. Najhujše je pri nekom drugem naleteti na duhovit uvid, preden si imela priložnost, da sama prideš do njega. Skušam se izogniti tudi kvarnikom in Rotten Tomatoes statistikam, kolikor je to pač mogoče, če živiš na internetu. V kinu si včasih kaj nakracam v blokec v temi in potem tega ne znam prebrati: nisem dovolj arogantna, da bi si svetila s telefonom. Najraje potem pustim, da se film še kak dan ali dva macerira, preden se lotim pisanja.
Kaj je tisto, kar vas v filmih najbolj nagovori oziroma katere so tiste vsebine, ki vam ponujajo največ materiala za pisanje?
Ker je moje zaledje komparativistika, priznam, da k filmom (prevečkrat) pristopam predvsem prek njihove zgodbe: kaj povedo med vrsticami, na kakšen način so odraz sveta, v katerem živimo? Rahlo bizarne se mi zdijo zahteve po »objektivnih« recenzijah, ker vsak lahko na svet gleda samo skozi prizmo lastne izkušnje. Če to pomeni, da so moje kritike obarvane s tonom »jezne feministke«, prav.
Pred očmi moram imeti, da nagovarjamo najširše možno občinstvo, in se zato potrudim pokriti »velike« filme, ki zanimajo več ljudi, tudi če mene osebno ne.
Kako pa poteka vaš običajni delovni dan?
Moja »dejanska« služba je delo novinarke v kulturni redakciji na MMC-ju. To pomeni, da osem ur sedim v redakciji, v dopoldanski ali popoldanski izmeni, in spremljam dnevne novice s področja kulture. Tiste delovne dneve, ko nisem dežurna, posvetim delanju intervjujev, pisanju tematskih člankov ali pa seveda filmskim recenzijam.
Ampak če govoriva o filmski kritiki: praviloma je to videti tako, da se cel dan smilim sama sebi in izogibam delu (če kdo vpraša, rečem, da »razmišljam« o stvareh), potem pa velik del noči pišem. Ne vem več, ali sem po naravi nočna ptica ali pa sem to postala zaradi večnega odlašanja. Kura/jajce situacija.
In kako bi morda potekal vaš idealni delovni dan?
Moj idealni dan definitivno ne vključuje dela. Pa tudi sicer si ne znam zamisliti vzporedne resničnosti, v kateri sem tako organizirana oseba, da vse svoje obveznosti opravim do treh in imam potem čas za druge stvari. Ha!
Kaj pa vaš delovni prostor, lahko pišete kjer koli ali imate rajši svojo mizo, morda tudi sobo? Ali tam vlada red ali bolj ustvarjalni nered?
Virginia Woolf je s tezo, da ženska za ustvarjanje potrebuje denar, lastno sobo in ključavnico, sicer govorila o širši realnosti tega, da je intelektualna svoboda odvisna od materialnih stvari, ampak prav je imela tudi na čisto dobesedni ravni. Moja delovna miza … no, »ustvarjalni nered« je še najbolj prijazen opis kaosa in občasnega svinjaka, ki ga naredim iz svojega delovnega okolja. Zelo hitro se pustim zamotiti, zato nujno potrebujem vrata, da jih lahko zaloputnem za sabo.
Kje pa vi kot kritičarka spremljate kritiko? Imate kakšne kritike, ki jih še posebej radi berete/poslušate?
Slovenski kritiški prostor ni ogromen, zato poskušam spremljati delo vseh duhovitih in inteligentnih ljudi, ki jih tudi sicer poznam, pa naj bodo to sodelavke revije Ekran, kolegi iz podkasta O.B.O.D. ali avtorji recenzij v dnevnih časopisih. Med tujimi recenzenti me vedno zanima, kaj si mislijo Alissa Wilkinson, Jourdain Searles in sicer že upokojeni Jonathan Rosenbaum.
Kako pravzaprav oceniti, kateri viri so verodostojni? Od vseh influencerjev na družbenih omrežjih, različnih YouTube kanalov, blogov … kako ločiti zrno od plevela?
Mislim, da je ključno, da si izbereš recenzenta, ki ima približno podoben okus kot ti. Ko govorimo o mnenjih in okusu, je težko ljudi kategorično deliti na tiste, ki imajo prav, in tiste, ki nimajo. Obstaja cel kup »verodostojnih« kritikov, ki imajo brez dvoma ogromno filmskega znanja, pa ne bodo moja referenca, ker preprosto vem, da jih ne ganejo taki filmi kot mene – s čimer seveda ni nič narobe. Poiščite torej »svoje« ljudi, to je v življenju ključno. Agregatne spletne strani (ocena filma na IMDb-ju ali Metacriticu) vam morda lahko dajo občutek o tem, kakšno je splošno razpoloženje do določenega filma, ampak če vam je mar za kritiko kot tako, boste sledili individualnim glasovom, ki jih cenite.
Kaj bi v prebiranje, gledanje ali poslušanje priporočili ljubiteljici filmov, ki si želi poleg ogleda filma tudi malo bolj poglobljene analize in kritične presoje?
Morda se lahko zakoplje v arhiv Filmarije, podkasta Društva slovenskih režiserjev, se naroči na revijo Ekran ali pa na filmsko platformo Mubi, ki jo spremlja krasna filmska revija The Notebook. Richard Brody v New Yorkerju svoje enciklopedično znanje na zanimiv način aplicira na sodobno produkcijo; vredno je prebirati eseje na spletni strani zbirke Criterion in spremljati spletno stran Little White Lies. Ta seznam bi se dalo nadaljevati dobesedno v nedogled.
Berete tudi kaj teorije filmske kritike? Je katera od njih še posebej vplivala na vas?
Bojim se, da se na to vprašanje ne da odgovoriti brez kančka pretencioznosti. Na področju teorije me čaka še ogromno dela, to je najbrž kar življenjski projekt. Mi je pa na primer feministična filmska teorija, še posebej delo teoretičarke Laure Mulvey, pomagala dojeti, kako lahko filmska forma – prek kadriranja, montaže, pripovedne perspektive itd. – utrjuje ali pa preizprašuje družbene norme. Filmska teorija ti odpre oči za vprašanja zastopanosti in razmerij moči.
Kako sledite trendom v kritiki? Se vam zdi, da se je žanr kritike kaj spremenil od takrat, ko ste se z njim začeli ukvarjati, pa do danes, in če da, kakšne so te spremembe?
Mislim, da je zdaj dokončno obveljalo zavedanje, da vloga filmske kritike sega onkraj meja ekosistema filmske industrije, da ima širšo družbeno vlogo pri sooblikovanju diskurza. Vsi novi formati – od reelsov na TikToku do videoesejev – imajo potencial, da postanejo nadgradnja znanih form. So pa kritiki v imenu algoritma in viralnosti ves čas prisiljeni iskati neko ravnotežje med dostopnostjo in poglobljeno analizo. Jasno, da podpiram preizpraševanje oziroma širjenje kanona, vendar pa rušenje starih hierarhij in razpršenost znanja lahko privedeta tudi do tega, da določen kritik premore enciklopedično znanje o, izmišljujem si, korejski kvirovski mikrodrami, ne zaveda pa se obstoja Wernerja Herzoga.
Poiščite torej »svoje« ljudi, to je v življenju ključno. Agregatne spletne strani (ocena filma na IMDb-ju ali Metacriticu) vam morda lahko dajo občutek o tem, kakšno je splošno razpoloženje do določenega filma, ampak če vam je mar za kritiko kot tako, boste sledili individualnim glasovom, ki jih cenite.
Kakšen pa je po vašem mnenju vpliv kritike? Na primer v primerjavi s časom, ko ste začeli pisati, in danes … kakšno težo ima danes kritika?
Kritiki so, če hočete, kuratorji okusa. Ker je količina filmskih in TV-vsebin danes že nepregledna, je vloga kritikov kot posameznikov, ki usmerjajo našo gledalsko pozornost, še večja kot prej. Seveda je danes vsak lahko kritik, vsak lahko javno objavlja svoja mnenja na Letterboxdu in podobnih platformah, kar se mi ne zdi nujno slabo – diskurz je lahko zaradi tega bogatejši in bolj razplasten, čeprav se pogosto daje prednost viralnosti pred poglobljeno analizo. V mnoštvu novih glasov na odprtih platformah vedno obstaja nevarnost, da bodo najglasnejši preglasili tiste, ki imajo dejansko kaj povedati.
V srcu vsake filmske kritike ostaja, vsaj upam, naša človeška bit: lahko se vam zdi, da je mnenje kritika zgrešeno ali popolnoma neumno, ampak ne morete pa zanikati, da za njim stoji človeško bitje, ne algoritem. Če ste kdaj vprašali UI za mnenje o določenem filmu, veste, o čem govorim: tako ustvarjanje kot vrednotenje umetnosti ostajata strojem v resnici nedosegljiva.
Kako pa vidite stanje filmske kritike pri nas? In kako vidite njeno prihodnost?
Ključno se mi zdi to, da je filmska vzgoja danes prisotna že v šolah, česar v moji mladosti ni bilo. Filmska kritika ima vedno močan generacijski pečat in že milenijska generacija ter generacija Z sta naredili ogromno za prevetritev zatohlih, starih »fantovskih klubov«.
V majhnih filmskih ekosistemih, kakršen je slovenski, bo vedno obstajalo trenje med neodvisnostjo kritika in promocijsko funkcijo, ki jo njegovo delo pogosto opravlja. Ker blockbusterji pogoltnejo levji delež razpoložljivih platen in pozornosti javnosti, se mora oslabljeni arthouse sektor vse bolj naslanjati na kritiško podporo, če hoče preživeti. Vsak kritik mora tako po lastni vesti iskati ravnovesje med podporo umetniškemu filmu in nekritičnim navijaštvom.
Mnogi kritiki smo postavljeni v položaj, da moramo izbirati med prekarnostjo kritiškega poklica ter večjo varnostjo in stabilnostjo kake približno sorodne zaposlitve v kulturnem sektorju. Kar je bilo nekoč legitimen poklic, je zdaj razdrobljeno na občasna sodelovanja in projekte, kar ni dolgoročno vzdržen model ter onemogoča kontinuiteto dela in osebni razvoj. Z vsem tem se je soočala že moja generacija, za vsako naslednjo pa je samo še težje.
Mnogi kritiki smo postavljeni v položaj, da moramo izbirati med prekarnostjo kritiškega poklica ter večjo varnostjo in stabilnostjo kake približno sorodne zaposlitve v kulturnem sektorju. Kar je bilo nekoč legitimen poklic, je zdaj razdrobljeno na občasna sodelovanja in projekte, kar ni dolgoročno vzdržen model ter onemogoča kontinuiteto dela in osebni razvoj.
Omenili ste filmsko vzgojo v šolah, pri čemer se mi je porajalo vprašanje, kako nekdo sploh postane filmski kritik. Si predstavljam, da mora biti do neke mere samouk …
Vsi poznamo reklo, da so kritiki »samo falirani filmski ustvarjalci« (in vsi vemo tudi, da so npr. francoski novovalovci ali pa Paul Schrader kariere začeli kot kritiki), ampak treba se je zavedati, da je obstoj konstruktivnih zunanjih opazovalcev za filmsko industrijo izredno pomemben. Zase iskreno lahko rečem, da kritike ne dojemam kot vmesno fazo ali stopničko do »česa več«.
Obstajajo seveda različne delavnice in predavanja, kot je na primer simpozij filmske kritike in teorije Jesenska filmska šola, načeloma pa se mi zdi, da smo v filmski kritiki večinoma ljudje s humanistično izobrazbo, pa naj bo to komparativistika, filozofija, sociologija ipd.
Prejemate na svoje kritike tudi odzive? Kakšni so in kako se z njimi soočate?
Konstruktivne debate o filmih in mnenjih o filmih so vedno dobrodošle, bodisi na spletu ali pa v živo. So pa odzivi pogosto diatribe, s katerimi ti hočejo ljudje dopovedati, kako zelo neumna in nekompetentna si. Nekateri si neznansko želijo konfrontacije ali pa vsaj nekoga, na kogar lahko usmerijo vse svoje frustracije. Ker je MMC del javne radiotelevizije, se ljudem – po mojem – še bolj zdi, da imajo pravico do soodločanja o tem, kakšne vsebine naj bodo objavljene in kakšne ne.
Pod plaščem anonimnosti se seksizem na internetu neverjetno razmahne – opažam tudi, da ljudje zdaj naravnost izrečejo stvari, kakršnih si pred nekaj leti ne bi privoščili. Družbena klima se spreminja.
Kateri filmi vas čakajo trenutno, o čem boste pisali?
Danes se lotevam kritike Hudičevke v Pradi 2, mika me tudi, da bi napisala kaj jeznega o tretji sezoni serije Evforija – ampak nisem prepričana, da si zasluži takšno mero naše pozornosti.
Katerih letošnjih filmov pa se najbolj veselite?
Pedro Almodóvar je po Sosednji sobi svoj novi film, Amarga Navidad, spet posnel v Španiji, kar se mi zdi kar spodbudna vest. Ne morem pomagati, ampak veselim se tudi Werewulfa Roberta Eggersa. Ryusuke Hamaguchi ima nov film, tokrat v francoščini (Soudain). Isabelle Huppert bo v filmu Die Blutgräfin, pri katerem je sodelovala Elfriede Jelinek, igrala Elizabeth Báthory! Zanimata me tudi napovedana filma Urše Menart (Vse, kar je narobe s tabo) in Darka Štanteta (Izgubljeni sin).
Eden najuglednejših sodobnih irskih pisateljev, romanopisec, dramatik in pesnik Sebastian Barry, rojen leta 1955 v Dublinu in sin znamenite irske igralke Joan O’Hara, je trikratni nominiranec za Bookerjevo nagrado in kot prvi irski pisatelj dvakratni prejemnik nagrade Costa za roman in knjigo leta (2008 za The Secret Scripture in 2017 za Days Without End). V letih 2018–2021 je prejel naziv lavreata za irsko fikcijsko literaturo, leta 2024 pa mu je francoska vlada podelila laskavi naziv viteza umetnosti in literature.
Barry je pisateljsko pot pričel leta 1982 z romanom Macker’s Garden, med letoma 1983 in 1989 je izdal tri pesniške zbirke, nato pa se posvetil pisanju romanov in dramskih besedil. Z doslej izdanimi dvanajstimi romani in petnajstimi dramami predstavlja glas, ki skozi kruto in v več generacij segajočo usodo protagonistov razkriva zamolčane izseke iz irske zgodovine prejšnjega stoletja. Irska revolucija in državljanska vojna ter posamezniki, ki so se znašli na napačni strani političnih prelomov, dvomljiva vloga katoliške cerkve pri vzpostavljanju nove irske republike in še bolj nedopustna pri upravljanju sirotišnic z nepreštevnim številom zlorabljenih otrok, Magdalenske pralnice za na družbeni rob odrinjena dekleta, nehumano ravnanje institucij za mentalno oskrbo, posilstva, umori, samomori, izdajstva in verolomstva so osrednje tematike Barryjeve večplastne, neprizanesljive in težke pisave. »Svoje junake želim rešiti iz mrzlih rok zgodovine in molka, v katerega so zavita določena obdobja naše zgodovine,« je povedal pisatelj. »Zgodovina se mi je zmeraj razkrivala kot opijanje dejstev, kar je prisotno v vseh ruševinah, iz katerih sestavljam svoje delo.«
Ob popisovanju časa krvavih dogodkov in v dolgoletni molk zavitih brezštevilnih osebnih tragedij se pisatelj večkrat opira tudi na resnične osebe iz svoje širše družine. Pri tem se posamezni protagonisti ali njihovi potomci pojavljajo v več njegovih delih, s čimer med drugim kažejo na posledice, ki jih ima nezavidljiva usoda številnih posameznikov na celotno rodbino. Pri tem Barryjeva proza razkriva zanimiv paradoks; literarno vijuganje med tako imenovanima nezanesljivim spominom in zanesljivo zgodovino doživi usodni preobrat: zgodovina se z zamolčanostjo, prikrivanjem in sprenevedanjem institucij pokaže kot nezanesljiva, posameznikov spomin pa, četudi načet s travmatičnimi dogodki in podvržen pozabi ali halucinacijam, postane edini zanesljivi glas zgodovine. Glas, ki mu kljub nepredstavljivo bolečim izkušnjam gre verjeti in tudi na njegovi osnovi graditi resnično zgodovino Irske. V svojih romanih Barry neprizanesljivo ruši absolutno določenost irske zgodovine, ki so jo desetletja skrbno gradili ter nadzirali za to poklicani varuhi človekove morale in ki je na trdnih temeljih zamolčevana zgodovinska dejstva niso mogla spodnesti, pri tem pa z ranljivim glasom spomina razkriva preteklost na ta način, da svojim protagonistom podeli možnost, da jo na novo umislijo. »Dejanska nezanesljivost zapisanega me skrajno fascinira,« je zapisal, »preteklost je zapleten prostor in moje pisanje je na neki način globoko sumničavo. A pogum, ki je potreben, da se zapiše tisto pomembno, je, če le ni zapisano iz maščevanja, poklon.«
Z doslej izdanimi dvanajstimi romani in petnajstimi dramami predstavlja glas, ki skozi kruto in v več generacij segajočo usodo protagonistov razkriva zamolčane izseke iz irske zgodovine prejšnjega stoletja.
V slovenščino sta doslej prevedena zgolj dva Barryjeva romana; leta 2011 je založba Modrijan v prevodu Jureta Potokarja izdala Skrito sporočilo (The Secret Scripture, 2008), leta 2025 pa je pri Mladinski knjigi v prevodu Danice Križman izšel roman Onkraj spomina (Old God’s Time, 2023). V Skritem sporočilu predstavlja glas »nezanesljivega« spomina stoletna Roseanne McNulty, ki je polovico življenja preživela v bolnišnici za duševno bolne in skozi dnevniške zapiske o svoji družini razkriva skrivno zgodovino Irske od tridesetih let prejšnjega stoletja naprej, pri čemer je njena izpoved postavljena nasproti »vsevedni« in na uradnih zabeležkah ustanove temelječi pripovedi njenega zdravnika dr. Grena. Njen »nezanesljivi« spomin razkrije zlorabo moči cerkve in psihiatričnih ustanov, ki lahko posameznika izbrišeta iz družbe. Roman Onkraj spomina izpostavlja spolne zlorabe otrok v cerkvenih ustanovah in pokaže, kako poguben vpliv imajo te travme ne zgolj na celotno življenje žrtve, ampak tudi na njihove potomce. Zgodba se odstira z ene perspektive, ki jo v izmenjujočih se sekvencah toka zavesti kot glasu (ne)pozabljene zgodovine na eni strani in sodobnega dogajanja na drugi razkriva osrednji protagonist romana Tom Kettle.
S slednjim je Barry spomnil na irskega ekonomista, novinarja, odvetnika, pisatelja, vojnega pesnika in vojaka Thomasa Michaela Kettla (1880–1916), eno vodilnih irskih osebnosti na prelomu dvajsetega stoletja, ki je vdahnil novo intelektualno življenje irski strankarski politiki in čigar smrt — kot britanski vojak je padel na zahodni fronti — je veljala za veliko izgubo v irskem političnem in intelektualnem življenju. Kot osrednji protagonist Barryjevega predzadnjega romana — letos je izšel njegov The Newer World — razkriva še en paradoks pisateljevega upovedovanja problematične irske zgodovine. Tom je kot upokojeni policist in še pred tem vojak z izjemno ostrostrelsko natančnostjo uradno v službi nosilca družbenih vlog in glas institucij, se pravi tistega segmenta, ki si je prizadeval ohranjati status quo uradno postavljene zgodovine. Vendar je v romanu prav on nosilec zamolčane druge strani zgodovine, nosilec resnične izkušnje in jezik te izkušnje. Kot tak je edini most med njima, edini varuh spomina, s čimer pokaže, da je zgodovina tista, ki je selektivna, in da je spomin tisti, ki ohranja uradni zgodovini nedostopno čustveno resnico. Njegova počasna in težka pripoved je nalomljena z nepredstavljivo bolečimi intimnimi izgubami — enega za drugim je izgubil soprogo ter oba otroka —, nejasnostjo spomina, občasnih halucinacij in ponovnega pripovedovanja, se pravi poustvarjanja in zapolnjevanja »neizgovorljivih tišin« ter »čudnih praznin« irske zgodovine, kot se je izrazil pisatelj, ki so nastale zaradi prikrivanja krutih delov preteklosti kot posledice političnih, verskih in družbenih pritiskov sodobne Irske.
Njegova počasna in težka pripoved je nalomljena z nepredstavljivo bolečimi intimnimi izgubami.
Skozi razplasteno dvotirno pripoved, ki izmuzljivo prehaja ena v drugo in zahteva bralčevo popolno pozornost, se prepletajo sočasno dogajanje, ki skozi vse večjo napetost meri na kriminalni zaplet, in Tomovi spomini, ki po devetmesečnem upokojenskem miru v hiški ob morju z vso silo udarijo na plan in cefrajo njegovo razboleno dušo. Pri tem se skozi fragmentarno, kaotično in najbrž nikoli končano zgodbo razkriva razdrobljenost irske preteklosti, njene notranje protislovnosti in usode posameznikov, ki jih je zgodovina potisnila na rob. Četudi skozi Tomove spomine ni vselej jasno, kaj je res in kaj njegova halucinacija ali v skrotovičeni bolečini naplasteni spomin, se skozi celotno pripoved vendarle dokaj jasno pokaže ne le preteklost, ki sta ji bila v otroštvu kot siroti podvržena Tom in soproga June in katere nezaceljene ter nezaceljive posledice imajo poguben vpliv tudi na njune otroke, ampak prav tako potek dogodkov, ki so sledili vnovični obravnavi davno zaprtega policijskega primera. Edini del, ki ostaja zares odprt in podvržen različnima pogledoma, je zaključek romana, ki pa v obeh možnih primerih prinaša osrednjemu liku spokoj, zaradi česar je ta kljub naraščajočim tesnobnim občutkom, ki jih pripoved skozi branje vzbuja v bralcu, nekako pomirljiv in svetel.
Tako z nekdanjim krvavim dogodkom, v katerega je bila spričo grozljivih otroških travm iz katoliške sirotišnice, ki so jo zasledovale, po vsej verjetnosti vpletena June, kot s Tomovo zaključno akcijo, v kateri pred ugrabitvijo s strani nasilnega očeta reši majhnega dečka, Barry problematizira tudi občutljivo temo maščevanja in njegovega smisla. Ali prinaša osebno zadoščenje? Se je na ta način možno osvoboditi zadušljive travme? Bo prihodnost potem znosnejša, lepša ali pa bodo postaje križevega pota enako ali še močneje trgale posameznikovo dušo? Je dejanje June, ki ga bralec spričo njenega razkritja lastnega otroštva ne obsoja, ampak nekako razume, pomenilo kal njene lastne odrešitve? Njeno kasnejše tragično dejanje, ki razen nje pogubi tudi njeno hčer, temu ne more pritrjevati. »V kuhinji, na deski za kruh, hladen in teman, je ležal posvečeni nož. Ki je ubijal, a ne ubil. Ki je terjal maščevanje, a ni maščeval. Ki je hotel biti orodje odrešitve, a ni nikogar odrešil.«
Bo prihodnost potem znosnejša, lepša ali pa bodo postaje križevega pota enako ali še močneje trgale posameznikovo dušo?
V introspektivni, gosti in poetični pripovedi, ki bralca potaplja v burni in z nepredstavljivo bolečino prežeti notranji svet tako Toma kot June, neredki opisi narave, še posebej mirne morske obale in v večer nagibajočega se dneva, predstavljajo meditativno nasprotje celotne pripovedi. Ob njih se v kontrastov polnem romanu kaže še ena dvojnost; Tomovi spomini na kruto otroštvo se nenehno prepletajo z njegovo ljubeznijo do June in obeh otrok, s spomini na srečno družinsko življenje, za katerega se je vsaj nekaj časa zdelo, da ga nič ne more prekiniti, da je ljubezen tista, ki lahko preseže nepresegljivo.
Onkraj spomina, ki v prevodu meri na pomenski prenos, je roman o spominu, bolečini, izgubi in krhkosti človeškega uma. Pretresljiva, plast za plastjo razkrivajoča se pripoved o tem, da je irska preteklost prežeta s tišino in pozabo, a tudi vztrajnostjo, ljubeznijo in človečnostjo, je intimna psihološka študija in družbenokritično delo, ki razgalja temne plati irske zgodovine in nikoli končane notranje boje njenih žrtev za dostojnejše in lepše življenje.
Kolikokrat smo slišali komentatorja katere od športnih prireditev konstatirati, da se je pred našimi očmi odvilo nekaj, kar bi lahko bila poezija, oziroma bi to definitivno morala biti poezija. Pogosto se nam ob tem zazdi, da je bil ta samostalnik uporabljen kot nadomestek za nekaj več; za neizgovorjene besede, ki bi lahko opisale ravnokar videno, pa ne morejo, ne znajo ali nočejo, za čudenje ob nečem tako lepem, da ne moremo najti primerljivega; besede, ki ne pridejo ven, iz etra, ker jih preprosto zmanjka; zato pa je tu poezija, ki prevzame vlogo metafore, poezija kot rešilna bilka, kot nekaj uporabnega, kar ne zahteva logične razlage, tudi razumevanja ne. Poezija pa se tu še kako dobro znajde.
Največkrat slišimo to reševanje v poezijo med smučarskimi poleti, kadar kateri od naših orlov dejansko poleti in v njegovem slogu ni nobene napake, vsaj ne takšne, ki bi lahko pokvarila vtis; takrat je to poezija na delu.
Kolikokrat smo slišali komentatorja katere od športnih prireditev konstatirati, da se je pred našimi očmi odvilo nekaj, kar bi lahko bila poezija, oziroma bi to definitivno morala biti poezija.
Pesnice in pesniki se ob tem nehote vprašamo, mar je to res bilo dovolj za poezijo in kaj ima vse to zares opraviti s poezijo; saj gre navsezadnje pri poeziji za nekaj, kar pišemo, in kadar jo pišemo, v resnici ni prevečkrat tako lepo, kot je videti v neposrednem prenosu, skratka, ne gre vedno za letenje v popolnost brezna, kajti to brezno je včasih res nekaj, v kar si ne bi želel vsakdo, v bistvu nihče, če smo povsem odkriti; po drugi strani pa tudi drži, da poezija ni nekaj, kar si lahko kdorkoli prisvaja, torej je lahko v prosti uporabi tudi v kontekstu športa, ki v službi pozitivnega izida kaj hitro pozabi na to isto poezijo; zato je pot do nje včasih zelo težka in naporna. Tako kot do prave pesmi navsezadnje. Tukaj je ena takšnih, ki sem jo napisal nedavno tega: In zato, da je vse tako preprosto, je bilo treba ubiti toliko pesmi. Recimo, da gre tu bolj za ugotovitev, konstatacijo, ne toliko za pesem, pa vendarle. Na koncu bi moralo biti vse bolj preprosto, kot se včasih zdi, ko se lotimo pisanja ali pa skakanja, saj je vseeno; je bilo res treba vseh teh napak, majhnih popravkov, stilskih prilagoditev, takšnih in drugačnih naporov, da smo prišli na koncu do ene same svete preproščine, ki smo jo že imeli v svojih rokah, a smo jo izpustili nekje na poti do popolnosti.
Nogometni navdušenci vedo, da je treba včasih odigrati tudi kakšno negledljivo, pogojno rečeno grdo tekmo, zato, da prideš do rezultata, torej do končne zmage, ki je v najpomembnejši postranski stvari na svetu edino merilo; poezija pride pozneje, skupaj s slavljenjem tistega, ki je zmago dosegel, po možnosti na polnem stadionu, ob prepevanju kakšne pesmi, kot jo lahko recimo slišimo na legendarnem Anfieldu, domovanju nogometnega velikana Liverpool, kjer ne gre brez navijaške himne You’ll Never Walk Alone; navijači Redsov jo pojejo tako rekoč ves čas, tudi kadar njihovim ljubljencem ne gre vse po načrtih, morda takrat še bolj, kar je navsezadnje odlika pravih navijačev: biti ob svojem klubu v slabem in dobrem, kadar zmaguje in še bolj, ko izgublja; tako bi moralo biti tudi v ljubezni, pa ni vedno, ker se človek prehitro razvadi in gre samo še na zmage; ko pa teh ni, je hudič, je poezija, slaba poezija, ta pa ne pomaga in potem je nogomet, ležanje pred televizorjem in preklinjanje svojega kluba, ki mu ne gre, ker je slab trener ali še kaj hujšega in potem ti ni več do petja in tudi do ljubezni ne, morda le še do piva, če le ni pretoplo; sploh zadnje mesece se zdi, kot bi jih s poezijo vlekli iz brezna, v katerega so padli po seriji porazov in slabih iger v domačem prvenstvu; in najhuje, kar se sploh lahko zgodi navijaču Liverpoola, je, da mu ni več do petja verzov, v katerih je toliko upanja in ljubezni. In potem si res sam, sredi ljudi in je to prava poezija, ki tudi ne pomaga.
Nogometni navdušenci vedo, da je treba včasih odigrati tudi kakšno negledljivo, pogojno rečeno grdo tekmo, zato, da prideš do rezultata, torej do končne zmage, ki je v najpomembnejši postranski stvari na svetu edino merilo; poezija pride pozneje, skupaj s slavljenjem tistega, ki je zmago dosegel, po možnosti na polnem stadionu, ob prepevanju kakšne pesmi.
In potem srečaš prijatelja, ki hiti v službo, oblečen v majico tvojega najljubšega benda, in se z njim zapleteš v razgovor o Srđanu Valjareviću in njegovi zbirkiJoe Frazier in 49 (+ 24) pesmiin te vpraša, če si slišal za izjavo nekega srbskega košarkarja. Katerega? Duško Savanović je on! Ga ne poznaš? Ne, nikoli slišal. In ti zavrti to izjavo, kar tam, na licu mesta. »Hrabrost je pitanje stila u momentima kad si potpuno nemoćan.« To je izjava, ki jo je dal ta košarkar po napeti končnici in zmagi košarkarjev Srbije nad Španijo, na svetovnem prvenstvu v Turčiji. Česa takšnega iz ust kakšnega košarkarja resnično zlepa ne slišiš, če sploh. Takšne izjave so najmanj filozofske, če ne že kar pesniške, vredne tudi kakšnega virtuoza pisane besede, kot je denimo Valjarević. Ravno o njem sva začela, preden je uletel Savanović, zato mu le še zrecitiram nekaj zadnjih verzov iz pesmi Konzerva sardin, preden odhiti naprej: »Đole je tih človek, miren./ Ni hotel, da bi se v delavnici razvedelo za njegove dlani./ Za zakrčene prste./ Za vse to žganje vsako noč./ Ni ga skrbelo, vse skupaj/ ni bilo simpatično, kot prizor,/ Đole ni hotel, da bi drugi postali na to pozorni. Pa tudi sram./ Pritajen in neopazen. Tako kot Đole.« Zajeban je ta Srđan Valjarević. Dobro jih valja, te pesmi. Kot bi rolal žogo po neravnem igrišču, nekje tam, sredi kakšnega beograjskega naselja in se ob tem na smrt dolgočasil, preden bi jo na koncu poslal v rašlje brez mreže. Kako dobra šele mora biti ta pesem v originalu, v najinem maternem jeziku, kasneje napišem prijatelju. Čeprav je prevod Urbana Volka več kot dober. Tako z leti opažam, da je v meni vse več potrebe, da bi zapisal v svojem maternem jeziku. Ne vem, zakaj tega ne storim. Preprosto začnem in potem čakam, kaj se bo iz tega izcimilo. In mi ostane ta sram, kot pri Đoletu, pritajen in neopazen. Kaj bi bilo, če bi bilo. Od kod ves ta sram? Kako se naseli vate? Kdaj? Zakaj? Kje se začne in kje konča? Koliko ponosa je potrebno, da ga premagaš, vsaj za nekaj časa. Vedoč, da je vse to zaman, ker se vrača, vedno znova, z vsako slabo tekmo; slej ali prej je spet tu in ko te prime, te drži, kot te lahko drži samo kakšen zoprn presing po celem igrišču. Tako postane sram navijača, da navija za klub, ki igra tako zelo slabo, da bi se ga najraje odrekel. Ne veš, saj to je to, da ne veš, čeprav si mu ti pustil, da se razigra, ta sram.
Tako postane sram navijača, da navija za klub, ki igra tako zelo slabo, da bi se ga najraje odrekel.
Kaj bi na vse to porekel največji vseh časov, Muhammad Ali? Gotovo bi si privoščil kakšno pikro opazko, po možnosti v verzih, tako kot je on znal; včasih je kakšna žalitev, usmerjena na pravo mesto, najboljša motivacija in on je to najbolje vedel; toda kaj, ko tudi žalitve ne zaležejo več, kaj potem? Greš sploh še v ring? S kom boš boksal? S sabo? S poezijo? Zakaj pa ne! Morda bi bilo to še najbolje!
Nekaj knjig imam odprtih te dni in vsaki od njih se vračam, tako kot se človek vrača prepovedani ljubezni, ki jo je pustil za seboj, kot se pusti za seboj prepoved. Nekaj časa je bil to ValjarevićevDnevnik druge zime, zdaj so to spet pesmi iz njegove zbirkeJoe Frazier in 49 (+ 24) pesmi, ki jo zaključuje s tole pesmijo:
Za sram je dovolj že minuta
Tistega dne se nisem mogel upreti bučni piti.
Pojedel sem
en kos. Na dušek popil kozarec vode.
Dvakrat rignil. Imel sem lepljiv jezik,
samo lepota in resnica. In utripi in trepetanje.
Nekatere od teh reči bom pozabil,
nekatere si bom zapomnil. Tistega dne sem vstal zgodaj zjutraj,
se brez težav prebudil, si zaželel, da bi vstajal še bolj zgodaj,
vse bolj in bolj zgodaj, bil čim dlje buden.
Vse, kar sem videl, mi je dalo učno lekcijo.
Vse, česar sem se dotaknil, mi je pomagalo.
In nikakor se ne znajdem, čeprav nekaj moči vseeno imam,
Če ste si na Netflixu že ogledali dokumentarni film Louisa TherouxaInside the Manosphere(Znotraj moškosfere), potem si morate ponovno ogledati tudi kultno družbeno satiroAmeriški psihos Christianom Baleom iz leta 2000. Zakaj? Ker gre za različna obraza istega družbenega problema. Ker čeprav si je težko predstavljati dva žanrsko bolj različna filma, med katerima je za nameček minilo že več kot četrt stoletja, ti dve deli pod črto govorita o istih stvareh. Ne le o problematičnih modelih moškosti, pač pa tudi in predvsem o vse večji zažrtosti podjetniške in potrošniške logike v družbi in njenih posameznikih. O ideologiji, ki je tako zasidrana v vseh porah družbenega življenja, da je niti ne opazimo več. O neoliberalizmu.
Začnimo s prvim: dokumentarec Louisa TherouxaInside the Manosphereje tipičen primer filma, ki je zaradi obravnavane teme takoj pristal na seznamu najbolje gledanih na pretočni platformi Netflix, a je hkrati tudi tipičen primer filma, ki o obravnavani temi z izjemo nekaterih konfrontacijskih pogovorov z vplivneži iz spletnih logov moškosfere o družbenem pojavu ne pove nič zares novega. Sploh pa ne nič zares introspektivnega, poglobljenega, analitičnega. Gre za žanrsko pretežno odmaknjen, distanciran, dokumentarističen prikaz sveta toksične ideologije, v katerem mladince vsega sveta nagovarjajo mačistični, homofobni in antifeministični nabildanci v oprijetih oblekah in rumenih lamborghinijih, ki pojav sicer učinkovito zabeleži, popiše in uokviri, a ga nato ne razčleni.
Prav tako gre za dokumentarec, ki – roko na srce – z obravnavo moškosfere tudi že nekoliko zamuja, saj je ta fenomen že več let osrednja tema spletnih razprav, medijskih analiz in popularne kulture. Ne le da smo na to temo v zadnjih letih videli že kar nekaj neigrane in igrane produkcije – kot na primer britansko hit serijoAdolescencao mladeniču, ki je svoje notranje konflikte odraščanja prevedel v sovraštvo do žensk – pač pa tudi zaradi tega, ker je ta svet že leta na dosegu prstov vsakogar s pametnim telefonom. Tudi vsebinsko se zato zdi, da bi film vendarle moral zavrtati v problematiko globlje. Ključna pomanjkljivost dokumentarca je, skratka, da moškosfero obravnava predvsem kot kulturni in moralni problem, manj pa kot ekonomski in sistemski pojav.
Prav tako gre za dokumentarec, ki – roko na srce – z obravnavo moškosfere tudi že nekoliko zamuja, saj je ta fenomen že več let osrednja tema spletnih razprav, medijskih analiz in popularne kulture.
A če Netflixov dokumentarec o moškosferi po eni strani zaostaja tako s časom izida kot z izdelanostjo analize, ima vendarle eno izrazito prednost. In sicer to, kako Louis Theroux, znani in priznani britanski dokumentarist, v zanj značilnem slogu sodbo o portretiranem docela prepušča gledalcu. Kar samo po sebi ni nič posebnega, je pa zato v dobi, ko ima lahko na spletu vsak o vsem in vsakem svoje »ekspertno« mnenje, precej osvežujoč pristop. Z izjemo občasnih kritičnih vprašanj in opazk namreč 55-letni Britanec govor večinsko predaja predstavnikom tako imenovane moškosfere; to je heterogenega, razdrobljenega, a vseprisotnega ekosistema spletnih skupnosti, na katere se ob pomanjkanju pravnih in institucionalnih varovalk lepijo milijoni mladih moških. Manj je več v tem primeru, saj izjave sogovornikov v filmu, ki na vsakem koraku iz ust brezsramno bljuvajo mačizem, seksizem in mizoginijo, govorijo same zase. Britanski tiktoker Harrison Sullivan svoje trenutno dekle okliče »za pomivalni stroj«, podkaster Myron Gaines pojasnjuje, zakaj ženske ne bi smele imeti volilne pravice, miamijski influencer Justin Waller pa Therouxu razlaga pojem enostranske monogamije. To je intimnopartnerske ureditve, v kateri je – se razume – moški tisti, ki je lahko promiskuiteten.
Z izjemo občasnih kritičnih vprašanj in opazk namreč 55-letni Britanec govor večinsko predaja predstavnikom tako imenovane moškosfere; to je heterogenega, razdrobljenega, a vseprisotnega ekosistema spletnih skupnosti, na katere se ob pomanjkanju pravnih in institucionalnih varovalk lepijo milijoni mladih moških.
A to seveda ni novica, o vsem tem smo že ničkolikokrat brali v medijih in na družbenih omrežjih že zdavnaj naleteli na tovrstne vsebine. Za razliko od nekaterih drugih družbenih skupin in pojavov, ki jih je Theroux doslej popisoval v svojih nagrajenih dokumentarcih, se namreč moškosferni vplivneži ne trudijo skrivati, pač pa nasprotno svoje sporne ideje in poglede brez vsakršnih zadržkov predvajajo v živo. Če ne na TikToku in Instagramu, pa na Telegramu ali X-u. Neprestano, energično, agresivno. Štiriindvajset ur na dan. Pri tem pa to počnejo skoraj povsem brez filtra, brez zavor in brez sramu. Bolj ko je sporno, bolj se klika, je pravilo in ne izjema. Če so se morali starši v preteklosti bati slabega vpliva dveh ali treh butcev z lokalne ulice, je danes na spletu konkurenca topoumnežev pač narasla eksponentno. Pri čemer to močvaro »-izmov« – od antifeminizmov do antisemitizmov, h katerim so pogosto primešane različne teorije zarot – požirajo milijoni mladih fantov, pogosto stari komaj 13, 14, 15 let. Ob ogledu dokumentarca se zato med vrsticami ves čas ponuja vprašanje, zakaj so ti dečki, fantje in mladi moški tako zelo očarani in navdušeni nad takšno vsebino. Ob srečanju z vplivneži, kot vidimo v srečanjih na ulici v dokumentarcu, namreč kar žarijo, se z njimi fotografirajo in jih kujejo v zvezde. O tem, kako ti vplivneži fantom ponujajo enostavne odgovore na občutke negotovosti in neuspeha, kako jim ponujajo uteho in orientacijo v prekompleksnem svetu, je bilo napisanega že ogromno. In vse to seveda drži.
Drži tudi, da so del vsakršnega zapeljevanja »neizkušenih, izgubljenih in labilnih« v sovražne ideologije zunanji sovražniki, v tem primeru recimo politike enakosti, ki so prikazane kot grožnja, oziroma feminizem, ki naj bi bil ideologija zoper moške. To vse tudi vidimo in slišimo v dokumentarcu. A vse to vseeno zgolj delno razloži magnetizem moškosfere za mlade fante. Zakaj? Ker zaničevalen odnos do žensk, gejev, migrantov, pa tudi čustvenih moških in drugih družbenih skupin seveda ni »naravno« stanje mladih fantov. Ne, sovraštvo v odnosu do drugih je šele potencialna posledica vstopa v moškosfero, vstopna točka v moškosfero pa je nekaj povsem drugega. Nekaj preprostega, simplističnega in navidezno nedolžnega – želja po uspehu.
Ob ogledu dokumentarca se zato med vrsticami ves čas ponuja vprašanje, zakaj so ti dečki, fantje in mladi moški tako zelo očarani in navdušeni nad takšno vsebino.
Z željo po uspehu samo po sebi jasno ni nič narobe, je pa zato še kako problematična podstat promoviranega recepta za uspeh. Bodimo točni – gre predvsem za finančni uspeh. Theroux na neki točki enega izmed fantov s tega vidika preprosto vpraša, kaj ga tako zelo navdušuje pri teh vsebinah, kaj je zanj ključno sporočilo vplivnežev tipa Andrew Tate. »Da se ne smeš nikoli predati, saj se kot moški rodiš brez vrednosti in jo moraš šele zgraditi. Garati moraš za vsak cent,« mu odgovori praktično brez premisleka. Na podvprašanje glede žensk pa, da je zanje vendarle drugače, saj je njihova inherentna vrednost njihova lepota. Vidimo, skratka, kako je seksistični konservativizem vplivnežev ovit v kapitalistične vrednote, kot so individualizem, tekmovalnost in neoliberalna mantra »vsak je odgovoren zase, vsak naj poskrbi zase«.
Cilj tega podjetniškega »mindseta« je obogateti, imeti izklesano telo in si zvišati socialni status, kar omogoča razkošno življenje in zaželenost med ženskami. Ambicioznost na pogon pohlepnosti ter obsedenost s statusom, lastnim videzom in materializmom, skratka. A če Netflixov dokumentarec ta življenjski slog zgolj prikaže in razkaže, ga jeAmeriški psihov režiji Kanadčanke Mary Harron sistematično razstavil, analiziral in razgalil. Že pred več kot četrt stoletja. In sicer skozi glavnega antijunaka filma Patricka Batemana v sijajni upodobitvi angleškega igralca Christiana Balea (Vitez teme,Borec), ki uteleša vse negativne plati japijevske scene mladih in podjetnih Američanov v poznih osemdesetih prejšnjega stoletja. To je obdobja, ko je biznis na Wall Streetu cvetel zaradi davčnih olajšav in deregulacije trgov administracije predsednika Ronalda Reagana.
Cilj tega podjetniškega »mindseta« je obogateti, imeti izklesano telo in si zvišati socialni status, kar omogoča razkošno življenje in zaželenost med ženskami. Ambicioznost na pogon pohlepnosti ter obsedenost s statusom, lastnim videzom in materializmom, skratka.
Bale igra mladega, privlačnega in premožnega moškega z veliko prostega časa, ki se oblači v več tisoč dolarjev vredne obleke, živi v razkošnem newyorškem stanovanju, ima redno fitnesirano in losjonirano telo ter uravnoteženo prehrano. In – jasno – objektificira tudi ženske, podobno kot oblačila, restavracije ali poslovne kartice. Zanj so le vir zabave in seksualne izpolnitve. V prostem času kot šum v ozadju gleda poronografijo, svoji tajnici mimogrede navrže, »naj v službi nosi krilo ali obleko s petami, svoje partnerke večinoma sploh ne posluša, saj je zanj le statusni simbol, podobno ravna s prostitutkama, ki mu služita le toliko, da se lahko med seksom z njima opazuje v ogledalu, nakar se nad njima tudi nasilno znese. Glede nasilja, h kateremu se obrača, ko mu potrošniške dobrine ne nudijo več izpolnitve, sicer v filmu nikoli ni jasno, ali ga Bateman dejansko zagreši ali pa si ga le predstavlja. Je torej tipični nezanesljivi pripovedovalec – ker je psihično nestabilen, ne moremo zaupati tistemu, kar vidimo. Ekstremnejši prizori so potematakem vselej na robu med resničnim in fantazijo. Kar še poudarja Batemanovo moralno praznino, pa tudi praznino sveta okoli njega, v katerem so ljudje tako površinski in samozagledani, da niti ne opazijo, ali pa jih preprosto ne zanima, kaj se dogaja okoli njih. V enem izmed ključnih momentov v finišu filma se na primer odvetnik njegovi samoizpovedi preprosto smeji, kar še poudarja plitvost družbe.
Hkrati Batemana nenehno zamenjujejo z drugimi, na primer Marcusom Halberstramom, kar je logično, saj se ljudje v svetu Ameriškega psiha identificirajo skozi statusne simbole potrošništva. V tem svetu si nekdo samo, če imaš pravi videz, stanovanje, službo in hodiš v najboljše restavracije. Kar je na nek način tudi ironija današnjega individualizma, v katerem se protislovno križata želja biti drugačen in poseben ter želja po prepoznanju in pripadanju. Bateman zato ves čas nastopa, ves čas igra, ves čas signalizira vrednote in ves čas vzpostavlja lastno identiteto; da – kot da bi bil ves čas v živo na instagramu. Osebnost sploh ni pomembna, pomembno je le, kako izgledaš navzven. Kako to zapakiraš za občinstvo. Ta preformativnost, ki jo čutimo na ravni izjemne igre Christiana Balea, je v Therouxevem dokumentarcu dobesedno v naravi vplivnežev, ki ves čas igrajo samega sebe. A za razliko od sodobnih spletnih gurujev, ki jih mladi fantje vidijo kot vzornike, Bateman, ki se ob ogledu Ameriškega psiha skozi očala današnjika bere kot učbeniški izdelek moškosfere, to seveda ni. Nasprotno – je kritika pohlepnosti in praznega materializma. Zamišljen je kot absurdna lupina človeka, obsedena z videzom, brez pristne identitete. Karikirana reprezentacija tega, kaj se zgodi, ko človek vso svojo identiteto podredi zasledovanju statusa, bogastva in zunanje potrditve, svojo moškost pa gradi na domnevni večvrednosti v odnosu do drugih, promiskuiteti in pretencioznosti.
Ta performativnost, ki jo čutimo na ravni izjemne igre Christiana Balea, je v Therouxevem dokumentarcu dobesedno v naravi vplivnežev, ki ves čas igrajo samega sebe. A za razliko od sodobnih spletnih gurujev, ki jih mladi fantje vidijo kot vzornike, Bateman, ki se ob ogledu Ameriškega psiha skozi očala današnjika bere kot učbeniški izdelek moškosfere, to seveda ni. Nasprotno – je kritika pohlepnosti in praznega materializma.
Prav zato so vzporednice s Therouxevim dokumentarcem toliko bolj pretresljive. Ta isti življenjski slog, ki ga danes vse več mladim fantom uspešno prodajajo spletni vplivneži, namreč film razgali kot prazen, odtujen in destruktiven – za posameznika in družbo. Pri čemer iz pogovorov Therouxa z nekaterimi moškosfernimi vplivneži za nameček vidimo tudi Batemanove najbolj karikirane znake hladnokrvnosti, razčlovečenosti in odtujenosti. S tega vidika je ob vzporejanju obeh filmov eden vsebinsko najbolj ključnih prizorov Netflixovega dokumentarca, ko Theroux prej omenjenega Sullivana alias HSTikkyTokkyja na Ibizi sprašuje, kako to, da prezira dekleta, ki služijo s pornografsko vsebino, a je kljub temu lastnik zvodniške agencije, ki služi z ustvarjalkami vsebine na platformi OnlyFans. »Se s tem strinjam? Ne. Bom s tem služil? Vsekakor. Tega ne počnem za zabavo – sem poslovnež,« mu odgovori kot iz topa. Podobno pozneje v filmu različni vplivneži opravičujejo tudi raznorazne oblike sovražnega govora. Ker delujejo v ekonomiji pozornosti, moralne vrednote zanje preprosto ne igrajo nobene vloge. Povedano drugače: niso seksisti, a če se seksizem prodaja, so lahko seksisti.
Kontradiktorno? Ja in ne. Gre namreč za natanko tisto, kar je nekoč v kritiki istoimenske filmske knjižne predloge Breta Eastona Ellisa izpostavila kritičarka Ana Jurc. In sicer, kako Batemana ne žene ne ideološko utemeljeno sovraštvo do žensk in ne prekucniški odnos do od družbe vsiljenih norm. »Ubija brez motiva, sledi trenutnim vzgonom in tako iz celega New Yorka dela svoje lovišče. Poslovni sodelavci, prijatelji, brezdomci, prostitutke, nekdanje dekle in živali – vsi so v nevarnosti, vsi so potrošno blago – so za Batemana bolj pogrešljivi kot nova Armanijeva kravata.« Z drugimi besedami? Bateman je groteskna prispodoba posameznika v do obisti poblagovljeni družbi, v kateri je vse, vključno s človeškimi odnosi, lahko blago, tržna logika pa izpodriva vse ostale vrednote.
Bateman je groteskna prispodoba posameznika v do obisti poblagovljeni družbi, v kateri je vse, vključno s človeškimi odnosi, lahko blago, tržna logika pa izpodriva vse ostale vrednote.
Navzkrižno gledanje obeh filmov zelo očitno razkriva stare družbene vzorce, ki jih moderna spletišča niso izumila, temveč pospešila. Tudi in predvsem zaradi povsem ponotranjene ideologije neoliberalizma, ki nevidno usmerja naše čutenje, mišljenje in delovanje, našo samopodobo in identiteto, ki na vseh ravneh vse bolj temelji na vrednotah individualizma, potrošništva in tekmovalnosti. To je ideologije, po kateri mora posameznik nenehno delati, se nenehno gnati za uspehom, saj naj bi bil vsak svoje sreče kovač. In v kateri se zato družbeno vse bolj ukinja v imenu posameznikove svobode, odnosi postajajo transakcijski, ljudje pa so si v prvi vrsti konkurenti na trgu dela. Ironično pa ravno ta osvobojenost in vseprisotna tekmovalnost posameznika vodita v nesvobodo in odtujitev. Logika, da je vsak človek najprej podjetnik, namreč pomeni velik psihični pritisk odgovornosti za lasten uspeh, nujnost nenehnega samoizpolnjevanja in samoizboljševanja ter občutek krivde in sramu, če kljub vsemu ne uspemo. Kar seveda znajo zelo dobro izkoristiti mišičasti vplivneži, ki mladim fantom kot ključ do hitrega uspeha v življenju ponujajo »life coaching« ter psevdonasvete o vlaganju v delnice in trgovanju s kriptovalutami. Kar je praviloma bližnjica do novih razočaranj in stisk.
Therouxev dokumentarecZnotraj moškosfereskratka pokaže, da so batemani še vedno med nami, a da jih ne prepoznamo nujno več kot karikaturo. Če je bilAmeriški psihonekoč satira, danes deluje skoraj dokumentarno. Zahodna družba je namesto da bi medtekst filma prebrala kot opozorilo, vzela za navodilo.
Stan je paleontolog in profesor na univerzi, ki si pred koncem kariere želi odkriti pomembno paleontološko najdbo. Kot postopoma razkriva roman in kot je razvidno tudi iz pričujočih odlomkov, ta želja izvira iz potrebe po dokazovanju, ki je posledica njegovega kompleksnega odnosa s starši. Ko po naključju naleti na sled, ki bi ga lahko pripeljala do velikega odkritja, proda vse svoje imetje in se poda po sledi fosila, pri čemer se sodelavcem zlaže, da je odpravo financirala univerza. Njegovo trmasto sledenje fosilu, za obstoj katerega nima prepričljivih dokazov, spravi v nevarnost tako njega kot njegove sodelavce.
Pozabil bom mnogo stvari, morda celo svoje lastno ime, to je pač neizbežno. A ne bom pozabil svojega prvega fosila. Bil je trilobit, majhen morski členonožec, ki ni nikogar nič vprašal, ko sva nekega pomladnega dne prekrižala pot drug drugemu. Sekundo pozneje sva postala prijatelja za vedno.
S tovariši, mi je pripovedoval, ko sem bil dovolj star, da sem ga razumel, so preživeli več množičnih izumrtij. Lavo in kislino, pomanjkanje kisika, nebo, ki je padlo nanje. Potem pa so nekega dne morali odložiti orožje, spoznati, da je njihov čas minil, in se zviti v klobčič, lepo na toplo, pod kamen. Treba je bilo sprejeti poraz, prepustiti prostor drugim.
Ta drugi sem bil jaz, Homo sapiens v prevelikih hlačah, ki je stal v visoki travi pravkar rojenega stoletja. Poslali so me domov iz šole, tistega jutra leta 1908, ker sem popravil učiteljico. Pipin ni bilo ime nekemu francoskemu kralju, kot je trdila ona. Tako je bilo ime psu, mojemu psu, ovčarju modrikasto-črne barve, ki smo ga našli na seniku. Ščitil nas je pred zlimi duhovi in potepuškimi mačkami – ki so se rade vračale, to so vedeli vsi.
Gdč. Thiers mi je pokazala ilustracijo nekega majhnega brkonje s krono na glavi, nad katero je pisalo P-I-P-I-N. Čeprav sem se komaj učil brati, se mi je dozdevalo, da je bil napis prepričljiv dokaz, da sem se res zmotil. Ko me je nato pobarala: »Prekinil si pouk, nam imaš še kaj povedati?«, sem odgovoril: »Naslednjič bom imel prav.« Na moj zvezek je s črnilom napisala »predrzen«, dvakrat podčrtala, pa da mi prineseš podpis od staršev, prosim.
Domov sem se vračal naravnost po cesti, ki je vodila proti vasici Brousses, s svojo dvakrat podčrtano predrznostjo, in se smilil samemu sebi. Od vseh fantov iz soseščine sem imel edini rad šolo in bil sem najboljši. Kaj naj jaz, če je imel kralj pasje ime?
Po spuščenih zavesah v spalnici sem domneval, da ne smem motiti mame. V teh trenutkih je potrebovala temo in samo temo. Komandanta ni bilo tam kot ponavadi, na obzorju, kjer so se naša polja prevešala v vas. Nikogar ni bilo razen prav Pipina, mladega in opreznega, v vetru zvitega v klobčič na vrhu grička. Premaknil je edino uho, na katerega je slišal, me za trenutek prezirljivo pogledal, malo res kot nekakšen kralj, preden je spet potonil v spanec.
Zgrabil sem kladivo, odlično rešitev za nemalo mojih težav. Bolje ga je bilo uporabljati daleč stran od hiše, zato sem prečkal solatno goščo, samo naravnost, dokler me ni na sosedovem polju ustavil velik kamen. Na njem sem si v mislih naslikal obraz gdč. Thiers, en, dva, tri, in ji zadal maščevalni udarec. Kamen se je pri priči odprl, kot bi se prej samo pretvarjal, da je bil cel. In moj trilobit me je gledal naravnost v oči, prav tako presenečen kot jaz, iz svojih globin. Imel je tristo milijonov let, in jaz šest.
Ta drugi sem bil jaz, Homo sapiens v prevelikih hlačah, ki je stal v visoki travi pravkar rojenega stoletja. Poslali so me domov iz šole, tistega jutra leta 1908, ker sem popravil učiteljico.
− Kako to misliš, zmaja?
Strmel sem v dekletce, ki je stvor pravkar povabilo v najin pogovor. Zdelo se mi je, da sem najbrž narobe slišal.
Še vedno ne vem zakaj, a predstojništvo univerze me je tistega večera izbralo za spremljevalca. Sovražil sem finočo. Dneve sem preživljal v kleti, pod bledimi lučmi, bil sem daleč od zagorelega pustolovca, kakršen sem si včasih predstavljal, da bom postal. Takšno bivanje mi je ustrezalo, to mirno življenje krta, daleč stran od velikih plenilcev, ki so strašili po površju. Zagotovo so me zato vzeli s sabo, da bi se komu zasmilil, vidite, dragi donorji, kako zelo potrebujemo posojila, kljub temu da sta bila za moje oguljene komolce in slabo prišite obrobe bolj kriva čedalje slabši vid in tresoča se igla gospe Mitzler kot pa moja profesorska plača.
Na ugledni naslov sem prišel prezgodaj. Na notranjem dvorišču večstanovanjske stavbe je vladala zmešnjava, nekdo se je selil. V tem neredu sem se dobro počutil in brez posebnega razloga sem se ustavil pred kupom kartonastih škatel. Kot pravi znanstvenik bi moral vedeti, da naključij ni. Vsakemu dogodku botrujeta roki, ki oplazita druga drugo, zvezda, ki skrene s poti, pes, ki odide in se ne vrne, milijarde kolesc se vrtijo že veke. Ko se je zgodil pok, se je iz nič spremenil v nekaj.
Malo na desno ali na levo, sekundo prej ali pozneje, pa bi ga spregledal. Košček kosti. Tam, na robu škale, pripravljen, da pade ob najmanjši sapici, da spet potone v pozabo, iz katere je vstal. Masiven, nalomljen tako, da ga je bilo težko identificirati, vsaj brez najnaprednejših analitičnih orodij. Delček repa ali hrbtenice. Rjav lesk, neporozen, popolnoma fosiliziran. Iz krede ali jure. Trias? Malo verjetno.
Poskočil sem, ko se mi je selilec približal, da bi zaprl zaboj. Umrl je hišnik, neki starec, ki so ga našli tri dni pozneje, že otrplega, v svoji loži. Ni imel družine in njegove stvari so bile odtlej državna last. Mož mi je vzel kost iz rok, jo pospravil in sumničavo počakal, da sem odšel, preden se je spet lotil dela.
Gostitelja nam med večerjo nista znala povedati dosti več. Hišnik je bil tam že od nekdaj, star Italijan, ki ni govoril z nikomer in ki zadnja leta ni bil več čisto pri sebi. Bil je len, godrnjav, »smrdel je«, je dodala gospodarica, »spravljal se je na vsakogar«, je pripomnil njen mož. Niso ga mogli odpustiti, ker je prejemal invalidsko pokojnino. Edino, česar mu nista očitala, je bilo to, da je bil mrtev.
Zdaj, pet let zatem, se gotovo ne bi znašel v tej majhni sobici bogu za hrbtom, loveč ravnotežje na robu sveta, če tistega večera med iskanjem kopalnice ne bi zašel v stanovanju. Pa vendar, zašel sem. V eksploziji pegic se je nenadoma pojavilo dekletce in me pocukalo za rokav.
− Ste prijatelj gospoda Leucia?
Ker sem se namrščil, je dodala:
− Slišala sem vas govoriti z očkom.
Prijatelj starega hišnika? Zmajal sem z glavo.
− Bil je prijazen. Zmaja je imel.
− Kako to misliš, zmaja?
Šepetala je, da je starši ne bi slišali. Ko odraslih ni bilo zraven, je stari hišnik otroke iz bloka pogosto zbral pri sebi doma, jih posedel v krog pod lučjo edine žarnice v kleti in jim pripovedoval zgodbe. Pripovedka, ki jo je imela mlečnozoba skrivna druščina najraje, je bila tista o zmaju. Ora, ascoltatemi bene ragazzi, zdaj me pa dobro poslušajte … Omenjeni Leucio se je kot najstnik med neko pustolovščino izgubil v svoji rodni dolini, ko je šel na obisk k dekletu. Tri dni je taval. Presenetila ga je nevihta kot na sodni dan, pod naelektrenim nebom se je pognal v tek in se zatekel v jamo. Tam se je iz oči v oči srečal z un drago di tuono e di lampo, zmajem, vladarjem groma in strele.
Stari je še kar govoril, za visokim dekličinim sem slišal njegov kamniti glas. Pripovedoval je o orjaškem okostju, telesu, ki se je pogrezalo v mrak, tako globoko, da mu ni bilo videti konca, z neverjetno majhno glavo na koncu predolgega vratu. Ta zmaj je mladeniča obvaroval pred nevihto. Pogovarjal se je z njim.
V žilah mi je zabučala bolečina, stara bolečina, ki sem jo dobro poznal. Bila je življenje, ki se je vračalo vame, kot takrat, ko se mi je utrnila ideja, da bi se v šolo odpravil čez zmrznjeno jezero, da bi kar najhitreje prispel na cilj. Potrebovali so četrt ure, da so me oživili, zdravnik je celo naznanil, da sem bil nekaj minut klinično mrtev. Spomnim se samo, kako je pod mano močno počilo, potem pa divjega, živalskega navala krvi, ki se je vračala v moje bele žile. O tej bolečini govorim.
Od kod pa je prihajal ta hišnik, kaj? Pa ime doline, pikica, jo je kdaj omenil? Ničesar ni vedela. Hotel sem izvedeti še druge podrobnosti – katera jama? Kako naj jo najdem? Punčkin obraz pod paleto rdečkastih odtenkov se je razjasnil. Jama je bila ob vznožju ledenika, je zrecitirala z zvonkim glasom. Od tam vidimo tri vrhove v obliki piramide, okronane z bliski. To je bilo vse, kar si je lahko priklicala v svoj kratki spomin, zapolnjen z umišljijami in čudeži.
V dneh, ki so sledili, nisem imel prevelikih težav priti do hišnikovega polnega imena. Sicer je na tem svetu pustil komajda kakšen pečat, kot list nekega pomladnega večera je padel v ložo, ki je smrdela po kanalizaciji. Ni imel družine. A vsakdo za seboj kot polž pusti lepljivo administrativno sled, po kateri sem nato lezel z bolestno potrpežljivostjo nekoga, ki zavoljo svojega poklica razmišlja milijone let vnaprej. Matični urad, občina, priseljenski urad, vsem sem pisal, da bi jih vprašal, od kod je prihajal stari, da bi odkril dolino, kjer je spal njegov zmaj. A nisem prišel dlje od Meluna. Hišnikov uradni obstoj se je začel v neki vojaški bolnišnici na porumenelem obrazcu. Dvajsetleten, z napako na srcu, oproščen. Kaj se je dogajalo pred tem, ne ve nihče.
Minevala so leta. Moja pisma so se izgubljala, se sušila na policah ali nedotaknjena prihajala nazaj, zamazana s prahom. Moji klici so zvonili v praznih pisarnah. Nazadnje sem odnehal, prepričal sem se, da gre za izmišljeno zgodbo, ki jo je starec, ki se mu je tožilo po domu, pripovedoval pustolovščin lačnim pariškim otrokom. Osredotočil sem se na svoje delo, se prijavil na štipendijo, za katero sem bil prepričan, da jo bom dobil in ki bi mi omogočila nekajmesečno delo v prirodoslovnem muzeju v Londonu. Zadeva zaključena.
Potem pa je pred šestimi meseci prispel paket, pospremljen z opravičilnim pismom. Žig je bil okrašen z italijanskimi detajli, levi iz črnila, katerih bedno rjovenje ni prestrašilo prav nikogar. Pismo je prihajalo z nekega italijanskega urada, nižji uradnik mi je zagotavljal, da se je v zadevo poglobil. Omenjal je kup izgubljenih dokumentov, požar, ki je uničil matično knjigo. Razen tega pa sem v ovojnici našel: rojstni list Leucia D. z imenom njegove vasice. Skupaj s poročno listino, poročil se je v isti dolini, osemnajst let pozneje. No, v skoraj isti: medtem si jo je priključila niška grofija in dolina je postala francoska.
Pri priči sem odhitel z univerze in se pognal v tek, da bi na rue des Écoles čim prej kupil vozovnico. Do tam, kjer se trije gorski vrhovi naslanjajo na Italijo. Stražarji, ki bdijo nad ledenikom, prepredeni z rožnatimi črtami na sivi podlagi, med Mercantourjem in Argentero. Tistemu, ki jih zna prebrati, te izohipse pričajo o sovražnih, strah vzbujajočih strminah. En napačen korak na desno, pa umreš kot Piemontčan. Na levo, kot Francoz. Zmaj se je dobro zavaroval, sredi te krnice iz kamna, za katero so ljudje nekoč nedvomno verjeli, da v njej prebivajo bogovi.
Pa vendar ni bilo nikakršnega boga, ne tam zgoraj ne drugod. Odprava, delo na tej višini, ne bi mogla trajati več kot dva, največ tri mesece. Takoj ko zapadejo prve snežinke, se ta kraj odcepi od zemlje in se povrne v nič. Ljubkoval sem zemljevid, predstavljal sem si zver pod svojimi prsti, kako spi v papirnati jami.
Manj kot uro pozneje je zazvonil telefon. Kljub temu da je moje delo nedvomno kakovostno, je štipendija pripadla nekomu drugemu, kočljiva zadeva, politične narave, če lahko tako rečem – saj razumete, kajne, Stan? Rektor univerze mi je obljubil, da me bo osebno podprl. Lahko sem bil prepričan, da bom štipendijo prejel naslednjič. No, tako prepričan, kot je to v tem okolju mogoče, v vsakem primeru ne preveč.
Porumenele stene moje kamre so padle name kot slabo pritrjeno okrasje.
− Halo? Stan?
Koder je seglo oko, se je okoli mene razprostiral travnik in se nežno vzpenjal proti vznožjem, zavitim v meglo. Sedel sem na stolu za svojo trapasto pisalno mizo, početje, ki se mi je, ne da bi se tega zavedel, z leti začelo zdeti smiselno.
− Stan, ste še tam?
Vstal sem in se pogreznil v meglo.
Minevala so leta. Moja pisma so se izgubljala, se sušila na policah ali nedotaknjena prihajala nazaj, zamazana s prahom. Moji klici so zvonili v praznih pisarnah.
Na kruh je mazal prvovrstno rumeno maslo, z nožem sem ter tja.
− Tvoja mama je umrla.
Stari stric mi je novico naznanil pri zajtrku. Samo zato je prišel iz Španije, mamine rojstne države.
− Pogumen moraš biti. Zdaj si mož.
Imel sem devet let.
− Zgodilo se je … na hitro. Nekakšna bolezen duše. Razumel boš, ko boš starejši.
Že zdaj sem razumel. Le čigava duša v hiši mojega očeta ne bi bila bolna?
Pravkar smo se vrnili iz mesta Pau, kjer smo preživeli dva dni. Komandant naju je z velikim vozom pripeljal na kmetijski sejem. Raje plačam hotel in vaju imam na očeh, kot da sploh ne vem, kaj naklepata, takoj ko obrnem hrbet.
Medtem ko je bil na sejmu, me je mama povabila v kino. Šla sva sama. To je bil moj prvi film, Méliès, Sanje barona Münchhausena. Ljudje so se smejali, jokali, in mama z njimi, še nikoli je nisem videl take. Enajst minut čiste sreče.
− Poglej, Stan! Orjaška žuželka! Pa tam, zmaj! Glej, Stan, slona z očali!
Res, v tej zgodbi je bil zmaj. A ne bi mi moglo biti bolj vseeno. Zanj, za slona z očali. Sploh ju nisem gledal, gledal sem njo, osvetljeno z bliski luči in prahu, ki so škropili platno. Skrivaj se je naličila, takoj po tem, ko je Komandant zjutraj odšel. Spominjala je na igralko. Še danes so Sanje barona Münchhausena zame enajstminutni posnetek obraza moje mame čisto od blizu.
Mama ima oči iz Amerike. To mi je povedala sama, ko sem jo vprašal, od kod ta barva. Imela je prav. Zaledja, v katerih sem se izgubljal, z zvezdami posejani kanjoni niso mogli biti od tu. Trdila je, da je videla kite, valove, visoke kot zvoniki, rože, ki so srkale čebele. Komandant ji je prepovedal pripovedovati te izmišljotine, v Španiji vendar ni bilo kitov, predvsem pa je prepovedal govoriti medtem, ko smo jedli, v tistih redkih trenutkih, ki smo jih preživljali skupaj. Tako smo jedli v tišini. Oče je bil zadovoljen. Ni videl skrivnih pogledov, ki mi jih je metala, mojih oči, ki so se vkrcale v njene, prav ničesar ni videl. In tako je mirno rigal, medtem ko sem jaz raziskoval Ameriko.
Po predstavi v kinu me je mama peljala v restavracijo, tisto pravo, s prti na mizah. Doma je zaradi migren le poredko prihajala iz sobe in malokdaj sem toliko časa preživel z njo.
− Naroči, kar želiš, Stanino. Moj Nino.
Nisem si upal, saj nama je Komandant zabičal, da ne smeva ničesar zapraviti. Če bi naročil snežne kepe, bi doma zagotovo dobil eno okrog kepe. Zato sem moral pametno izbrati.
− Nekega dne me boš ti povabil, kajne, Nino?
− Ja, mama. Bom.
− Povabil me boš v Pariz. Povej, da me boš.
− Povabil te bom v Pariz.
− Ko boš … kaj že?
− Paleontolog.
− Točno, paleontolog. Povabil me boš v Pariz, v svoje čudovito stanovanje s štukaturami.
− Kaj pa Komandant?
− Hočeš, da pride tudi on?
Zamrmral sem, da ne, z usti, polnimi snežne kepe.
− Potem bom prišla sama. Ničesar mu ne bova povedala.
− Kaj so to, štukature?
− Nekakšni malo lepši tramovi. In morda boš poročen, z dekletom, ki bo imelo rada fosile, tako kot ti. Pomembno je, da imata rada iste reči. Imela bom svojo sobo, kjer bom lahko pustila svoje stvari. Ali pa morda kar ves čas živela tam, v redu? Saj vaju ne bo motilo?
− Ne, ne bo naju motilo.
Mama je govorila glasno, ker je bila Španka, a ni bil to razlog, da je vanjo strmela vsa restavracija. Kot sem že rekel, vsi so jo gledali, ker je bila lepa, resnično lepa, rdečelaska s telesom iz prelomov in oblin, kakor plesalka flamenka. Slišal sem, kako so sezonski delavci zamrmrali leyenda, ko so jo opazovali s kotičkom očesa in posnemali gibanje njenih bokov. Čeprav se pri nas doma ni govorilo špansko – Komandantu se je zdelo, da to pritiče samo kmetijskim delavcem – sem razumel. Legenda.
− Peljal me boš v opero. Ko sem bila majhna, sem tako rada hodila v opero.
− V Španiji?
− Ne, v Buenos Airesu.
Šele tedaj sem izvedel, da moja mama v resnici ni bila Španka, da je zares prihajala iz Amerike, kar pa ni prav dosti spremenilo. Še naprej so jo do konca življenja klicali Španka. Do konca življenja, no, tistih nekaj dni, ki ji jih je ostalo, preden jo je pokončala bliskovita bolezen duše.
− Šla bova v opero, samo ti in jaz, deževalo bo in imela bova dežnika, vsak svojega. Nato me boš peljal na večerjo. Na ostrige. Držal me boš pod roko, ker bom stara. Pozno bo že. Prvi boš vstopil v restavracijo, kot pravi kavalir, in jih vprašal, če še vedno strežejo. In veš, kaj ti bodo odgovorili?
− Ne.
− Seveda, gospod, za gosta, kot ste vi.
Pravkar smo se vrnili iz mesta Pau, kjer smo preživeli dva dni. Komandant naju je z velikim vozom pripeljal na kmetijski sejem. Raje plačam hotel in vaju imam na očeh, kot da sploh ne vem, kaj naklepata, takoj ko obrnem hrbet.
Zagotovo se ne bi spuščal v to, če ne bi bilo tiste zadeve z dediščino, papirjev, ki sem jih moral osebno podpisati pri notarju, šlo je za bančni račun moje mame, na katerega je pozabila celo ona, v državi, kjer je bila rojena. Moral sem preživeti noč v brlogu s pošastjo. Spet sem se moral srečati s Komandantom. Tega je zdaj deset let. Takrat sva se zadnjič videla.
Nisem se vrnil, odkar sem zapustil vas. Kmetija je bila enaka, kot sem se je spominjal, in prišel sem sredi bele zime, enake kot toliko drugih. Potrkal sem, brez odgovora. Delavnica je bila prazna, skedenj prav tako, odrinil sem velika lesena vrata.
− Očka?
Notranjost je imela vonj po starem, starih kamnih in starem človeku. Hiša je izžarevala tišino mrzlega kamina, spominjala me je na razne juhe in občutek pekoče zgage.
− Očka?
Ležal je v dnevni sobi, s prevrnjeno mizico pri nogah, obkrožen z zbirko okrasnih angelov moje mame, razbitih na koščke. Ko sem mu hotel pomagati, da bi vstal, me je odrinil. Te jebene krize, je zamrmral. Ni me pozdravil, in jaz ga nisem vprašal, koliko časa že tako leži v svojih vicah iz porcelana, z udi, trdimi od pijače in nesmiselnega ponosa. Odvlekel se je do mize v dnevni sobi in se usedel. Prt je bil še vedno isti, le da se je ocean rdeče-belih kvadratkov spremenil v blatno lužo. Vse je bilo tako majhno, tako zelo omejeno. Natočil si je kozarec, se udaril po čelu, vzel še enega, ki ga je napolnil do roba, preden ga je potisnil proti meni.
Torej, sin moj, kako si? Povej mi kaj. Pogrešam te. Še včeraj sem ljudem razlagal o tebi.
− Se spomniš tistega poba iz Castaingsa? No, spet je začel obdelovati zemljo svojega očeta. Hoče jo širiti. Hudičevo dobro mu gre.
Tudi jaz sem te pogrešal, očka. Malo moraš počistiti tole hišo. Morda bi potreboval nekoga, da ti pomaga. Pogosteje bom prihajal na obisk, obljubim.
− Zdaj sem profesor na univerzi, v Parizu.
Saj sem vedel, da boš prišel daleč, sine. Ponosen sem nate, veš.
− In kaj dela profesor?
− Raziskuje.
− Le kaj imaš iskati tam, česar nimamo tukaj?
Dvajset let tišine, globoke tišine, kot prazen vodnjak sredi poletja, pa nisva imela ničesar, kar bi zlila vanj, niti kapljice. Komandant je odrinil stol, se skremžil in iz kuhinjske omarice vzel novo steklenico. Ko sem se stegnil proti njemu, me je nahrulil:
− Ne rabim pomoči, jebenti!
Nenadoma ni bil več zgrbančen starec v sivi majici. Ko je spet sedel, je bil velikan, z rokami kot debla, surovina, ki pa je znala plesati s to čudno prefinjenostjo, ki je nekega 14. julija pod ognjemeti očarala mojo mamo.
− Leta in leta sem si trgal od ust, zate in za tisto Španko. In kaj sem dobil v zahvalo?
Drugi kozarec. Komandanta še nikoli nisem videl pijanega, ko je tolkel po meni, je bil vedno trezen.
− Zakaj neki ne moreš biti tak kot vsi drugi. Z zemljo za nohti, evo, kot mož, ki ve, kje mu je mesto. Pa še lepo je, na tej naši zemlji – tretji kozarec. Od kod ti sploh ta ideja o študiju, kot da tu nismo dovolj dobri zate … Bi te že jaz naučil. Kot takrat s tistim ščenetom.
Pipin?
− Kako to misliš?
− Tvoja mama je kriva, da še vedno ničesar ne veš. Jaz bi ti povedal po resnici, saj si mož. Ščene me je pač enkrat preveč ugriznilo. Potem pa še ta zadeva s pobom iz Castaingsa, kakorkoli že, nisem hotel težav. Taka žival ne sodi na kmetijo, nevarna je. Moral sem ga pač, ni bilo druge. Za skednjem, med oči, saj ga ni bolelo.
Čutil sem, kako se mi je zatresla čeljust. Pa ustnice, oči, zobje. Počasi sem se dvignil s stola in se napotil proti vratom. Na pragu sem se obrnil, da bi se še zadnjič poslovil.
− Le eno stvar obžalujem. Da sem te tistega večera zgrešil.
Popraskal se je po neobritem licu, plaval je v svoji koži kot v preveliki pižami ob večeru svojega življenja.
− Samo zato, ker mi je puško pribilo v ramo, ko sem streljal, je dodal in skomignil.
Dvajset let tišine, globoke tišine, kot prazen vodnjak sredi poletja, pa nisva imela ničesar, kar bi zlila vanj, niti kapljice.
Jean-Baptiste Andrea (1971) je francoski pisatelj, režiser in scenarist. Do zdaj je izdal štiri romane, od katerih je v slovenščini pred kratkim izšel njegov zadnji, z Goncourtovo nagrado nagrajeni romanČuvar njene skrivnosti.
Vrata v knjige
Izbor knjižnih naslovnic iz zbirke Knjižnica MGL v obdobju 2019 – 2025
Levi trakt najvišjega nadstropja Filozofske fakultete, hodnik, kjer sicer deluje dekanat, skriva Galerijo peti štuk – iznajdljivo zastavljen projekt, ki zasede stene med pisarnami in jih spremeni v razstavni prostor, namenjen začasnim razstavam. To umetniško prizorišče deluje od leta 2018, njegovo organizacijsko ekipo pa sestavljajo študentke umetnostne zgodovine pod umetniškim vodstvom lekt. dr. Mateje Gaber.
Med 11. marcem in 10. aprilom je v Galeriji peti štuk gostovala Knjižnica MGL z razstavo Vrata v knjige, med drugim tudi kot del programa sejma akademske knjige Liber.ac, na kateri je bil predstavljen izbor posameznih naslovnic knjig iz zbirke. Namen razstave je bil v prvi vrsti predstaviti izbor knjižnih naslovnic kot samostojnih oblikovalskih del, hkrati pa tudi opozoriti na pomen zbirke Knjižnica MGL kot širše celote. Razstava se je sicer osredotočala na njeno obdobje delovanja med letoma 2019 in 2025, ko so jo soustvarjali fotograf, oblikovalki in urednica, ki se podpisujejo tudi kot avtorji razstave: Maja Kešelj, Peter Giodani, Petra Pogorevc in Petra Švajger.
Med 11. marcem in 10. aprilom je v Galeriji peti štuk gostovala Knjižnica MGL z razstavo Vrata v knjige, med drugim tudi kot del programa sejma akademske knjige Liber.ac, na kateri je bil predstavljen izbor posameznih naslovnic knjig iz zbirke.
Prostorska zasnova razstave je bila, primerno temu, da je umeščena na hodnik fakultete, dokaj minimalistična – na stenah so viseli panoji s povečavami knjižnih naslovnic, vsak je bil opremljen tudi z informacijsko kartico, na kateri si je obiskovalec lahko prebral povzetek vsebine knjige ter ključne podatke o avtorstvu tako vizualne podobe kot tudi vsebine, pod panoji pa so bili na kubusih razstavljeni izvodi pripadajočih knjig. Razstava je tako v svoji preprostosti neposredna, celostni vizualni podobi knjige posveti posebno pozornost, vendar jasno poudari njeno uporabno vrednost kot posrednice med potencialnim občinstvom in vsebino knjige oziroma doprinos k njeni vsebini, zato se zdi ključno, da lahko obiskovalec razstave na licu mesta knjigo tudi prelista, stopi v stik z njeno vsebino in se zanjo navduši.
Izbor naslovov, ki so bili umeščeni na razstavo, obsega obdobje od leta 2019 do praktično danes, vključena je namreč tudi zadnja izdaja zbirke MGL, »I am Jugoslovanka!« avtorice Jasmine Tumbas, vključuje pa tako dela domačih avtorjev in avtoric kot tudi nekatere pomembne prevodne edicije – lahko bi torej zaključili, da je izbor tako reprezentančen za širšo uredniško-kuratorsko politiko zbirke kakor tudi za estetsko širino oblikovalskih pristopov.
Na razstavi si je bilo mogoče ogledati naslovnice naslednjih del: Jasmina Tumbas: »I am Jugoslovanka!«: feministične performativne politike v jugoslovanskem feminizmu in po njem (2025), Florence Dupont: Aristotel ali vampir zahodnega gledališča (2019), Blaž Lukan: Tretja predstava: eseji o drami, gledališču, plesu in drugih abstrakcijah (2023), Alain Badiou: Rapsodija za gledališče (2020), Bernard-Marie Koltès: Del mojega življenja (2024), Petra Pogorevc: Gledališče in žalovanje: uprizarjanje smrti kot izgube (2025), Ivan Medenica: Tragedija iniciacije ali nestanovitni princ (2019), Ivana Chubbuck: Moč igralca (2023), Meta Hočevar: Prostori igre (2020), Nataša Burger: Igrati (se) (2023).
Izbor naslovov, ki so bili umeščeni na razstavo, obsega obdobje od leta 2019 do praktično danes, vključena je namreč tudi zadnja izdaja zbirke MGL.
Knjižna zbirka se sicer ponaša s konsistentno vizualno podobo: format knjige ter tipografija in pozicioniranje naslova na platnici knjige povezujejo v uniformno celoto. Individualizacijo posameznega dela pa ustvarja umetniška fotografija, ki nastaja s posameznim delom kot inspiracijo, v estetskih načelih zasleduje vsebino knjige, iz nje črpa, zato posledično ni ukalupljena v ozke formalne smernice, temveč naslovnica vsake knjige diha po svoje. Ta vizualna podoba je pečat ekipe, ki se je vzpostavila leta 2019, sestavljajo pa jo oblikovalki Maja Kešelj in Petra Švajger, fotograf Peter Giodani ter urednica dr. Petra Pogorevc – ta »generacija« zbirke Knjižnica MGL je bila tudi predstavljena na razstavi Vrata v knjige.
Pred tem je zbirka zamenjala več ustaljenih vizualnih podob, med letoma 2011 in 2018 so na primer sodelovali z ilustratorko Evo Mlinar in oblikovalko Mojco Višner, ki sta podpisali veliko število prepoznavnih naslovnic, zagotovo pa so nam znane tudi bele platnice s črno-belo fotografijo avtorja, ki so zbirko MGL zaznamovale do leta 2007, ko je uredništvo prevzela dr. Petra Pogorevc. Tudi v spremnem tekstu razstave se poklonijo dediščini preteklih urednikov in oblikovalcev, in sicer z besedami dr. Dušana Moravca, prvega dramaturga MGL, ki je leta 1958 soustanovil knjižno zbirko in dejal, da ji je vsak od njegovih naslednikov »odtisnil svoj poseben in oseben pečat«.
Knjižna zbirka se sicer ponaša s konsistentno vizualno podobo: format knjige ter tipografija in pozicioniranje naslova na platnici knjige povezujejo v uniformno celoto.
Ustvarjalci močno poudarjajo tudi pomen Knjižnice MGL kot samostojne založbe, specializirane za izdajo izključno gledališke literature – novih in prevodnih teoretskih del –, ki si hkrati prizadeva raziskovati inovativne pristope k zgodovinjenju slovenske gledališke prakse. Knjižnica MGL pa hkrati deluje znotraj gledališča, zato ohranja živ stik z njegovim konkretnim sočasnim razvojem, saj urednica zbirke Petra Pogorevc, kot zapišejo avtorji razstave, izbor naslovov snuje z mislijo na vse, kar na slovenskih in svetovnih odrih nastaja ta hip. Izrazijo pa tudi ponos na dejstvo, da je v bogati zgodovini zbirke vsako leto izšel vsaj en nov naslov.
Razstava se je sicer osredotočala na njeno obdobje delovanja med letoma 2019 in 2025, ko so jo soustvarjali fotograf, oblikovalki in urednica, ki se podpisujejo tudi kot avtorji razstave: Maja Kešelj, Peter Giodani, Petra Pogorevc in Petra Švajger.
Razstava tematsko izhaja iz predpostavke, da je knjiga oblikovan objekt, ki s fotografijo na naslovnici ter pripadajočim oblikovanjem komunicira s potencialnim bralcem ali kupcem. Avtorji celostno podobo knjige definirajo kot »prostor, kjer se vsebina in forma združita v celoto«, saj v njej součinkujejo uredništvo, fotografija in oblikovanje, platnica knjige pa predstavlja vrata v ta prostor, ki bralca vabijo, da vstopi vanj.
Razstava v prvi plan postavi umetniško fotografijo, ki je nastala za namene posameznih naslovnic, vendar si poleg tega, da na ogled postavi tudi knjige kot take, dovoli še nekaj več igrivosti. Izstopata še izobešena prozorna plošča s citatom iz knjige Tragedija iniciacije ali nestanovitni princ, ki opozarja na stalnico, ki je zaznamovala kar nekaj izmed fotografij; te plošče s citati so namreč nastopale kot rekvizit na fotografiji in hkrati inventiven način za izpostavitev reprezentativnih citatov, ter triptih fotografij, na katerih so upodobljene knjige Gledališče in žalovanje, Del mojega življenja in Rapsodija za gledališče – gre torej za fotografije knjig z umetniškimi fotografijami na naslovnicah. Ta dva detajla razstave morda najbolj opozarjata na most med vsemi medsebojno odvisnimi deli, ki vzpostavljajo vizualno podobo knjige-oblikovanega objekta kot reprezentacijo njene vsebine in komunikatorja s potencialnim bralcem.
Razstava v prvi plan postavi umetniško fotografijo, ki je nastala za namene posameznih naslovnic, vendar si poleg tega, da na ogled postavi tudi knjige kot take, dovoli še nekaj več igrivosti.
Ob podrobnejšem pregledu lokacij, na katerih so nastale fotografije z naslovnic, pa se vzpostavlja tudi fascinantna povezava med fotografijo in arhitekturo. Ta se je očitno zdela pomembna tudi ustvarjalcem razstave, saj so se odločili lokacijo dosledno navesti ob vsaki izmed fotografij. Seznam obsega naslednje lokacije: Dvorana Mini teatra, avla Cukrarne, Veliki oder MGL, fasada hiše na Rimski cesti, garaža ŠRC Stožice, Galerija Equrna in ljubljanski Nebotičnik. Izbor razstavljenih naslovnic zato tke tudi vzporedno rdečo nit povezave med fotografijo in različnimi, večinoma tako ali drugače na kulturo vezanimi lokacijami. Med knjigami in arhitekturnimi prostori kot umetniško oblikovanimi, a zelo konkretnimi objekti, s katerimi ljudje vsakodnevno, celo nezavedno sobivamo.
Ob podrobnejšem pregledu lokacij, na katerih so nastale fotografije z naslovnic, pa se vzpostavlja tudi fascinantna povezava med fotografijo in arhitekturo.
Če platnico knjige razumemo kot vrata vanjo, lahko razstavo Vrata v knjige jemljemo kot vstopno mesto v pomembno dediščino zbirke Knjižnica MGL, saj nabor predstavljenih platnic obiskovalca vabi, da razišče še druge naslove, ki jih zbirka ponuja. Hkrati pa razstava opominja, da rek »ne sodi knjige po platnicah« morda vseeno ne drži več, saj je ob sodobni inflaciji knjižnih izdaj, po katerih lahko bralec seže, privlačna naslovnica, ki že na prvi pogled komunicira, kaj knjiga skriva med platnicami, ključna, da vsebina doseže publiko. Izbrani vzorec knjig je tako poklon uspešnemu dialogu med urednikovanjem, oblikovanjem in fotografijo, ki sooblikujejo interakcijo s knjigo, najprej kot objektom, ki ga je prijetno držati v roki in postaviti na domačo knjižno polico, nato pa kot tekstom in védenjem, ki ga ta nosi v sebi.
Tudi v Sloveniji obstajajo avtorice, ki so zame »instant buy«, torej v slovenščini nekakšen takojšnji nakup; brez poznavanja vsebine vem, da mi je všeč, kako pišejo in o čem pišejo, in da bom knjigo takoj kupila. Med te avtorice sodi tudi Ajda Bračič in njen romanKresničevje, ki me je med branjem popeljal v naravo, čeprav sem bila v domači postelji.
»Agnes pomisli: svet okoli mene nezadržno drvi proti svojemu propadu, jaz pa še vedno mislim le na to, kako bi lastno sestro prepričala, naj mi odpusti.«
V romanu se osredotočate na odnos med dvema sestrama, Agnes in Klaro, o katerem pa v romanu izvemo izredno malo; obe imata neko zamero, nekaj se je zgodilo v njuni družini in z mamo, vendar je teh nekaj drobcev na hitro posejanih po poglavjih, skoraj do konca ne izvemo nič kaj določnega. Je bil to vaš namen, po malem kot semena posejati te skrivnosti po knjigi? Zakaj nas ravno družinski odnosi tako privlačijo?
Postopno razkrivanje njune zgodbe je eden od mehanizmov, ki roman vlečejo naprej. Ko Agnes prodira vse globlje v gozd, se v svojih mislih postopoma dokoplje tudi do srca tega sestrskega spora, do sveže bolečine, ki se je ob začetku knjige še ne drzne dotakniti. Sprožilni moment, ki je privedel do začetka knjige, tako dobimo ravno v trenutku, ko se začne tudi osrednji zaplet. Družinski odnosi so nekaj, v kar se nas večina lahko do neke mere vživi; ravno največja bližina porodi največje bolečine. Poleg tega so intimni, družinski, prijateljski ali partnerski odnosi majhna leča, v kateri se lahko zrcali vsa trenutna resničnost sveta.
Eno izmed poglavij se prične takole: »Do kam segajo korenine krivde? Vsaka družina ima drevo, in to drevo je obrnjeno narobe. Tam, kjer drevo izrašča iz zemlje, sta onidve, kot da bi se pri deblu vse končalo, ne pa šele začelo.« Morda je res to nekaj, kar se marsikdo med nami vpraša, sploh v družinskem okolju. Zakaj ste ravno krivdo izbrali za izhodišče in ne česa drugega, na primer jeze ali razočaranja?
Krivda je po mojem mnenju eden od najbolj neproduktivnih občutkov, kar smo jih ljudje zmožni čutiti. Navadno jo čutimo retrospektivno, glede nekega dejanja v preteklosti, ki ga ne moremo več spremeniti, krivda pa nam v najboljšem primeru lahko pomaga le pri tem, da takšnega dejanja ne bomo več ponavljali in da se bomo oškodovancu, če obstaja, poskusili na kakšen način odkupiti. Jeza in razočaranje sta bistveno produktivnejši, aktivnejši občutji. Zdelo se mi je zanimivo, da je krivda vseeno nekaj zelo občega, da močno prežema ne le posameznike, pač pa celo zahodno kulturo, in da se z zaostrovanjem svetovnih kriz ta krivda le še stopnjuje. Pogosto nam je krivda posredovana in se ne nanaša le na neka osebna dejanja, pač pa na dejstvo, da smo pripadniki takšne družbe, takšne vrste. A v današnjih časih resignacija in sprijaznjenost ne moreta biti odgovor.
Vse to prepletanje preteklosti in sedanjosti skoraj vedno spominja na korenine – na prepletanje časa in oseb; Agnesina zgodba pa se prepleta tudi z zgodbo Valentina v preteklosti. Kaj vas je pri njegovi zgodbi najbolj fasciniralo? Kako to, da ste se odločili za mešanje realne in fiktivne zgodbe, sedanjosti in preteklosti?
Pri Valentinovi zgodbi, ki je v glavnih poudarkih resnična, manjkajoči deli pa so literarizirani, me je presunila njena skoraj neverjetna tragika. Če bi kdo napisal roman s to zgodbo, bi mu najbrž očitali, da je preveč dramatičen. Zelo rada imam prepletanje dokumentarnosti in fikcije, ki se upirata običajnim klasifikacijam. Takrat, ko stojita ena ob drugi, dajeta misliti o spektru resničnosti, ki smo mu pripravljeni verjeti. Ker je vsa snov romana uperjena proti razmisleku o različnih odnosih med naravo in družbo, je to večno spodmikanje resničnosti zapisanega dober način, da bralke in bralci začnemo dvomiti o vseh stališčih, ki jih v romanu zastopajo različni liki, in morda raje poiščemo svoje lastno. Sicer pa sta zgodbi Agnes in Valentina v marsičem sorodni, čeprav to na prvi pogled morda ni razvidno: oba muči krivda, oba se zato umakneta v gozd, kjer oba doživita nekakšno preobrazbo.
Upam, da roman deluje predvsem kot miselni poligon, skozi katerega bralka in bralec ugotovita, s čim se strinjata in s čim ne.
Agnes gre v gozd in očetovo kočo iskat svojo sestro, ki pa je tam ne najde, sreča pa druščino, ki se je odmaknila od civilizacije in ljudi – ti Agnes na neki način intrigirajo, hkrati pa se mi zdi, da se jih tudi malo boji; da lahko živijo tako prosto življenje. V čem ste iskali navdih za njihovo dinamiko komunikacije oziroma sodelovanja? Vsi trije so namreč malce ekscentrični.
Trije pripadniki gozdne skupnosti, Sara, Joshua in Tulsi, v bistvu vsi temeljijo na več ljudeh, ki jih osebno poznam, a so njihove značajske lastnosti, prepričanja in ideje prepovečani in premešani do mere, da so nastali povsem samosvoji liki. Tu in tam med prijatelji, znanci ali pa na spletu in v medijih naletim na precej radikalna stališča, ki najverjetneje pred nekaj leti ali vsaj desetletji ne bi bila obravnavana s tolikšno resnostjo. Poleg tega pa sem, ko sem oblikovala njihovo medsebojno dinamiko, razmišljala predvsem o tem, kaj tri med seboj različne ljudi druži tako močno, da že leta skupaj prebivajo odmaknjeni od preostalega sveta, in jasno je bilo, da se z odnosi med seboj držijo v nekakšnem šahu. Zaradi svojih specifičnih značajskih lastnosti se potrebujejo med seboj.
Kaj bi pa vas prepričalo, da bi ostali v koči s temi ljudmi?
Najbrž bi me, tako kot se to v bistvu zgodi Agnes, prepričal gozd sam – zadišala bi mi čas in prostor za popoln odmik od identitete, ki jo gradim in živim v svojem vsakdanjem življenju. Poleg tega bi me zelo zanimalo Tulsijino zeliščarsko znanje, saj si z njo delim naklonjenost vsakršnemu namakanju, sušenju in vlaganju.
V romanu se obrnete nazaj k naravi, nekam, kjer ni signala, kjer naj bi bilo vse bolj pristno – naše doživljanje brez elektronskih naprav. Kakšen odnos imate vi do tega?
Vsekakor pogosto sanjarim o takšnem življenju, čeprav nisem vedno prepričana, ali bi ga bila res še zmožna. Odraščala sem v stari hiši na robu gozda, kjer so mi družbo delale predvsem knjige in družinski pes, in ko smo se pri mojih desetih letih preselili v mesto, je to zame predstavljalo pomemben, malodane tragičen prelom. Mislim, da bi bila najsrečnejša v odmaknjeni koči, kjer bi lahko vzgajala vrt, v miru pisala in kjer me ne bi dosegel več noben e-mail. Ampak po drugi strani sem hotela to idejo v romanu do neke mere dekonstruirati – predvsem zato, ker za večino ljudi ni zares vzdržna, morda pa povsem sebično tudi zato, ker ni slutiti, da bi si sama željo po odmiku v hišo sredi gozda lahko v kratkem izpolnila.
»Narava lahko pozdravi samo sebe, nas pa ne več.« Ste hoteli bralcem podati kakšno pomembno sporočilo?
Hotela sem predvsem odpreti vprašanja, ki se meni zdijo pomembna, torej vprašanja o našem odnosu do narave, do samih sebe, vprašanja odpuščanja, religije in vsakršnega verjetja, odmika od družbe in sodelovanja v njej, individualnosti in kolektivnosti. Res pa upam, da ni roman v nobeni od svojih poant preveč misijonarski, v smislu da bi hotel eno samo resnico ustoličiti za edino pravo in nespremenljivo. Upam, da roman deluje predvsem kot miselni poligon, skozi katerega bralka in bralec ugotovita, s čim se strinjata in s čim ne.
Zame je bil poseben izziv iskanje ravnovesja med poetično, prosto tekočo prozo, ki jo imam zelo rada, in fabulativnim ogrodjem, pri katerem mi je rep in glavo pomagala iskati urednica Veronika Šoster.
Še eno, morda klišejsko vprašanje, ki se bo nanašalo tudi na naslednje; tokrat morda prostori niso svoj lik, ampak je to kar cel gozd, ki pred bralci v knjigi kar oživi. Kako ga vi doživljate? Ste delček svojega gozda dali v knjigo?
Po mojem so v knjigi prisotni delci vseh gozdov, skozi katere sem kdaj hodila, predvsem pa sta to moj otroški gozd iz Polhograjskega hribovja in ljubljanski Golovec, kjer zdaj preživljam največ časa. Eden izmed mojih ljubih odlomkov iz knjige je tisti, v katerem se Agnes spominja, kako je bila otrok in hotela narisati gozd, pa ji ni šlo, saj je gozd v resnici nedeljiva celota vsega, kar se nahaja v njem. Agnes opazuje vejo, ptico, mah, potok – vsako izmed teh reči uspe narisati, ne uspe pa ji zaobjeti tega, kar imenujemo gozd. Tako je najbrž tudi ta roman moj poskus, da bi orisala gozd, a seveda celote ni zmožen izraziti.
Imeli ste že nekaj predstavitev knjige, ena izmed njih pa je bila prav posebna – obiskovalce ste povabili v gozd in tam prebrali nekaj odlomkov iz romana. Kako ste prišli do te ideje in kako ste jo občutili?
Praksa branja v gozdu ni tako redka: spomnim se predstavitve neke številke literarne revijeIdiotpred več kot desetletjem, na kateri so avtorji brali v gozdu in se mi je takrat zdela zelo posebna, prav tako sem enkrat sodelovala pri organizaciji dogodka Branje drevesom, ki se tudi odvija v gozdu. Meni je povezava branja in hoje zelo blizu, zelo rada imam bralne sprehode v naravi, in predstavitevKresničevjase mi je zdela vrhunska priložnost, da to metodo uporabim. Zdi se mi, da je branje romana v gozdu dobro uspelo in da je tudi občinstvo uživalo: ravno ob mraku smo se vzpeli nad Ljubljano in branje ob pojemajoči spomladanski svetlobi je bilo res čarobno.
Na predstavitvi nove knjige na Vodnikovi domačiji ste povedali, da roman ni nastajal organsko. Kako ste izpeljali prehod od kratke proze k romanu? Kako ste ga sestavili in kje so bili največji izzivi?
Ne vem, kaj točno sem imela v mislih v tistem trenutku na predstavitvi. Vsekakor sem želela napisati daljše besedilo, da bi se ob njem mojstrila v disciplini in pisateljski samozavesti – da bi si upala vztrajati s svojo idejo. Gotovo pa je oblikovanje romana potem potekalo precej organsko v smislu, da se je zadebelil in razširil na določenih točkah, medtem ko so druge zgodbene linije kasneje ošibele ali povsem izginile. Struktura romana je skupek zamisli in materiala, ki so nastajali dobra tri leta. Zame je bil poseben izziv iskanje ravnovesja med poetično, prosto tekočo prozo, ki jo imam zelo rada, in fabulativnim ogrodjem, pri katerem mi je rep in glavo pomagala iskati urednica Veronika Šoster. Drugi izziv je nastopil, ko je bilo po dolgem obdobju preizkušanja treba sesti za mizo in spisati vse manjkajoče dele romana, kar je predstavljalo več tednov zelo zgoščenega pisanja.
Opisno grajenje atmosfere v romanu je zagotovo ena od vaših odlik, ki vam odlično uspeva – tokrat smo bili bralci celo malce usmerjeni v neko malo temačno, grozljivo zadevo, ki konca sicer ne odraža na tak način. Bi se strinjali, da je knjiga žanrsko hibridna, in zakaj?
Glede žanrske hibridnosti odgovor prepuščam literarnim kritikom in zgodovinarjem – zdi se mi, da je literatura resnično svoboden prostor, v katerem se pisateljica lahko poslužuje vseh orodij in načinov, ki jo privlačijo in ki se ji zdijo za njeno trenutno pisanje primerni, in da je vsa kakovostna literatura torej na neki način hibridna. Ob tem, še posebno če ne sledi eni sami smeri, se marsikdaj iznajde še kakšen svoj, tretji izrazni način ali zvrst, kot je recimo uspelo Nini Dragičević z delomNemogoče.Kresničevjeres vpeljuje mračno in nelagodno atmosfero, nadrealistične prigode in nekatere trope srhljivke, morda tudi zato, da bi poudarila tesnobo in krivdo, iz katere bežijo junaki. A ne bi mogla reči, da je v celoti to ali ono. Vsekakor mislim, da bo bralec, ki od tega romana pričakuje predvsem dobro grozljivko, razočaran.
Zdi se mi, da je literatura resnično svoboden prostor, v kateri se pisateljica lahko poslužuje vseh orodij in načinov, ki jo privlačijo in ki se ji zdijo za njeno trenutno pisanje primerni, in da je vsa kakovostna literatura torej na nek način hibridna.
Letos ste bili na pisateljski rezidenci v Pragi in nekaj utrinkov ste delili tudi na svojih družbenih omrežjih – meni je zelo ostala v spominu fotografija postelje z dvema knjigama in posteljnino, na kateri je praprot, in nekaj pri tem me je spomnilo tudi na vaš roman, na to neko tihožitje; in čeprav zna biti Praga glasna, zna najbrž biti tudi zelo tiha. Je bil to vaš odhod v »kočo«, tako kot v romanu Agnes? Ste tam občutili neki mir v sebi? Kaj je to pomenilo na primer za odnos do sebe in vaše pisanje?
V Pragi, kjer sem konec leta 2025 v okviru Unescove rezidence dva meseca stanovala v rojstni hiši Franza Kafke, sem imela prvič v življenju praktično idealne pogoje za pisanje. Hecno je, da sem potrebovala več kot mesec, da sem se ob tem dejansko pripravila do pisanja, saj sem se večino ostalega časa borila s sindromom vsiljivca, utrujenostjo po pravkar izdanem romanu in ohromljenostjo pred prazno stranjo. To je bil čas dolgih, meglenih noči med vsemi svetimi in božičem, v katerih je to mesto duhov, alkimistov in golemov včasih res kar malo srhljivo, ampak tudi zelo navdihujoče. Čeprav nisem veliko pisala, pa sem nastavila precej zamisli za prihodnost, dosti brala, pogledala veliko razstav, razmišljala. Včasih so rezultati rezidence manj oprijemljivi od števila natipkanih strani; včasih je pomembneje, da lahko v kratkem trenutku predaha končno spet srečaš sama sebe.
Kolikor vem, veliko berete. Kaj vam je najbolj vznemirljivo pri drugih zgodbah? Ali si pogosto rečete: tudi jaz bi kdaj kaj takega napisala? In kako se soočiti s tem, da najdete nek svoj jezik? Katere knjige so še posebej vplivale na vaše pisanje?
Najbolj me vznemirja poseben, nepričakovan način pripovedovanja, da avtor niza povedi v neobičajna zaporedja, ki me kot bralko izzovejo, in da s samo strukturo pripovedi že razkriva ali pa se zoperstavlja njeni vsebini. To je povezano tudi s slogom, dobro izbranimi besedami, ritmom. Zelo cenim, če je iz pisanja razvidno, da avtor ni razmišljal le o tem, kaj bo zapisal, temveč tudi, kako bo to zapisal. Med knjigami, ki so vplivale na moje pisanje, moram vsekakor omeniti dela Jeanette Winterson, Olge Tokarczuk, Virginie Woolf, pa tudi Gabriela Garcíe Márqueza, Jorgeja Luisa Borgesa, J. R. R. Tolkiena, Ivana Cankarja in še mnogo drugih. V stanovanju, v katerem živim, knjige ves čas krožijo – s polic na pulte, s pultov na mize, z miz na druge police. Vsake toliko pristanejo na moji mizi, in tiste, ki so v nekem trenutku pač razprostrte poleg moje delovne površine, pogosto odpiram in preberem samo stavek, dva, preden začnem pisati. Mislim, da noben jezik ni samo moj, pač pa je vedno podedovan, izposojen. Moj postane takrat, ko ga uporabljam.
Kakšen stil pisanja je všeč vam osebno?Kresničevjenamreč vsebuje čudovite opise narave, doživljanja in primerjav, ki bralca prav pobožajo.
Tudi sama zelo rada berem izrazito atmosferične knjige ali knjige, ki znajo plastovito in natančno posredovati vzdušje nekega kulturnega, geografskega okolja. Všeč mi je na primer ameriška pisateljica Claire Vaye Watkins, ki krasno opisuje nevadsko puščavo, žgočo vročino, kojote, radioaktivne odpadke, majhne igralnice na srečo, rudnike draguljev, lokalne posebneže, ki lokajo žganje. Občudujem moč literature, da te nemudoma prestavi v neki prostor in čas, nato pa ti znotraj njega posreduje želje, strahove in ideje oseb, ki ga naseljujejo.
Mislim, da noben jezik ni samo moj, pač pa je vedno podedovan, izposojen. Moj postane takrat, ko ga uporabljam.
Za zbirko kratke proze Leteči ljudje ste prejeli nagrado kritiško sito in nagrado Maruše Krese ter bili nominirani za najboljši prvenec – knjiga pa je bila odlično sprejeta tudi med bralci. Ste morda zato čutili pritisk pred objavo naslednje knjige?
Priznati moram, da sem res čutila kar precej pritiska, čeprav sem si ga najbrž naložila predvsem sama. Druga knjiga naj bi bila najtežja – po uspehu prve knjige sem od nekaj ljudi slišala celo, da mi tega itak ne bo uspelo več ponoviti. Zato sem se potem zavestno želela od prvenca čim bolj odmakniti, tako rekoč pozabiti nanj, in se pisanja lotiti kot popolna začetnica, brez želja in pričakovanj. Mislim, da je to za vsakogar, ki piše, lahko dobra strategija: začenjanje zmerom na novo.
Za prvo delo se je veliko govorilo o arhitekturi prostora, o tem, da je v nekaterih kratkih zgodbah prostor kar sam svoj lik; v novem romanu Kresničevje pa se tokrat obračate v naravo in človeka samega. Je tudi tukaj pri pisanju vplivala arhitektura – morda arhitektura narave, človeka?
Že nekaj let se prek svoje nevladne organizacije Kajža ukvarjam predvsem s trajnostno, okolju prijazno arhitekturo, zato dosti razmišljam tudi in predvsem o razmerju med človekom in naravnim prostorom ter vsemi drugimi bitji in silami, ki delujejo v njem. Zagotovo so na Kresničevje zelo vplivale teoretske knjige, ki sem jih prebrala v zadnjih letih predvsem zaradi svojega dela v arhitekturi: Facing Gaia Bruna Latourja, The Mushroom at the End of the World Anne Tsing, Hyperobjects Timothyja Mortona.
Kakšne načrte imate za naprej? Lahko kmalu pričakujemo novo knjigo, je na obzorju kakšen arhitekturni projekt?
Trenutno se poigravam s približno tremi različnimi idejami za naslednji večji projekt, preigravam možnosti in načrtujem, vmes pa tu in tam napišem kakšno kratko zgodbo. Do nove knjige je še daleč. Se pa trenutno z veseljem ukvarjam s pripravo na festival Razpoka, prvi slovenski festival arhitekturne prenove in trajnostnega bivanja, ki ga s Kajžo letos načrtujemo že drugo leto zapored in se bo zgodil jeseni.
S polnim korakom stopamo v pomlad, čas, ko vsak travnik, klop in zidek postanejo vabljiva priložnost za branje. Za posedanje s knjigo, najhitrejšim nepremičnim prevoznim sredstvom v širne svetove, vam Knjigoobet prinaša pester nabor sveže natisnjenih, napisanih, včasih celo narisanih strani domačega in prevedenega čtiva. V Buenos Aires v korakih tanga, v slovensko zamejstvo ali v globine družinske zgodovine? Med kitajske verze, skozi bolgarsko režimsko tranzicijo, na Bližnji vzhod ali v sosednjo Italijo, kamor želite, črke odpeljejo.
Kolaž: Hanna Juta Kozar
Brina Svit, Adios, Buenos Aires (Mladinska knjiga)
V svojem najnovejšem romanu se Brina Svit poslavlja od Buenos Airesa – mesta iz svoje resnične in literarne preteklosti. Avtofikcijska prvoosebna pripovedovalka se med obiskovanjem krajev, ki so bili nekoč del njenega vsakdana, srečuje z znanci, ob katerih ugotavlja, kako zelo je njih in njo samo spremenil čas, z odmevi iz svojih prejšnjih romanov ter z neznanci, ki prinašajo nove zgodbe. Roman v središče postavlja prav pripoved o minljivosti, ne le človeški, temveč tudi minljivosti mesta, države, družbe, kakršno smo v nekem trenutku (s)poznali in si jo prisvojili. Velika vloga je, ne prvič v avtoričinem opusu, namenjena tangu, ki je hkrati svet in jezik zase, prostor spoznavanja, odkrivanja in osmišljanja drugega. Za Brino Svit značilna medkulturnost, v tem romanu prepletanje slovenskega in argentinskega, je poudarjena tudi v slogu, ki z množico jezikovnih in lokalnih referenc reflektira bivanje med različnimi svetovi. Kratek, a vsebinsko zvrhano pester roman je zanimiva literarna destinacija tako za avtoričine zveste bralce, ki bodo v njem prepoznali prebliske svojih prejšnjih popotovanj v njeno pisanje, kot za vse nove ljubitelje avtofikcije in prepleta kultur.
Umberto Eco, Milo Manara, Ime rože (strip, Mladinska knjiga)
Na police je prispel tudi prevod stripa Ime rože, ki ga je priznani italijanski ustvarjalec Milo Manara ustvaril po istoimenski kultni kriminalki Umberta Eca. Ecov roman iz leta 1980 je postal mednarodna uspešnica, ki je s postmodernističnimi elementi presegla žanrske meje in se vpisala med moderne klasike. V srednjeveškem samostanu svojevrstni »detektiv« Viljem po zaporedju nepojasnjenih smrti išče zapleteno nit do skrivnosti, ki ga pelje med police starodavne knjižnice in v gnezdo spletk inkvizicije. Stripovski mojster Milo Manara je poleg napete zgodbe zvesto ohranil tudi filozofsko plat romana, ki jo vidimo v ohranjeni »gostoti« besedila, nekoliko neznačilni za strip. Prevajalec romana Srečko Fišer je v slovenščino pripeljal tudi njegovo stripovsko različico. Naj bo za vas Ime rože znana zgodba v novi preobleki ali sveže odkritje, vredno jo je vzeti v roke.
Joanna Elmy, Narejeni iz krivde (Mladinska knjiga)
Tri generacije žensk, povezane z neotipljivim, a vseprisotnim občutkom krivde, krojijo zgodbo o iskanju lastnega jaza v hrupu zgodovinskih okoliščin, osebnih pretresov in družbenih pričakovanj. Avtorica v romanu, ki se z glediščem premika med Evo, Lilijo in Jano, brezkompromisno tematizira travmatske vzorce, nasilje in izseljensko izkušnjo. Družino zaznamujejo bolgarska zgodovina, prehod iz monarhije v komunistično državo ter nato v tranzicijo. Vsaka generacija skupaj z lastnimi izkušnjami podeduje tudi breme preteklosti, se ga skuša otresti ali ga upravičiti in se po svoje bori za prihodnost, osvobojeno družbenih in družinskih spon. Za svoj roman je Joanna Elmy prejela bolgarsko nacionalno nagrado za najboljši literarni prvenec in že na začetku poti osvojila bralce v več kot petnajstih jezikih.
Anton Špacapan in Francesco Tomada, Volkuljin sin (Goga)
Volkuljin sin je roman na meji – med resničnostjo in fikcijo, spominom in pozabo, pa tudi dobesedno, med izkušnjo fašizma na slovenski in italijanski strani severne Primorske. Protagonist Srečko odrašča v vasi, podvrženi prisilni italijanizaciji, v kateri pa se utemeljujejo tudi nove oblike odpora in grajenja skupnosti. Avtorja iz Gorice in Nove Gorice sta združila moči v »politični pravljici«, zgodovinski pripovedi, ki jo navdihujejo tako spomini kot domišljija, a nima klasične realistične zasnove, temveč vanjo vstopajo magija in čudežnost, pa tudi refleksija o kritičnem obdobju obmejnega sobivanja.
Dai Weina, Eno samo cvetenje v temi (Goga)
Pesniška zbirka sodobne kitajske pesnice Dai Weina prepleta duhovno razmišljujoče teme z motivi sodobnega življenja. Njeno pesništvo se napaja tako v kitajski tradiciji kot v sodobnih filozofskih in literarnih tokovih, karakterizira pa ga jezikovna spretnost, ki združuje reflektivnost s humorjem. Oblikovno sodobna pesniška zbirka ponuja svežino v slovenskem literarnem prostoru predvsem z nepričakovanim in bogatim podobjem, ki ustvarja prostor poezije kot samosvojo orbito med dvema svetovoma.
Mojca Petaros, Nočem več biti nevidna (Mladika)
Zbirka kratkih zgodb Nočem več biti nevidna prinaša sveži veter tem in motivov sodobnega življenja med domom in tujino. Raznolikim pripovedim in pripovedovalcem je skupna središčna točka zamejstva, ki protagoniste zaznamuje v njihovih individualnih usodah; avtorica z njimi prevprašuje vlogo doma in skupnosti pri oblikovanju posameznika, pa tudi »dolg«, ki ga ima ta do svojega okolja in jezika. Prav prepletanje jezikov je inovativni adut zbirke, saj v njej najdemo tako odlomke v zamejski slovenščini, mladostniški dialekt, posejan tako z anglizmi kot z italijanizmi, kot tudi pripovedne refleksije o jeziku (ali jezikih), ki jih junaki zgodbe izbirajo za svoje. Avtorica v dvajsetih kratkih zgodbah opisuje predvsem medosebne odnose – družinske, partnerske, prijateljske, pa tudi naključne in nenavadne – žanrsko pa so njene pripovedi raznovrstne, od povsem realističnih do intimističnih ali folklornih, z elementi magičnega realizma. Zelo berljivo zbirko tako priporočata predvsem široka izbira tem in velika občutljivost za posameznike vseh generacij.
Gaël Faye, Palisandrovec (Mladinska knjiga)
Francoski pisatelj ruandskih korenin Gaël Faye v svojem drugem romanu Palisandrovec slika najtemnejšo stran bližnje ruandske zgodovine, genocid nad Tutsiji leta 1994. Milan, vzgojen v Franciji, kamor je iz Ruande pribežala njegova mama, se z družinsko zgodovino prvič sreča, ko se v njegovem domu nenadoma pojavi bratranec Claude, s hudo poškodbo, o kateri vsi molčijo. Odrasli protagonist se odpravi v deželo svojih prednikov v želji po razpletanju klobčiča lastne identitete, ki so jo oblikovale skrivnosti in molk, ki jih nikoli ni mogel doseči, ter upanju, da bo slišal zgodbe, zavite v tišino. Zgodba štirih generacij večplastno in bogato tematizira travme, ki se prenašajo iz roda v rod, pa tudi diametralno različne načine spopadanja z njimi, spletene med pričevanjem in tišino. Roman, ki je lani prejel Goncourtovo nagrado po izboru slovenskih študentov, ponuja pretresljivo bralsko izkušnjo, ki težko predstavljivo obdobje zgodovinske, a tudi aktualne groze berljivo in empatično postavi pred sodobnega bralca.
Maja B. Kranjc, Klopotec (Beletrina)
Prvenec Maje B. Kranjc se sprašuje o najintimnejših vezeh, ki nas priklepajo na odnose z bližnjimi in ponavljanje vzorcev, ki bi jih radi presekali. Osrednji odnos med mamo Vero in hčerjo Nino, poln neizrečenega in zatajevanega, izrisuje zgodbo o vplivu odraščanja na odločitve, ki jih posameznik sprejme v odraslosti, na odnos do samega sebe in do drugih. »Klopotec«, simbol nemira, ki se v Nini oglaša od disfunkcionalnega otroštva, jo spremlja v partnerski odnos z Bojanom, v katerem se stari vzorci začnejo ponavljati. Vprašanja: koliko nas samih je v naših prednikih in v kolikšni meri medgeneracijske travme diktirajo naše odločitve? Pripovedna glasova Vere in Nine odstirata psihološko prepričljiv vpogled v rane, ki nam jih lahko zadajo najbližji in ki odzvanjajo še dolgo po njihovem odhodu.
Colum McCann, Apeirogon (Beletrina)
Usodi Izraelca Ramija Elhanana in Palestinca Basama Aramina združi tragična izguba njunih hčera – Samadar ubije samomorilski razstreljevalec, Abir pa izraelski vojak. V 1001 fragmentu McCann raziskuje zgodbo resničnih likov dveh očetov, ki ju ločuje zgodovina, a ob osebnih tragedijah izbereta prijateljstvo in upanje na mir, katerega zagovornika postaneta. V obsežnem romanu o aktualnem konfliktu avtor večplastno in kompleksno – kakor napoveduje že naslovni motiv apeirogona, geometrijskega lika z neskončnim številom stranic – premišljuje o mnogoterih obrazih osebne bolečine in kolektivnega spopadanja z nasiljem.
Dimnikar Gamfield iz Dickensovega kultnega romanaOliver Twist(1838) je slika svojega časa: lakomnež se preživlja tako, da na občini zaprosi za osirotele otroke, nato pa jih uporablja kot ceneno delovno silo za čiščenje majhnih dimnikov – le koščeni in sestradani otroci se namreč lahko prebijejo po ozkih dimniških jaških in jih očistijo. Dickensu si prizora, v katerem dimnikar pred občinskim svetom prostodušno prizna, da sta mu prejšnja vajenca umrla in zato zdaj potrebuje novega, ni bilo treba izmisliti. Tovrstno »zasebno-javno« partnerstvo v tedanji Angliji ni bilo ne novo ne posebno: osirotele dečke, stare štiri ali pet let, so dimnikarji odkupovali od občin skoraj kot potrošno blago – uporabljali so jih za vajence, dokler v nečloveških razmerah niso umrli.
In na to ni bilo treba čakati dolgo: če se niso ponesrečili v ozkih dimnikih, jih je doletela bolezen, ki bi jo danes označili za poklicno – rak modnika. Kirurg Percivall Pott iz bolnišnice sv. Bartolomeja je opazil, da so bili skoraj vsi tovrstni bolniki »revne sirote, ki so bili v uku za dimnikarje in so jih, pogosto gole in namazane z oljem, pošiljali v dimne cevi, da bi čistili saje« (S. Mukherjee, 279). Kot prvi je ugotovil, da gre za »rak dimnikarjev«; poprej so zdravniki to bolezen pišmeuhovsko pripisovali spolnim boleznim (naj spomnimo, da govorimo o nekajletnih dečkih!), zdravili pa so jih s strupenimi živosrebrnimi mazili, s katerimi so neizogibni konec le še pospešili. Šele Pott je začel domnevati, da so vzrok saje, ki se leta in leta zažirajo pod kožo.
Dickensu si prizora, v katerem dimnikar pred občinskim svetom prostodušno prizna, da sta mu prejšnja vajenca umrla in zato zdaj potrebuje novega, ni bilo treba izmisliti.
Več o takih in podobnih križih rakavih bolnikov lahko preberemo v izjemni knjigi Siddharthe MukherjeejaKralj vseh bolezni(Ljubljana: Modrijan, 2012), o teh dečkih pa lahko dodamo, da so še dolgo ostajali »potrošno blago« za raznorazne gamfielde. Javnost je bila sicer že konec 18. stoletja opozorjena na to sramoto, tudi v književnosti. Med drugimi je o njej spregovoril angleški pesnik William Blake (1757–1827) v pretresljivi pesmiDimnikarček(The Chimney Sweeper):
Izgubil sem mater že majhen fantin
in oče prodal me je proč, ko sem znal
le vekati kakor pregnana žival.
Ometam zdaj dimnike, v sajah zdaj spim.
(prev. Aleksandre Kocmut)
Zaradi javnega ogorčenja je bil angleški parlament leta 1788 prisiljen sprejeti zakon o prepovedi zaposlovanja dečkov, mlajših od osmih let. Osem! Nato se je starostna meja počasi dvigovala: leta 1834 na štirinajst, leta 1840 na šestnajst, prepoved pa je dejansko začela veljati šele leta 1875. Ko je naposled obveljala, se je pokazalo, da je imel Pott prav: »dimnikarski« rak na modniku je v nekaj desetletjih izginil. Dokončno se je potrdilo, da ni šlo za »spolne bolezni«, temveč za družbeno tolerirano ceno opravljanja umazanega dela.
Zaradi javnega ogorčenja je bil angleški parlament leta 1788 prisiljen sprejeti zakon o prepovedi zaposlovanja dečkov, mlajših od osmih let. Osem!
Friedrich Engels je v deluPoložaj delavskega razreda v Angliji(1845) za takšno »ceno« skoval izraz, ki je precej bolj natančen:social murder– družbeni umor. Z njim je označil vse situacije, v katerih (z)družba v imenu dobička ljudi zavestno in sistematično izpostavlja dejavnikom, za katere ve, da vodijo v bolezen, bedo in/ali prezgodnjo smrt. A jih kljub temu ohranja, ker so »stroškovno optimizirani«: bolezen, beda in/ali prezgodnja smrt so dopustne in normalizirane, kadar je to »cena« gospodarske konkurenčnosti in učinkovitosti. In zdi se, da v teh primerih pogosto nobena cena ni previsoka.
Ne tedaj ne zdaj. Sodobni gamfieldi lahko danes delujejo še mirneje kot prej: preselili so se na gradbišča, v proizvodne hale, v prekarne pogodbe … Aprila letos je na gradbišču v Mariboru pod zrušeno železno konstrukcijo ostal oče dveh majhnih otrok – najmlajša hči ni bila stara niti dva meseca. Nesreča bi verjetno ostala le še ena novička v črni kroniki – že dolgo smo navajeni, da tragične nesreče na gradbiščih jemljemo kot neizogiben del žalostne statistike – če mirnega spanca javnosti ne bi razburila delavčeva delodajalka. »Kaj vas to briga, kaj me kličete? Saj vsak dan umirajo,« se je odzvala na novinarsko poizvedovanje o nesreči. (Slovenske novice, 19. 4. 2026)
Sledilo je zgražanje po medijih, forumih in družabnih omrežjih, a njenemu odzivu, naj je bil še tako brezsrčen, ne moremo očitati neiskrenosti, ki nam jo v takih primerih običajno servirajo korporativna PR-ovska sporočila; opozorila nas je le na tisto, kar bi ne smelo biti izgovorjeno – da je družbeni umor normaliziran kot statistika. Ja, vsak dan umirajo. Zlahka si predstavljam, da bi se podobno odzval tudi Gamfield in dodal, da nesrečni Kenan, tako mu je bilo ime, ni osamljen primer: Mednarodna organizacija dela (ILO) ocenjuje, da v EU zaradi poklicnih bolezni letno umre več kot 300.000 ljudi (smrtnost, nastala zaradi neustreznih delovnih pogojev, je najpogosteje povezana z rakom, boleznimi dihal in srčno-žilnimi obolenji), kar v Sloveniji sorazmerno pomeni okrog 700–900 smrti letno. Takšne so tudi ocene Zveze svobodnih sindikatov Slovenije (ZSSS), ki pa opozarja, da se uradno prizna le 30–80 primerov letno. Kar pomeni, da je več kot 90 odstotkov smrti nevidnih.
Sodobni gamfieldi lahko danes delujejo še mirneje kot prej: preselili so se na gradbišča, v proizvodne hale, v prekarne pogodbe …
Vsak dan umirajoje trditev, ki ji lahko očitamo marsikaj, ne pa sprenevedanja. Napadla je našo dvoličnost: po eni strani se zgražamo nad tragičnimi delovnimi nesrečami, po drugi strani pa se ne želimo odreči svojemu udobju. Lev Nikolajevič do takega lažnega moraliziranja ni imel milosti. V spisuSuženjstvo našega časa(Rabstvo našego vremeni, 1900) je brezkompromisno zapisal:
»Prelepi so električna razsvetljava, telefoni, razstava in vsi arkadijski vrtovi s svojimi koncerti in predstavami in vse cigare in škatlice od vžigalic in naramnice in motorji; ampak naj se vse razkadi v sončni prah in ne samo to, tudi železniške proge in vsa tovarniška kontenina in žamet pod soncem, če mora zaradi njihove izdelave devetindevetdeset odstotkov ljudi živeti v suženjstvu in v tisočih cepati pri delu, potrebnem za izdelavo teh predmetov.« (L. N. Tolstoj, 463, prev. Janko Moder).
Ne samo na cigaretne škatlice: v družbi, v kateri živimo, bi morali na večino sodobnih izdelkov zapisati, da ubijajo. Proizvodnja nafte in plina vsako leto zahteva življenja delavcev na ploščadih, v rafinerijah in transportu; rudarjenje redkih kovin, brez katerih ni pametnih telefonov, povzroči na tisoče prezgodnjih smrti v državah globalnega juga; tekstilna industrija in gradbeništvo sta med najsmrtonosnejšimi panogami prav zato, ker temeljita na nizkih cenah in hitrem tempu dela. Da o živilski industriji raje ne govorimo. Večina kupuje izdelke, ne da bi hotela vedeti, kdo je zaradi njih zbolel, obubožal ali umrl. Verjetno tudi zato, ker slutijo, da vednost njihovega vedenja ne bi spremenila. Spomnimo se ponovno dimnikarčkov, teh klasičnih žrtev družbenega umora; vsi so vedeli, da cepajo kot muhe, a se zaradi tega ni spremenilo nič.
»Človek bi mislil, da mi, ljudje, ki to vemo (ni pa mogoče tega ne vedeti) in uporabljamo tako delo, ki stane človeška življenja, če le nismo zveri, ne bomo mogli imeti niti minute več mirne, v resnici pa mi, premožni, liberalni, humani ljudje, zelo občutljivi za trpljenje ne samo ljudi, temveč tudi živali, kar naprej izkoriščamo tako delo in si prizadevamo, da bi čedalje bolj obogateli, se pravi, da bi čedalje bolj izkoriščali tako delo, in ostajamo pri tem čisto mirni.« (Tolstoj,Suženjstvo našega časa, 446).
Proizvodnja nafte in plina vsako leto zahteva življenja delavcev na ploščadih, v rafinerijah in transportu; rudarjenje redkih kovin, brez katerih ni pametnih telefonov, povzroči na tisoče prezgodnjih smrti v državah globalnega juga; tekstilna industrija in gradbeništvo sta med najsmrtonosnejšimi panogami prav zato, ker temeljita na nizkih cenah in hitrem tempu dela. Da o živilski industriji raje ne govorimo.
Tolstoj boleče razgalja paradoks moderne morale: bolj ko se imamo kot družba za humane, pravične in občutljive, lažje sprejemamo sistem, ki temelji na trpljenju in uničevanju drugih – dokler to poteka daleč stran in ne moti našega miru (na primer z izjavami tipa »Vsak dan umirajo«). Vedel je, da problem ni nevednost: moderni človek lahko vse ve – lahko celo spremlja genocid v neposrednem prenosu – pa zaradi tega še ne bo stopil iz cone svojega udobja. Problem ni vednost, temveč to, da vse vemo in kljub temu ostajamo, kot bi rekel Tolstoj, »čisto mirni«.
Veliki ruski pripovednik ni ostal pri besedah. V drugi polovici življenja je začel kmetovati, postal vegetarijanec in kupoval le tisto, za kar je verjel, da ni zahtevalo trpljenja drugih. S svojo držo je pokazal, kaj pomeni resno jemati lastno vednost. Zato bi bilo prav, da vsaj ob prazniku dela, ki ga slavimo v teh dneh, začnemo lastno vednost resno jemati tudi mi. Povedano drugače: da si nehamo lagati o nedolžnosti lastnega udobja in opustimo iluzijo, da so nizke cene in hitri roki brez posledic. Da tudi sami ne ostajamo več »čisto mirni«. Dimnikarčki so še vedno med nami: če kupujemo izdelke, za katere vemo, da temeljijo na spornih poslovnih praksah in modelih ter škodijo tako zdravju ljudi kot naravi, jih s tem ohranjamo. Morda brez slabega namena, a ta niti ni potreben. Zadošča brezbrižnost.
Res je, da si včasih ne moremo privoščiti dosledne moralne drže; življenje ne prizanaša. Toda vedno si lahko privoščimo kakšen manj: manj porabe, manj spornih izdelkov in storitev, manj sprijaznjenosti z obstoječim stanjem, manj molka. Vsak sporni izdelek, ki ga ne kupimo, vsak gnil kompromis, ki ga ne sprejmemo več samoumevno, pomeni kakšnega Gamfielda manj.
To je prvi maj, ki ga lahko živimo vsak dan v letu. Zgolj in samo v takem primeru dimnikar Gamfield ne bo tudi slika našega časa.
To je prvi maj, ki ga lahko živimo vsak dan v letu. Zgolj in samo v takem primeru dimnikar Gamfield ne bo tudi slika našega časa.
Nobena dramska oblika ni tako neopredeljiva kot poetična drama. To je konec koncev razvidno že iz mnogih poskusov njene opredelitve, ki so med seboj različni glede na čas, prostor, vsebino in formo. Nekateri teoretiki opredeljujejo poetično dramo kot ahistorični žanr, ki ima začetke v antiki, drugi jo razumejo kot dramo v verzu. Spet tretji jo razumejo ožje glede na vsebino in formo. Janko Kos ločuje dve pojmovanji poetične drame: širše gre za »vsa dramska besedila, ki so napisana v verzih in pesniškem slogu«, ožje pojmovanje pa upošteva le dramska besedila iz 20. stoletja, ki uvajajo pesniški jezik, zgodovinske, mitološke ali pravljične motive s simbolnim pomenom in se bližajo liriki (Kos v Troha 48). Ideal poetične drame najbolje opredeli T. S. Eliot, začetnik razprav o tej dramski obliki, ko pravi, da gre za poskus prikaza nedopovedljivih in nedoločljivih čustev ter motivov zavestnega življenja, za prikaz tistega občutka, ki ga lahko le uzremo, a nikoli zares gledamo in ki nam je dostopen le v »začasni ločenosti od dejanja« (Eliot 87). Eliot je v drugi študiji zapisal tudi, da se ob gledanju poetične drame z glavno dramsko osebo poistoveti le nekaj gledalcev, večina pa se jih poveže z drugimi dramskimi osebami. Glavna dramska oseba je po drugih opredelitvah nosilec intuicije (pojem nosilec intuicije uvede Dušan Prijevec), ki vidi v drug, presežni in nevidni svet, ki ga ostale osebe ne vidijo, a kljub temu vpliva na dogajanje v realnem svetu. Gašper Troha ugotavlja, da sta za poetično dramo potrebna dva svetova – resničen in nevidni svet – ter nosilec intuicije ali več njih (Troha 53–54). Število nosilcev intuicije določa razmerje med pomenom resničnega in nevidnega sveta ter s tem dramo samo: če so v drami samo nosilci intuicije, ta postane pesnitev, če pa ni nobenega, je takšna drama v območju realistične dramaturgije (54).
Ideal poetične drame najbolje opredeli T. S. Eliot, začetnik razprav o tej dramski obliki, ko pravi, da gre za poskus prikaza nedopovedljivih in nedoločljivih čustev ter motivov zavestnega življenja, za prikaz tistega občutka, ki ga lahko le uzremo, a nikoli zares gledamo in ki nam je dostopen le v »začasni ločenosti od dejanja«
V slovenskem prostoru je poetična drama doživela razcvet hkrati z eksistencialistično dramatiko v šestdesetih in sedemdesetih letih dvajsetega stoletja kot odziv in odpor proti uveljavljeni realistični, natančneje socialnorealistični dramatiki, ki je bila skupaj s socrealistično prozo in poezijo najbolj uveljavljena literarna smer na Slovenskem v letih po drugi svetovni vojni. V petdesetih letih se je slovenska dramatika zgledovala po realističnih in naturalističnih dramskih oblikah in se razvijala vzporedno s prozo in poezijo ter oblikovala enake tokove in smeri (Kos 363). Nove smeri, ki so se razvijale istočasno in nekoliko kasneje, pa so formalno-stilno spajale eksistencialistično tematiko z modernizmom, ki je prehajal tudi v simbolizem (prav tam). Med nove zvrsti, ki so nastale po letu 1960, poleg absurdne in eksistencialistične drame spada tudi poetična drama. Nastala je iz tradicije novoromantične, postsimbolistične in dekadenčne dramatike, ki sta jo na Slovenskem razvijala že Cankar in Grum (364). Med tuje vplive na razvoj poetične drame pri nas štejemo tudi Pirandella, Anouilha, Eliota in Fryja (prav tam). Poetične drame so pisali Dane Zajc (Otroka reke, Voranc, Medeja, Potohodec, Mlada Breda, Kalevala; nekateri teoretiki uvrščajo vse naštete Zajčeve drame med poetične, drugi le eno ali dve), Veno Taufer (Prometej, Odisej in sin), Dominik Smole (Antigona; to je prva slovenska povojna poetična drama), v osemdesetih letih tudi Ivo Svetina (Lepotica in zver, Biljard na Capriju, Šeherezada). Najbolj plodovit in zvest pisec poetičnih dram pa je bil Gregor Strniša, s katerim je komaj nastala čista poetična dramatika, in sicer z njegovo dramo Samorog (1966). V njej je Strniša »eksistencialistično dramatiko vgradil v pesniško oživljanje romantične subjektivitete z močnimi dekadentnimi potezami, postavljene v razmerje z metafizično transcendenco, ki ostaja simbolistično nedoumljiva, neizražena in najbrž tudi neizrekljiva« (Kos 368).
Med nove zvrsti, ki so nastale po letu 1960, poleg absurdne in eksistencialistične drame spada tudi poetična drama. Nastala je iz tradicije novoromantične, postsimbolistične in dekadenčne dramatike, ki sta jo na Slovenskem razvijala že Cankar in Grum.
Foto: Seyda Nur Uğur / Pexels
Poetično dramo so na Slovenskem pisali modernistični pesniki in dramatiki. Modernistično dojemanje stanja človeka se odraža v poetični drami skozi ontološko diferenco in odnos med neizrekljivim in metafizičnim, ki ju zaznavamo tudi v njihovih pesniških delih. Človek kot bivajoče lahko uzre bit le skozi pesniško besedo, ki dela neizrekljivo vidno oziroma zaznavno, nikoli pa je ne more doseči ali postati bit. Tako je tudi v poetični drami, za katero je ključno prav prikazovanje oziroma predstavljanje neizrekljivega, tistega, česar pravzaprav ne moremo dokončno prikazati ali predstaviti, a ga vseeno zaznavamo kot prisotnega – tudi poetična drama nam omogoča, da uzremo bit, ki je nam in dramskim osebam nedosegljiva, iz česar izvira tudi njihova stiska in končni propad. To nam omogoča nosilec intuicije, ki vidi v drugim nevidni svet. Predvsem pa je v poetični drami pomemben molk kot zanikanje biti oziroma njena odsotnost – razkrivanje niča. Že v Maeterlinckovih dramah izgine potreba po govoru, saj so osebe skrajno pasivne ali pa v poetičnih dramah govor oseb postane zborovski in fluiden med osebami ter oblikuje t. i. epski jaz (Troha 50), ki stoji nasproti smrti. Subjekt »postane objekt smrti« (prav tam), ta pa prevzame središčno vlogo v drami. Občutka poteka časa v poetični drami ni, metaforika pa je ves čas vezana na smrt (51). Hkrati so poetične drame lahko izrazito monološke. Kot ugotavlja Denis Poniž, se v poetični drami ne razvije konflikt med osebami niti ni dinamičnega dramskega dejanja – vse to kaže na eksistencialno praznino (Poniž 185–186).
Subjekt »postane objekt smrti« (prav tam), ta pa prevzame središčno vlogo v drami.
Poetična drama je časovno in družbeno zaznamovana dramska oblika. V sodobni dramski produkciji je skorajda ne zaznamo več zaradi postmodernističnih in postdramskih struktur, ki so se uveljavile na prelomu tisočletja in ki so se pravzaprav razvijale ravno od obdobja, ki je prišlo po razmahu poetične drame. Za postdramske oblike je ključna razpršenost pomenov, ki niso več zasidrani v nedosegljivem in navideznem svetu – bit kot taka ni več tisto določujoče in vseprisotno Eno, ampak je vzpostavljena le v odrskem jeziku in le v trenutku izrekanja, predvsem pa se nam vedno izmuzne in je ne moremo niti uzreti. Poetična drama pa se giblje med poezijo in dramo, torej med nevidnim svetom in njegovim predstavljanjem na odru. Nevidni svet je tu svet, kjer se nam razkrije bistvo našega bivanja. Temelj oziroma ključ poetične drame je v neizrekljivosti in v neizrečenem, zaradi katerih zmeraj hodi ob robu prepada med uprizorljivostjo in neuprizorljivostjo. Mallarmé je na primer pisanje svoje Herodiade, ki si jo je zamislil v dramski obliki, na koncu spremenil v pesnitev zaradi ugotovitve, da nekaterih njenih delov enostavno ni možno uprizoriti, na primer Slavospeva svetega Janeza, monologa odsekane Janezove glave med padanjem na tla (Troha 51). Prav v odnosu do biti in njenega predstavljanja je eden izmed temeljnih razkorakov med poetično dramo in postdramskimi formami, pa tudi med poetično dramo in realistično dramo.
Poetična drama pa se giblje med poezijo in dramo, torej med nevidnim svetom in njegovim predstavljanjem na odru. Nevidni svet je tu svet, kjer se nam razkrije bistvo našega bivanja.
Toleranca sodobnega sveta do umevanja in, še pomembneje, do puščanja možnosti, da nam kaj ostane nerazumljivo, se je občutno zmanjšala – v ospredje je stopila eksplicitnost, pogosto celo do mere vulgarnosti. Poetična drama je lahko tako a priori obsojena na neuspeh, saj bo gledalcem ob gledanju poetičnih dram zaradi mnogih nians, ki jim namerno ostanejo nedostopne, tako nelagodno, da bodo nad njimi obupali. Po drugi strani pa je lahko prav poetična drama mehanizem, s katerim bo sodobni človek ozavestil možnost obstoja bistva (čeprav je to morda prav njegova obsojenost na smrt in tek proti niču). Nevarnost sodobnega uprizarjanja poetičnih dram je v želji, da bi besedilne predloge ob postavitvi na oder naredili gledalcem bolj dostopne in razumljive, saj s tem izpodbijamo prav njihov temelj in zaklenemo dostop do tistega sveta, v katerega lahko stopimo le v poetičnem na odru – zaklenemo dostop do uzrtja biti in ostanemo zaprti v področje zgolj bivajočega.
Bibliografija
Eliot, Thomas Stearns. Umor v katedrali. Maribor: Obzorja (1967).
Kos, Janko. Primerjalna zgodovina slovenske literature. Ljubljana: Mladinska knjiga (2001).
Troha, Gašper. Ujetniki svobode: slovenska dramatika in družba med letoma 1943 in 1990. Maribor: Aristej in Ljubljana: AGRFT (2015).
Ko je bila 13. oktobra leta 1962 v broadwayskem Billy Rose Theatru premierno uprizorjena drama Kdo se boji Virginije Woolf? v režiji Alana Schneiderja, z Uto Hagen in Arthurjem Hillom v vlogah Marte in Georga, so kritiki in občinstvo doživeli šok. Ne zato, ker je takrat komajda poznani mladi pisec Edward Albee (1928–2016) prvič pokazal nenadzorovano preklinjanje in do konca prignane okrutne nočne igrice frustriranih intelektualcev v lastni hiši, ampak zaradi spremembe avtorjevega odnosa do lastnih likov. Prikazal jih je na način, da publika z njimi ni mogla več sočustvovati in iskati krivcev ali odrešitve njihovega prekletstva, ampak je luzerstvo kot posledica pritiska american dreama predstavljeno brez obsojanja, kot izbira intelektualcev s sicer jasnimi predispozicijami za uspeh in možnostjo izbire, ki se kljub statusnim oznakam izjalovi. Štiri leta kasneje je takrat debitantski režiser Mike Nichols dramo pompozno prenesel na filmsko platno z Elizabeth Taylor in Richardom Burtonom v osrednjih vlogah, kar je kapriciozni filmski ikoni prineslo drugega oskarja. A že dve leti pred doslej edinim filmom smo Slovenci dobili prvo, kultno uprizoritev drame v režiji Mileta Koruna z Dušo Počkaj in Jurijem Součkom v vlogah Marte in Georga. V šestih desetletjih se je v Sloveniji odigralo deset uprizoritev te drame, pri čemer sta dva slovenska prevoda pripravila Metka Zobec in Zdravko Duša: SNG Drama Ljubljana, 1964 (r. Mile Korun), SSG Trst, 1980 (r. Dušan Mlakar), AGRFT, 1990 (r. Zdravko Zupančič), PG Kranj, 1990 (r. Barbara Hieng Samobor), Drama SNG Maribor, 1995 (r. Radko Polič), SNG Drama Ljubljana, 1997 (r. Mateja Koležnik), MGL, 2003 (r. Mile Korun), Gledališče Koper, 2014 (r. Vito Taufer), SNG Nova Gorica, 2021 (r. Radoš Bolčina, tudi George), Mini teater Ljubljana, 2022 (r. Ivica Buljan). Razen slovenskih uprizoritev smo na lanskoletnem gledališkem festivalu Ruta, ki domuje v MGL, gledali istoimensko predstavo v režiji Lenke Udovički, ki enako kot uprizoritev Mini teatra že več let polni gledališke dvorane v regiji.
Postavitev drame gledališča na Brionih, ki je po skoraj sedmih letih uprizarjanja še vedno vselej razprodana, uvaja ambientalna jazzy glasba, ki prihajajočim gledalcem v dvorano namigne na vzdušje zabave majhnega kolidža v univerzitetnem naselju v Novi Angliji. Foto: Ulys’ses
Da gre za antologijsko in brezčasno dramo svetovne dramatike, priča tudi opazka, da se delčki njenega besedila tu in tam znajdejo v nekaterih drugih sodobnih dramah, na primer Življenje podeželskih plejbojev po drugi svetovni vojni ali Tuje hočemo – svojega ne damo Dušana Jovanovića in Bilo je nekoč na Brionih Kokana Mladenovića. Zanimiv je tudi pogled na razpon v letih igralcev, ki so igrali ali igrajo Georga; nisem prepričana, da je bil katerikoli lik svetovne dramatike podvržen več kot petdesetletni razliki v interpretacijah različnih igralcev (Valter Dragan v diplomski uprizoritvi leta 1990 in Rade Šerbedžija v tekoči predstavi gledališča Ulysses).
Igrajo: Katarina Bistrović Darvaš: Marta, Rade Šerbedžija: George, Milan Marić: Nick, Romina Tonković: Honey. Foto: Ulys’ses
Slednjo postavitev drame gledališča na Brionih,* ki je po skoraj sedmih letih uprizarjanja še vedno vselej razprodana, uvaja ambientalna jazzy glasba, ki prihajajočim gledalcem v dvorano namigne na vzdušje zabave majhnega kolidža v univerzitetnem naselju v Novi Angliji, na kateri se pred začetkom predstave zabavajo njeni akterji. Ko se ob dveh zjutraj George in Marta vrneta domov, se drama prične, pri čemer uvodna didaskalija »Kakva rupčaga!« ne predstavlja zgolj začetka Martinega najedanja soprogu, ki bo skozi naslednje peklenske ure njune »totalne vojne« rezultiralo v njen kolaps, pa tudi ne zgolj opisa njune nepospravljene, z veliko knjigami za zgodovinarja Georga in še več steklenicami alkohola za odvisnico Marto nastlane dnevne sobe, ampak meri na patološkost njunega odnosa, na kaotičnost v brezno pogube drvečega življenja, ki se zateka v svet iluzij in svarilno opozarja, da izhod morda ne obstaja ali pa ga akterja ne zmoreta oziroma ne želita videti. Predvsem pa napoveduje surovo dogajanje, ki mu bodo priča tako gledalci kot prihajajoča gosta.
Marta (Katarina Bistrović Darvaš) se, glede na njeno intenzivno nalivanje z alkoholom, z zabave vrne začudujoče trezna in sveža, kot da se zanjo prava zabava šele pričenja. Njeni manevri verbalnih napadov in naraščajočih žalitev Georga prerastejo od začetne krutosti v izčrpavajoče, z alkoholom podmazane igre, ki jih privleče iz ropotarnice pripomočkov za vzpostavljanje iluzije. S slednjo naj bi vzdrževala ne le videz uspešnosti v družbi, ampak znosnost propadlega zakona in lastnega življenja nasploh, a jo, paradoksalno, prav ta iluzija, v obliki imaginarnega sina – fant(om)a, ob koncu uniči.
V nasprotju z Martino ekscentrično prezenco je George (Rade Šerbedžija) resigniran in vase obrnjen nerealizirani naslednik Martinega očeta. Utrujen je ne zgolj od še ene zanj duhomorne univerzitetne zabave, ki jih prireja Martin oče, dekan kolidža, ampak od življenja, natančneje, od življenja z Marto. V naslednjih dveh urah in pol, kolikor bosta trajala afterparty in predstava – fiktivni in realni čas sta poenotena –, ki se mu na Martino povabilo pridruži mlajši par, novinec na kolidžu s svojo soprogo, bo George intenzivno polnil kozarce z alkoholom in ledom vsem trem akterjem, medtem ko se bo soočal z Martinimi odurnimi, njemu vnaprej znanimi napadi. Vdan v usodo se zaveda, da je vsak boj že vnaprej obsojen na propad, ob občasnem poskusu ne obvladati, ampak ublažiti soprogine izpade kmalu omaga, dokler ga Martina prekršitev pravila ne pripravi do tega, da ji – po premoru, v katerem je taista jazzy glasba podlaga njenega še enega skoka čez plot – zada uničujoči udarec. Tisti, zaradi katerega ob koncu njunega pekla in predstave, ko je skozi stekleno steno zaznati mehak, na nujnost resničnega življenja opozarjajoči dež, obležita objeta, do srži razgaljena, do kraja razbolena, ogoljena iluzij, sama in bogaboječa.
Režija: Lenka Udovički, dramaturgija: Željka Udovičić Pleština, scenografija: Stefano Katunar, kostumografija: Bjanka Adžić Ursulov, koreografija: Matija Ferlin, avtorja glasbe: Davor Rocco in Nigel Osborne, oblikovanje svetlobe: Andrej Hajdinjak. Foto: Ulys’ses
Tisti, zaradi katerega ob koncu njunega pekla in predstave, ko je skozi stekleno steno zaznati mehak, na nujnost resničnega življenja opozarjajoči dež, obležita objeta, do srži razgaljena, do kraja razbolena, ogoljena iluzij, sama in bogaboječa.
Njuna mlada gosta, karierno naravnani biolog Nick (Milan Marić) s soprogo Honey (Romina Tonković) – v alternaciji ju igrata Ljubomir Bulajić in Nika Ivančić –, sta v različnih značajskih vlogah tudi igralsko precej različna. Hihitajoča, anksiozna gospica Honey z bulimičnimi epizodami kot odrazom odklanjanja odgovornosti, ki jih prinaša odraslost, beži pred tesnobo in nedoseganjem vloge zgledne soproge ter matere, zaradi česar je njena prezenca na odru podobna prižiganju in ugašanju luči. Milan Marić je v vlogi Nicka s sprva tipajoče previdno, a naraščajoče sproščujočo in vse bolj zaupljivo, pokončno ter v skladu z Martinimi pravili zgledno (od)igrano vlogo igralsko, čustveno in verbalno izrazito artikuliran. Še posebej vidna je njegova postopoma občutena zainteresiranost in v določenem trenutku jasna odločitev za erotično epizodo z Marto ter nezavidljivo spoznanje, ki je temu sledilo.
Ostro in neprizanesljivo dramsko besedilo v domala integralni obliki mehčajo občasni premori ob koncu prizorov, za katere se včasih zdi, da narušijo dramaturško kompaktnost uprizoritve, še bolj pa humorno zasukani dialogi. Slednje s humorjem podmaže že samo Albeejevo besedilo – za katero je že zdavnaj jasno, da s preseganjem kulturoloških, časovnih in geografskih okvirjev stopa po poti brezčasnosti in se iz povojne ameriške družbe preslikuje v sodobni, neoliberalni svet –, od vsakokratne uprizoritve pa je odvisno, koliko in na kakšen način bo humor prisoten na odru. Vendar ta ne more in ne sme spregledati končnega občutenja uprizoritve, ki neusmiljeno secira individualno in družbeno patologijo ter kaže na njuno soodvisnost, imperativ uspeha in posameznikove načine prikrivanja nedoseženega, ki celo seksualnost iz užitka sprevrže v perverzno igro moči.
Foto: Ulys’ses
Ta subverzivna psihološka drama, v kateri ženska prvič postane aktiven lik, je svojo zadnjo postavitev pri nas doživela leta 2022 v režiji Ivice Buljana. Prvi razlog za to odločitev je bila, kot je povedal, igralka Nataša Barbara Gračner. Bolj kot pri katerem koli drugem dramskem besedilu je namreč jasno, da se mora vsaka nova postavitev te igralsko izjemno zahtevne drame zgoditi takrat, ko obstaja igralka, za katero se verjame, da se bo zmožna soočiti z likom Marte. Branko Šturbej se z vlogo Georga sooča drugič, prvič ga je interpretiral v SNG Maribor leta 1995, kjer je v vlogi Marte po diplomski uprizoritvi drugič nastopila Ksenija Mišič.
Ta subverzivna psihološka drama, v kateri ženska prvič postane aktiven lik, je svojo zadnjo postavitev pri nas doživela leta 2022 v režiji Ivice Buljana. Foto: Mini Teater
V strnjeni dvourni uprizoritvi na intimnem odru Mini teatra,** kjer se gledalci zaradi neposredne bližine odra počutimo skorajda kot del prizorišča, kjer tisti v prvih vrstah vonjamo pečeno kurjo bedrco, ki jo ob prihodu domov malomarno gloda Marta, čutimo piš vetra, ko se igralka oziroma igralec premakne z odra mimo gledalcev proti vrhu avditorija, imamo občutek, da ne le voajersko kukamo skozi ključavnico v zasebnost drugih, ampak smo hočeš nočeš ujeti v pekel, ki se odločno vzpostavi že s prvo repliko. Martin oster, nepopustljiv in alkoholno podčrtan »Kakšen svinjak!« razen že navedenih tematskih nastavkov tudi tokrat vzpostavi atmosfero dogajanja, ki v ostri in vseskozi fokusirani režijski, dramaturški in igralski napetosti ostaja neomajna skozi celotno uprizoritev. Slednja ob tem postreže z igralsko bravuroznostjo vseh štirih igralcev, pri čemer ponovni ogled uprizoritve po štirih letih razkrije skorajda nezamisljivo; če smo bili ob premieri priča vrhunski, nenadkriljivi igri, ki vzpostavlja enormni estetski užitek, je vnovični ogled pokazal, kako se ta vrhunska igra lahko oplemeniti. Kot da so vsi štirje igralci v svojem do kraja prignanem, čistem fokusu dosegli nekaj, česar približna oznaka bi bila, paradoksalno, mehkoba, morda lagodnost, predvsem pa do kraja izčiščena suverenost, zrelost in virtuoznost. Atributi, ki bi uprizoritev nedvomno morali peljati na svetovne odre.
V strnjeni dvourni uprizoritvi na intimnem odru Mini teatra, kjer se gledalci zaradi neposredne bližine odra počutimo skorajda kot del prizorišča, kjer tisti v prvih vrstah vonjamo pečeno kurjo bedrco, ki jo ob prihodu domov malomarno gloda Marta. Foto: Mini Teater
Bolj ko je Nataša Barbara Gračner kot Marta v svoji kompulzivni odvisnosti od alkohola, tuje krvi in seksa prostaška, besna, duhovita in nepredvidljiva, globljo osamljenost, krhkost in ranljivost pokaže ob koncu. Njena vseskozi naspidirana, nora, verbalno nepremagljiva in inteligentna igra, začinjena s prepletom objestnega sesuvanja vseh in vsega okrog sebe ter erotičnih eskapad, je v svoji presunljivi neponovljivosti izklesala Marto, kot jo brezkompromisno zahteva Albeejevo besedilo. Če se je ob premieri zdelo, da je George Branka Šturbeja kot utelešenje nevroze ob družbenem in družinskem neuspehu v prestreganju Martinih krutosti dosegel zadnjo stopnjo, da se v tako postavljenih okoliščinah več ne da prenesti, gre njegovo nepopustljivo osredotočenost do točke preobrata ob vnovičnem ogledu predstave razumeti na način, kot ga je nazorno navedel že Albee; zajedla se mu je pod kožo, v mišice, v kosti, do mozga, srži. Šele od tam je lahko udarila navzven, šele od tam je lahko Marti ne le pariral, ampak jo tudi presegel. Honey Klare Kuk se je v svoji fragilnosti, histeričnem hihitanju in trenutkih agresije kot občutja ogroženosti do kraja potopila v svoj svet, svojo eteričnost, pri čemer je njeno nepopustljivo držo moč prepoznavati tudi skozi najmanjše kretnje, odsotne poglede, načine praskanja etikete … Nick Benjamina Krnetića se je iz prvotno previdnega, vljudnega opazovalca dogajanja in zgolj občasnega poseganja vanj prelevil v samozavestnega, s karierno naravnanostjo obdarjenega mladca, čigar zakon je prav tako, ali še bolj, čustveno puhel, s to razliko, da se v nasprotju s starejšim kolegom in v skladu z družbenim imperativom uspeha to praznino še trudi prekriti. A njegova prisotnost nič manj intenzivno kot zaključni prizor Marte in Georga postavlja vprašanje, kako bosta njegova kariera in zakon videti po pravkar doživeti izkušnji.
Bolj ko je Nataša Barbara Gračner kot Marta v svoji kompulzivni odvisnosti od alkohola, tuje krvi in seksa prostaška, besna, duhovita in nepredvidljiva, globljo osamljenost, krhkost in ranljivost pokaže ob koncu. Foto: Mini Teater
Njena vseskozi naspidirana, nora, verbalno nepremagljiva in inteligentna igra, začinjena s prepletom objestnega sesuvanja vseh in vsega okrog sebe ter erotičnih eskapad, je v svoji presunljivi neponovljivosti izklesala Marto, kot jo brezkompromisno zahteva Albeejevo besedilo.
Naslovno vprašanje pesmice, ki se pojavlja skozi prizore – zapis je Albee povzel po grafitu na stranišču v Greenwich Villageu – in ki mu Marta poraženo pritrjuje, je pravzaprav vprašanje, kdo se boji življenja brez iluzij v svetu brez boga. Marta z zadnjim stavkom »Jaz … se … je … George« priznava, da bolj kot resnico potrebuje iluzijo, da je od velike pisateljice namesto njene sposobnosti osvoboditi se zadušljivih konvencij in kljub zavračanju okolice postati svobodna ženska umetnica prevzela zgolj njene destruktivne demone, ki so jo pogubili.
Ivica Buljan in ekipa so z uprizoritvijo Kdo se boji Virginije Woolf? — nagrada za najboljšo igralko Nataši Barbari Gračner na festivalu Gavellini večeri v Zagrebu 2023 in Borštnikova nagrada Branku Šturbeju za igro 2023 — ustoličili normo, kako je to antologijsko dramo svetovne dramatike treba režirati in še posebej, kako jo je treba igrati. Ob tem se zdi vprašanje, ki se nehote prikrade, ali bo po tej uprizoritvi slovenski gledališki prostor v prihodnje premogel še kakšno predstavo tega Albeejevega besedila, odveč.
Ivica Buljan in ekipa so z uprizoritvijo Kdo se boji Virginije Woolf? — nagrada za najboljšo igralko Nataši Barbari Gračner na festivalu Gavellini večeri v Zagrebu 2023 in Borštnikova nagrada Branku Šturbeju za igro 2023 — ustoličili normo, kako je to antologijsko dramo svetovne dramatike treba režirati in še posebej, kako jo je treba igrati. Foto: Mini Teater
*Edward Albee: Tko se boji Virginije Woolf?
Režija: Lenka Udovički, dramaturgija: Željka Udovičić Pleština, scenografija: Stefano Katunar, kostumografija: Bjanka Adžić Ursulov, koreografija: Matija Ferlin, avtorja glasbe: Davor Rocco in Nigel Osborne, oblikovanje svetlobe: Andrej Hajdinjak.
Igrajo: Katarina Bistrović Darvaš: Marta, Rade Šerbedžija: George, Milan Marić: Nick, Romina Tonković: Honey.
Koprodukcija: Kazalište Ulysses, Brioni/Zagreb in Beogradsko dramsko pozorište; premieri: 27. 7. 2019, Brioni in 1. 9. 2019, Beogradsko dramsko pozorište. Zapis je nastal po ogledu: 21. 4. 2026 v ZKM, Zagreb.
**Edward Albee: Kdo se boji Virginije Woolf?
Prevod: Zdravko Duša, režija: Ivica Buljan, dramaturgija: Diana Koloini, scenografija: Aleksandar Denić, kostumografija: Ana Savić Gecan, izbor glasbe: Benjamin Krnetić, oblikovanje luči in video: Sonda13 in Toni Soprano Meneglejte (Miha Horvat in Metka Golec), lektorstvo: Jože Faganel, Simon Šerbinek.
Igrajo: Nataša Barbara Gračner: Marta, Branko Šturbej: George, Benjamin Krnetić: Nick, Klara Kuk: Honey.
Koprodukcija: Mini teater, Ljubljana in Mestno gledališče Ptuj; premieri: 11. 9. 2022, Mesto gledališče Ptuj in 25. 9. 2022, Mini teater Ljubljana. Zapis je nastal po ogledih: 17. 10. 2022 in 15. 4. 2026, Mini teater, Ljubljana.
V sredo, 15. aprila, sem za Nedelo intervjuval gledališko igralko Zvezdano Mlakar. Pogovarjala se nisva le o njenem odmevnem političnem facebook komentarju (Stevanović + Janša = lahko noč, Slovenija), ampak tudi o predstaviKomarjibritanske dramatičarke Lucy Kirkwood (SNG Drama Ljubljana, režija Maša Pelko), v kateri nastopa v vlogi Karen, genialne, a zagrenjene upokojene fizičarke, ki so ji po krivici odrekli Nobelovo nagrado v korist njenega moža.Komarji so drama o odnosih, znanosti, ljubezni. Karen ima svoji hčerki, znanstvenico in zavarovalničarko, neizmerno rada, a ju ne more objeti. Druga okoli druge krožijo kot zbegani osnovni delci, ki se privlačijo in odbijajo obenem. »Vsi mislijo, da je ljubezen največja sila v vesolju, pa ni. Največja sila v vesolju je močna jedrska sila, ljubezen je približno dvanajsta na seznamu, za gravitacijo in sekundnim lepilom – v bistvu sploh ni sila, res ni. Ljubezen je pač nekaj, kar smo izumili, da nam pomaga preživeti v kaosu,« razmišlja Karen, Zvezdana pa se je med študijem te vloge večkrat vprašala: »Kdo sploh sem, v kaj sploh verjamem, če je ljubezen na seznamu sil tako nizko? Kaj sploh je ljubezen? Naš miselni konstrukt? Znanstvena kategorija?«
Tekma se je razpletla tako, da sem pozno v noč premišljeval o silah. Foto: Jannik/Unsplash / Tom D’Arby/Pexels
V torek zvečer, 14. aprila, se nisem pripravljal na intervju z Zvezdano Mlakar, ampak sem si ogledal povratni četrtfinalni obračun nogometne lige prvakov med Atleticom iz Madrida in Barcelono. Tekma se je razpletla tako, da sem pozno v noč premišljeval o silah. Kratek oris konteksta: favorizirana Barca je prvo srečanje v Kataloniji izgubila z 0:2. Za neposredno napredovanje je potrebovala zmago z najmanj tremi goli razlike. Na tej ravni tekmovanja Atletico že skoraj trideset let ni izgubil na domačih tleh. Z drugimi besedami: Barcine možnosti za preboj v polfinale so bile pičle. Toda tekma se je začela po njenih željah. V prvih štiriindvajsetih minutah je dosegla dva zadetka. Njeni nogometaši so, kot radi rečemo v nogometnem žargonu, leteli po igrišču, medtem ko so Madridčani igrali v krču. Le nekaj sekund po drugem zadetku je imela Barca novo tako imenovano stoodstotno priložnost. Njen prvi zvezdnik Lamine Yamal je z zunanjim delom stopala poslal popoln predložek, Fermín López je popolno vtekel v kazenski prostor, skoraj popolno meril z glavo, toda vratar Juan Musso je njegov strel ubranil. »Na tej tekmi bi Katalonci kaj lahko vodili že s štiri proti nič!« je vzkliknil slovenski komentator. Njegove besede so bile na mestu. Barcini nogometaši so bili v skupinskem zanosu, tem čudovitem in čudežnem stanju, ko se zdi, da skupina ljudi deluje kot enovit organizem, ko najbolj dovršene gibe in strategije izvaja na avtopilotu, ko drug drugega čutijo, drug drugemu berejo misli, ko se zdi, da je vse mogoče.
V torek zvečer, 14. aprila, se nisem pripravljal na intervju z Zvezdano Mlakar, ampak sem si ogledal povratni četrtfinalni obračun nogometne lige prvakov med Atleticom iz Madrida in Barcelono
Ko je Atleticov vratar Lópezov strel odbil z igrišča, sem bil prepričan, da bo Barca v naslednjih petih minutah zabila gol, če ne dva. Igra bi se morala nadaljevati z udarcem iz kota, toda režiser prenosa je preklopil na kamero, ki je snemala dogajanje sredi kazenskega prostora. Sledil je sila nenavaden prizor, še zlasti v časih moderne televizije, ko uredniki informativnih oddaj skrbno pazijo, da v poročilih o Gazi in Ukrajini (itn.) ne vidimo niti kaplje znoja, kaj šele krvi. Kamera se je približevala Lópezu, ki se je togotno zvijal na tleh. Najprej sem pomislil, da objokuje zapravljeno priložnost, a hip zatem je postalo jasno, da ječi od bolečin, medtem ko mu iz nosa lije kri. Režiser je vztrajal in vztrajal pri kadru, kri je lila in lila, to ni športni prenos, me je prešinilo, to je Tarantino, ob pogledu na bolečino drugega me je obšla kurja polt, toda v pogoltnjeni kepi sline sem zaznal sladek priokus – končno nekaj novega! V naslednjem trenutku je režiser pogled na hlastajočega nesrečneža (mu je sapo vzel goli šok ali mu je dihalne poti zalila kri?) zamenjal s ponovljenim posnetkom zadnje akcije: López je žogo udaril kot Superman, s skokom naprej in v prazno, toda gravitacija je opravila svoje, praznino pa je zapolnil vratarjev levi čevelj. Športni svet že lep čas ni videl tako nasilnega poljuba.
Kamera se je približevala Lópezu, ki se je togotno zvijal na tleh. Najprej sem pomislil, da objokuje zapravljeno priložnost, a hip zatem je postalo jasno, da ječi od bolečin, medtem ko mu iz nosa lije kri.
Pozneje sem razmišljal, da športni svet lep čas ni videl še nečesa: tako nasilne prekinitve zanosa, flowa. Zapravljena priložnost gor ali dol. Zapravljene priložnosti so običajna nogometna sestavina. Če bi šlo zgolj zanjo, bi se lahko Barcini nogometaši čez dvajset sekund znova razleteli po igrišču in zabili gol, če ne dva, tako pa so morali čakati, čakati, čakati … prihod zdravniškega osebja, oskrbovanje ranjenca, odhod z zelenice, povratek nanjo … minuta, dve, tri, štiri … Ko se je igra nadaljevala, so po igrišču tekli drugi ljudje kot le nekaj minut poprej. Prekinitev je ublažila oba ekstrema: zanos je minil, krč popustil. Kratek opis razpleta: Atletico je v 31. minuti znižal zaostanek. Barca je v drugem polčasu povišala prednost, toda zadetek je bil razveljavljen zaradi ofsajda. Zaradi prednosti s prve tekme so v polfinale napredovali Madridčani.
V zgodovini športa obstaja učbeniški primer prekinitve zanosa, ki se je končal še bolj usodno kot nedavni četrtfinalni obračun. Na nogometnem mundialu leta 1950 se je gostiteljica Brazilija na zadnji tekmi turnirja pomerila z Urugvajem. Naslov svetovnega prvaka bi ji prinesel že neodločen rezultat. V Riu de Janeiru je vladala velika evforija, Brazilci, favoriti, so bili prepričani, da jim uspeh lahko prepreči le višja sila. Na monumentalnem stadionu Maracana, ki so ga za silo zgradili tik pred začetkom prvenstva, se je zbralo 174.000 ljudi, kar še danes velja za rekordno visok obisk nogometne tekme. Vse je bilo nared za domače slavje. Tudi srečanje je potekalo v tem duhu. Na začetku drugega polčasa so Brazilci povedli. Do zadnjega sodnikovega žvižga je ostalo dobrih štirideset minut. Urugvajci so za naslov svetovnega prvaka potrebovali dva zadetka. Moralo bi se jim muditi, toda njihov kapetan Obdulio Varela je imel druge načrte. Počasi se je sprehodil do gola, iz njega vzel žogo in še počasneje odkorakal proti sredini igrišča. Čeprav je bilo vsem jasno, da je gol veljaven, se je začel prepirati s sodnikom, češ da je šlo za ofsajd. Nekateri viri navajajo, da je celo zahteval prevajalca, saj je sodnik govoril le angleško, on pa špansko. Prekinitev je trajala približno pet minut – dovolj, da je brazilski zanos usahnil. Dovolj, da je urugvajski šok minil. Kratek opis razpleta: Urugvajci so dosegli dva zadetka in postali svetovni prvaki. Mediji so naslednji dan poročali, da je več brazilskih navijačev storilo samomor. Čeprav njihovih navedb niso nikoli uradno preverili, so postale del urbane legende o Maracanaçu, katastrofi na Maracani.
Počasi se je sprehodil do gola, iz njega vzel žogo in še počasneje odkorakal proti sredini igrišča. Čeprav je bilo vsem jasno, da je gol veljaven, se je začel prepirati s sodnikom, češ da je šlo za ofsajd.
O vzročno-posledičnem razmerju seveda ni mogoče govoriti s stoodstotno zanesljivostjo, primer pravzaprav bolj spominja na učinek metulja: nogometaš zavlačuje z igro, nekdo na drugi strani mesta skoči skozi okno. Zanos, gravitacija. Kdo ima večjo silo? Največji čar zanosa je, da ga lahko izkusimo v vsakdanjih situacijah, in kadar ga doživljamo telesno, meseno, se zdi, kot da se zoperstavljamo sili gravitacije, ki je, kot sem se naučil med ogledomKomarjev, ena najmočnejših sil v vesolju, močnejša od ljubezni. Za zanos ne potrebujemo Maracane, dovolj je šolsko igrišče, oziroma, kot v knjigiZanos(UMco, prevod Helena Marko) piše psiholog Mihaly Csikszentmihalyi, »ni treba biti profesionalec, da bi občutil zadovoljstvo ob izraznih potencialih telesa. Amaterji se lahko enako dobro zabavajo, ne da bi jim bilo treba žrtvovati vse druge cilje za doseganje harmoničnega gibanja svojega telesa.«
Zanos, gravitacija. Kdo ima večjo silo? Največji čar zanosa je, da ga lahko izkusimo v vsakdanjih situacijah, in kadar ga doživljamo telesno, meseno, se zdi, kot da se zoperstavljamo sili gravitacije, ki je, kot sem se naučil med ogledom Komarjev, ena najmočnejših sil v vesolju, močnejša od ljubezni.
Csikszentmihalyi trdi, da zanos ni le posledica srečnega spleta naključij, ampak ga je mogoče načrtno izzvati. Kot nekdanji športnik mu lahko samo prikimam. (Žal mu na ostalih življenjskih področjih ne morem prikimati tako odločno, toda o tem kdaj drugič.) Zaradi narave mojega športa (tek na srednje proge) je bilo to stanje vselej v tesnem razmerju z utrujenostjo in bolečino. Slednji običajno iz koraka v korak naraščata, toda kadar sem bil dovolj osredotočen na svoje telo in na cilj, se je njuna krivulja na neki točki ustavila in se obrnila navzdol. Kot bi premagal silo težnosti, kot bi dobil nove noge, novo kri! Ekipnim športnikom sem vselej zavidal, da lahko to stanje doživijo skupinsko, saj je zanos tako kot večina stvari najlepši, kadar ga delimo, po drugi strani pa za nič na svetu ne bi zamenjal zavedanja, da je zanos izključno moj, da je odvisen izključno od mojega telesa in moje glave, da ga izključno jaz varujem, negujem, da moje sreče ne more prekiniti soigralčev krvaveči nos ali nasprotnikovo prerekanje s sodnikom. To je občutek opojne moči in srhljive krhkosti. To je občutek, ki sem ga na treningih in še zlasti na tekmah doživljal znova in znova. Po navadi sem se mu zgolj prepustil, toda najmočneje sem ga doživel, kadar sem se oddaljil od njega, ga uzrl kot tujec, s ptičje, božje perspektive, kot bi za hipec zapustil svoje telo in ga objektivno premeril. V teh redkih in dragocenih trenutkih sem v prsih vselej začutil glas, kot bi samemu sebi mrmral temeljni življenjski napotek: Ne zajebi, ne zajebi, ne zajebi …
Onkraj športnih prizorišč so me podobna občutja obšla le enkrat. Bila je jesen, vladali so najbolj rigorozni proticovidni ukrepi. Bil sem noro zaljubljen in po prazni primorki sem divjal proti Kopru, kjer je živela moja tedaj-še-ne punca. Na ves glas sem prepeval pesmi Dina Dvornika, ti si mi u mislima, samo tebi pripadam, zašto ćutati kad sam najbolji itn. Z opojno močjo sem se zavedal, da je pred mano eden najlepših koncev tedna v zgodovini človeštva, in ko sem zapeljal na zaviralni pas, sem s srhljivo krhkostjo pomislil, da mi ga lahko prepreči le prometna nesreča. Čeprav sem imel avto povsem pod nadzorom, se je vame naselil smrtno resen, objektiven strah: Ne zajebi, ne zajebi, ne zajebi … Dino je utihnil, ostala je le bolestna osredotočenost, kako varno prispeti na cilj, kako preprečiti zlet z zaviralnega pasu, kako se izogniti voznikom električnih skirojev, ki me na vsakem rondoju prosijo, naj jim razbijem nos. Jasno sem čutil strah pred smrtjo, kajti mrtev človek ne more ljubiti, seksati ter čutiti radosti, ko je ljubljen, poseksan itn., še bolj pa me je preveval strah pred prekinitvijo čudovitega trenutka, kajti življenje me je izučilo, da se najmočnejše sile razbohotijo le v najpopolnejših okoliščinah in razblinijo že ob najmanjši prekinitvi. Ko v popolnem zanosu pritečeš v ciljno ravnino, si ne moreš privoščiti sekunde oddiha, ko se kot s pečine vržeš v neznankin objem, si ne moreš privoščiti prometnih nesreč, morda gre zgolj za mojo nepotrpežljivost, toda močno verjamem, da se tu in tam znajdemo v situacijah, ko mora vse, kot radi rečemo, potekati kot po maslu, ko preprosto, kot rad rečem, ne smemo ničesar zajebati.
V teh redkih in dragocenih trenutkih sem v prsih vselej začutil glas, kot bi samemu sebi mrmral temeljni življenjski napotek: Ne zajebi, ne zajebi, ne zajebi …
Skoraj natanko pet let po tej izkušnji ter le nekaj mesecev pred povratno četrtfinalno tekmo Barce in Atletica sem bral romanMalina(Pomurska založba, prevod Anja Uršič) avstrijske pesnice in pisateljice Ingeborg Bachmann. Kaj naj rečem drugega, kot da sem na dobrih tristotih straneh našel sorodno nepotrpežljivo dušo? Prvoosebna pripovedovalka na dunajski ulici Landstrasser Hauptstrasse sreča poročenega (ta podatek ni bistven) Ivana in ko pozneje razmišlja, zakaj se je njuna ljubezen razplamtela, zapiše, da je »sreča, da sem v hipu dojela, kaj me je prevzelo v prvi uri, in da sem zato takoj, ne da bi se sprenevedala, brez ugovora, šla z Ivanom«, in našteva, katere zunanje okoliščine bi se jima lahko postavile na pot: »Avtomobilska hupa bi se lahko vmešala v prvi stavek, policist, ki bi zapisal nepravilno parkirano motorno kolo, pešec bi se lahko godrnjaje opotekel med naju, fant z dostavnim avtom bi nama lahko zaprl razgled, moj bog, ne smem pomisliti, kaj vse bi lahko poseglo vmes.« Dosegla je stanje, ko končno hodi naokrog »v svojem mesu«, ko čuti, »kako se sproščajo mišice iz stalne krčevitosti, njihov gladko progasti in prečno progasti sistem se rahlja«, in ko čuti, »kako se oba živčna sistema spreobračata«, zapiše, da »nič ni bolj razločno kot ta spreobrnitev, proces, ki hoče vse popraviti, očiščenje, živ, resničen dokaz, ki bi ga lahko izmerili in označili z najnovejšimi inštrumenti metafizike«. In kaj se ji zdi pri tem ključno? Da ni zamudila niti ure, »kajti to dogajanje, o katerem ne moreš vnaprej ničesar vedeti, o katerem nisi nikoli vedel, o katerem nisi nikoli ničesar slišal ali bral, potrebuje največji pospešek, da se lahko dopolni. Malenkost bi ga lahko zadušila v začetku, zadavila, ustavila v zagonu, tako občutljiv je začetek in nastanek te najmočnejše sile na svetu, ker je svet pač bolan in zdravo silo zatira.«